Katarina Termačić est une artiste dont le parcours académique et l’exploration constante des techniques artistiques ont forgé un style unique et captivant. Son déménagement dans la campagne picarde il y a plus de quinze ans a marqué un tournant dans sa carrière, lui permettant d’établir son propre atelier et de se consacrer pleinement à son art.
Exploration du papier comme médium artistique
Dans ses œuvres, l’artiste privilégie le papier comme support principal, exploitant sa capacité à capturer l’éphémère des taches d’aquarelle ou de lavis. À travers ces médiums, elle crée des scènes figuratives empreintes d’une non-réalité poétique, invitant le spectateur à plonger dans un univers où les frontières entre le tangible et l’imaginaire s’effacent.
Extension vers la peinture à l’huile et les grands formats
Cependant Katarina ne se limite pas au papier. Elle explore également la peinture à l’huile sur toile pour ses œuvres de plus grand format, où elle déploie toute la richesse de sa vision artistique. Dans ces tableaux, le temps semble s’étirer, offrant au spectateur une expérience immersive où chaque détail est une invitation à la contemplation.
Visionnaire du papier, maître de la couleur, pionnier de la publicité artistique : retour sur Jules Chéret, le roi de l’affiche, celui qui a transformé les murs de Paris en galeries à ciel ouvert.
Avant Instagram, il y avait… Jules Chéret
Bien avant les influenceurs, les spots TV ou les bannières numériques, Jules Chéret impose un nouveau langage visuel dans les rues de Paris. À la fin du XIXe siècle, cet artiste autodidacte invente une forme inédite de communication visuelle : l’affiche illustrée en couleurs. Son secret ? Une alchimie unique entre innovation technique, impact visuel et audace artistique, qui révolutionne l’art de la réclame et marque la naissance de la publicité moderne.
Un autodidacte entre Paris et Londres
Né en 1836 à Paris, Chéret apprend la gravure sur bois avant de partir à Londres, où il découvre l’impact des affiches anglaises : colorées, directes, puissantes. Inspiré, il fonde à son retour son propre atelier de lithographie en 1866 et met au point un procédé révolutionnaire : l’impression en couleurs à trois pierres (bleu, rouge, jaune), bien plus vive et rapide que les techniques d’alors. C’est le point de départ d’une véritable explosion visuelle dans l’espace urbain.
L’art de séduire le passant
Chéret comprend vite que l’efficacité publicitaire passe par l’émotion et le plaisir. Il inonde les murs de Paris de grandes affiches éclatantes pour des théâtres, cafés-concerts, opéras, produits de beauté, apéritifs ou magasins de nouveautés.
Son style, joyeux et dynamique, est immédiatement reconnaissable. Il crée la fameuse « Chérette », figure féminine souriante, libre et virevoltante, symbole d’un art populaire et optimiste. Ces femmes dansantes, loin des stéréotypes, incarnent une féminité moderne et urbaine — bien avant l’heure.
Une affiche pensée comme un tableau
Ce qui distingue Jules Chéret, c’est sa vision artistique. Il ne conçoit pas l’affiche comme un simple outil de vente, mais comme une œuvre d’art à part entière.
Il joue avec les aplats de couleur, les lignes courbes, les typos expressives, et compose ses affiches comme des tableaux. Le critique Roger Marx dira de lui : « C’est un Watteau des carrefours. »
Son influence est immense : Toulouse-Lautrec, Mucha, Grasset, Bonnard, Cappiello… tous lui doivent quelque chose. Il est le premier à montrer qu’on peut mêler beauté et message commercial. En 1895, il est même mis à l’honneur dans la revue Les Maîtres de l’Affiche, référence absolue de l’illustration de l’époque.
De la rue aux cimaises des musées
À la fin du siècle, les affiches de Chéret ne se contentent plus d’habiller les rues : elles s’exposent, s’encadrent, se collectionnent. C’est le début de l’affichomanie. En 1890, il est fait chevalier de la Légion d’honneur, consacrant une carrière exceptionnelle.
Aujourd’hui encore, son œuvre reste d’une modernité saisissante. Il suffit de visiter l’exposition « L’art est dans la rue » au musée d’Orsay (jusqu’au 6 juillet 2025) pour s’en rendre compte : Jules Chéret a su inscrire l’art dans le quotidien et l’image dans l’imaginaire collectif.
📌 En résumé :
Jules Chéret est considéré comme le père de l’affiche illustrée moderne.
Il a transformé la publicité en un média artistique populaire, visible et vivant.
Son influence rayonne encore aujourd’hui, dans les musées, les écoles d’art et les rues du monde entier.
Avec sa nouvelle série de toiles semi-abstraites, Dannie Launay signe un retour puissant à son langage pictural originel. Intitulée Le souffle du temps, cette série explore les notions de passage, de mémoire, et d’énergie cosmique, dans un geste à la fois maîtrisé et vibrant.
Dans un contexte où le marché de l’art contemporain semble redonner ses lettres de noblesse à la figuration, Dannie Launay fait le choix inverse : elle revient avec force à une abstraction sensible, loin des effets, proche du souffle.
Un retour à l’abstraction : fidélité ou renouveau ?
« Ce que je faisais avant, c’était de l’abstraction. Et j’y reviens avec un bonheur total », confie l’artiste. Ce retour n’a rien d’un reniement. Il marque plutôt une continuité intérieure, une fidélité à une voix plastique qui interroge les formes en mutation, les tensions de la matière, les interstices du visible.
Fonte des neiges 80 x 80
Les trois piliers de sa nouvelle série : espace-temps, fonte des neiges, cosmos
Dans Le souffle du temps, trois thématiques majeures traversent les œuvres de Dannie Launay :
L’espace-temps : une réflexion picturale sur la perception du temps, au-delà des horloges.
La fonte des neiges : métaphore visuelle de la disparition, de la transformation.
L’espace : vaste champ d’intuitions, d’énergie, de silence.
Ces trois axes ne sont pas illustrés. Ils sont ressentis, exprimés à travers des formes flottantes, des nuances fondues, et une matière qui semble respirer. Chaque toile est une condensation d’émotions, un fragment d’atmosphère.
Espace temps n°2
Une peinture du ralentissement et de la suggestion
Le geste pictural de Dannie Launay est épuré, mais habité. Elle refuse le spectaculaire, lui préférant une peinture du retrait, de l’écoute, de la lenteur. Le regard est invité à habiter l’image, à se laisser traverser plutôt qu’à décoder.
Cette approche évoque le travail de Zao Wou-Ki, dans la manière d’inscrire le souffle du monde dans une forme intuitive, ou encore celui de Per Kirkeby, où la matière parle de géologie intérieure. Mais Dannie Launay suit sa propre trajectoire, à la frontière du visible et de l’invisible.
Le souffle du temps : une abstraction habitée
Ce qui traverse toute cette série, c’est le temps. Pas celui des montres, mais celui du corps, de la mémoire, de la trace. Le souffle du temps, c’est aussi une manière de rappeler que l’abstraction n’est pas un style, mais une façon d’être au monde.
Dans l’espace 80 x 80
Pourquoi suivre Dannie Launay aujourd’hui ?
Elle propose une abstraction renouvelée, sensible et contemporaine.
Elle fait partie des artistes femmes françaises à suivre pour leur démarche singulière et cohérente.
Le souffle du temps résonne avec les grandes questions du monde actuel : le temps, la transformation, la mémoire.
À retenir :
Dannie Launay ne peint pas le monde tel qu’il est, mais tel qu’il respire. Avec Le souffle du temps, elle nous invite à ralentir, à ressentir, à être présents.
Une grande rétrospective consacrée à une figure majeure de l’art baroque féminin
Du 19 mars au 3 août 2025, lemusée Jacquemart-André à Paris accueille une exposition événement : « Artemisia. Héroïne de l’art », entièrement consacrée à Artemisia Gentileschi, l’une des premières femmes artistes de l’histoire à avoir vécu de son art.
Explorez l’univers du maître de la photographie humaniste, jusqu’au 2 juin 2025
L’exposition Sebastião Salgado. Collection de la MEP, présentée aux Franciscaines de Deauville, prend aujourd’hui une résonance toute particulière. Le 23 mai 2025, Sebastião Salgado nous a quittés à l’âge de 81 ans. Figure majeure de la photographie mondiale, il laisse derrière lui une œuvre monumentale, empreinte d’humanisme, de rigueur esthétique et d’engagement.
À travers cette exposition riche de plus de 100 tirages issus de la collection de la MEP (Maison Européenne de la Photographie), c’est tout un pan de notre mémoire collective qui s’expose : celle des peuples oubliés, des travailleurs invisibles, des exilés, mais aussi celle d’une planète encore intacte.
Un photographe engagé, une œuvre monumentale
Considéré comme l’un des plus grands photographes contemporains, Sebastião Salgado a parcouru le monde pendant près de cinquante ans pour documenter les bouleversements sociaux, politiques et environnementaux. Son style inimitable en noir et blanc, tout en nuances et en contrastes, révèle une force narrative rare.
Aux Franciscaines, le public découvre une sélection exceptionnelle issue de la collection de la Maison Européenne de la Photographie (MEP). Cette exposition offre un panorama unique de ses grands cycles photographiques : Autres Amériques, La Main de l’Homme, Exodes et Genesis.
La disparition de Sebastião Salgado résonne profondément dans le monde de l’art. Ce photographe-voyageur, économiste de formation, aura su toute sa vie conjuguer rigueur documentaire, conscience sociale et poésie visuelle. Cette exposition devient aujourd’hui un hommage vibrant à son regard unique sur l’humanité et à sa quête inlassable de sens.
Pourquoi visiter l’exposition Sebastião Salgado ?
Pour découvrir une œuvre photographique engagée et d’une beauté saisissante
Pour explorer des thèmes universels : migration, travail, nature, mémoire
Pour vivre une expérience immersive dans un lieu culturel exceptionnel
Pour rendre hommage à un immense artiste récemment disparu
Une plongée immersive dans l’univers créatif de la célèbre styliste britannique
Jusqu’au 15 juillet 2025, la galerie Dr. Robot à Valence accueille l’exposition Carrera de Lápices, une expérience artistique inédite consacrée à la légendaire créatrice de mode Zandra Rhodes. Organisée par Andrey Bartenev et Alexander Khromov, cette exposition transforme l’espace en un fragment vivant de son studio londonien, offrant une immersion sensorielle dans l’atelier de l’artiste.
Zandra Rhodes, pionnière de la mode britannique, est connue pour ses imprimés colorés et ses créations audacieuses. Habillant aussi bien Freddie Mercury que Lady Diana, elle a marqué l’histoire du design textile. Carrera de Lápices révèle les coulisses de son processus créatif, à travers des croquis, des tissus, et des objets de son studio. L’exposition met en lumière le rôle central du dessin – et en particulier du crayon – comme point de départ de toute création.
Pourquoi visiter Carrera de Lápices à Valence ?
Une scénographie immersive qui reconstitue l’univers intime de Zandra Rhodes
Des œuvres originales et des objets rares issus de son studio londonien
Une inspiration pour les passionnés de mode, d’art et de design textile
Une exposition unique en Espagne, à découvrir au cœur de Valence
Cette exposition est une véritable ode à la créativité et à la liberté d’expression artistique. Elle s’adresse aussi bien aux amateurs de mode qu’aux jeunes créateurs en quête de repères.
Du 24 mai au 31 août 2025, le Musée Blanche Hoschedé-Monet à Vernon accueille une exposition exceptionnelle consacrée à Pierre Bonnard. Intitulée Une Arcadie normande (1911-1938), cette exposition rend hommage au célèbre peintre des Nabis, installé à Vernonnet dès 1911. Une occasion unique de redécouvrir l’univers intime et lumineux de Bonnard à travers des œuvres rares, dont deux tableaux inédits.
Une exposition dédiée à Pierre Bonnard dans le musée impressionniste de Vernon
Pierre Bonnard Musée Blanche Hoschedé-Monet : cette association prend tout son sens ici. À Vernonnet, dans la maison qu’il appelait Ma Roulotte, Bonnard puise son inspiration dans la campagne normande, peignant de mémoire des paysages baignés de lumière. Contrairement aux impressionnistes qui peignent sur le motif, il préfère reconstruire la sensation a posteriori, avec une palette éclatante et des compositions poétiques.
Des œuvres inédites de Pierre Bonnard exposées à Vernonnet
Le Musée Blanche Hoschedé-Monet, seul musée de l’Eure à posséder des œuvres de Bonnard, expose deux huiles sur toile et deux dessins de Marthe, compagne et muse du peintre. À cette collection s’ajoutent deux tableaux présentés pour la première fois, prêtés par une collection privée.
Prairie à Vernon, vue sur la SeineNature morte au bouquet de fleurs
« Prairie à Vernon, vue sur la Seine » (1928) illustre un paysage normand sublimé, baigné de teintes vert bleuté et ponctué de touches ocres. Cette composition met en scène un rideau végétal foisonnant qui s’ouvre sur une Seine paisible, offrant une vision d’Arcadie moderne.
« Nature morte au bouquet de fleurs » (vers 1920) démontre l’attachement de Bonnard aux scènes du quotidien. Les fleurs sauvages, dans un vase en faïence, semblent éclater dans une explosion de couleurs, transformant l’ordinaire en un spectacle vibrant.
Pourquoi visiter l’exposition Pierre Bonnard au Musée Blanche Hoschedé-Monet ?
L’exposition Pierre Bonnard à Vernonnet – Une Arcadie normande s’intègre au parcours permanent Une histoire impressionniste de Claude Monet à Pierre Bonnard. Elle met en valeur la richesse du territoire normand dans la création artistique du XXe siècle. Grâce à une scénographie intimiste et des prêts d’exception, cette exposition offre un regard sensible sur l’œuvre du peintre.
Du 12 mai au 30 septembre 2025, les rues de Vernon (Eure) se transforment en galerie à ciel ouvert grâce à l’artiste contemporain français Richard Orlinski. Dans le cadre de l’expositionAnimaux Art Décodu Musée Blanche Hoschedé-Monet, l’événement Animaux Pop Art offre une immersion urbaine et colorée dans l’univers bestial et facetté de l’un des artistes les plus populaires au monde.
Une immersion dans l’univers animalier de l’Art Déco
À l’occasion du centenaire du mouvement Art Déco, le musée Blanche Hoschedé-Monetà Vernon (Normandie) propose une exposition exceptionnelle intitulée Animaux Art Déco. Du 17 mai au 21 septembre 2025, cette exposition met à l’honneur l’animal dans toutes ses formes artistiques à travers le prisme de l’Art Déco, un courant qui a révolutionné les arts décoratifs à partir des années 1920.
François Pompon et son célèbre Ours stylisé
Des artistes majeurs et des œuvres iconiques
L’exposition rassemble des pièces uniques signées par les plus grands noms de la sculpture animalière :
Ces œuvres, issues de musées prestigieux (MuMa Le Havre, Musée Pompon, CNAP…) et de galeries renommées, témoignent d’un véritable âge d’or de la création animalière, entre géométrie, abstraction et finesse du détail.
L’Art Déco : une esthétique entre nature et modernité
Le style Art Déco, né après la Première Guerre mondiale, associe formes géométriques, matériaux luxueux et recherche de modernité. Dans le domaine animalier, cela se traduit par une simplification des lignes, des silhouettes stylisées et un travail minutieux des textures (bronzes polis, bois exotiques, laques…). L’animal devient un symbole d’élégance, loin du réalisme du XIXe siècle.
Un programme culturel riche pour petits et grands
En plus de l’exposition, le musée propose :
Des visites guidées tous les samedis (sans réservation)
Des ateliers enfants et familles, comme la création de vases inspirés d’œuvres Art Déco ou la personnalisation de tote bags avec des motifs géométriques
Deux conférences, animées par des conservateurs du patrimoine, sur l’Art Déco et l’art animalier
Pourquoi visiter Animaux Art Déco ?
✔️ Une exposition inédite en France sur l’animal dans l’Art Déco ✔️ Des pièces rares prêtées par des institutions majeures ✔️ Une scénographie élégante et immersive ✔️ Un événement intergénérationnel, entre art, patrimoine et ateliers créatifs
🎟️ Ne manquez pas cette plongée dans le bestiaire stylisé de l’Art Déco à Vernon. Une exposition idéale pour les amateurs d’art, les passionnés de design et les curieux de tous âges.
Une foire d’art contemporain engagée à Castellón, au bord de la Méditerranée
Depuis maintenant 12 éditions, la foire MARTE s’impose comme un événement clé de la scène artistique contemporaine espagnole. Située à Castellón, dans la région de Valence, elle défend une vision inclusive de l’art : rendre la collection d’art accessible, loin du cliché élitiste.
Du 23 au 25 mai 2025, MARTE Castellón accueillera les passionnés d’art contemporain dans un format à taille humaine, avec une sélection rigoureuse de 20 galeries issues de toute l’Espagne.
Des galeries de toute l’Espagne et une sélection exigeante
Chaque édition de MARTE repose sur une sélection minutieuse de projets artistiques portés par des galeries renommées ou émergentes. L’objectif : présenter des œuvres puissantes, innovantes, mais accessibles.
Parmi les galeries présentes cette année :
Artizar avec Victoria Ramírez
Arma Gallery avec Kyte Tatt & Jiri Hauschka
Herrero de Tejada avec Miguel Ángel Erba
Shiras avec Eduardo Urdiales & Enrique Zabala
Modus Operandi avec Juan Díaz Faes
EST_ART Space, Proyecto H, Antonia Puyó, 95 ART GALLERY, La Mercería, La Gran, Galería Ola, Llamazares, Lapislázuli.Gallery, Galería Batec, La Panartería, Olga Julián, Garage Bonilla, Espai Nivi…
Autant de noms qui témoignent de la diversité stylistique et de l’effervescence créative de la scène espagnole actuelle.
Un artiste invité de renom : Robert Ferrer I Martorel
Cette édition 2025 met à l’honneur Robert Ferrer I Martorell, artiste espagnol né à Picassent, figure reconnue de l’abstraction géométrique contemporaine. Représenté par la galerie Pep Llabrés (Majorque), il bénéficie d’une reconnaissance institutionnelle en Espagne comme à l’international. En 2016, il a notamment été sélectionné par l’Institut Cervantes de Paris pour son installation Porta oberta a l’invisible
Une foire gratuite, ouverte à tous les publics
L’accès à MARTE et à toutes ses activités parallèles est gratuit, confirmant sa volonté d’ouvrir l’art au plus grand nombre. L’événement accueille chaque année de nombreux visiteurs : amateurs d’art, familles, jeunes collectionneurs ou professionnels du secteur, séduits par un format convivial et engagé.
MARTE Castellón 2025 : un rendez-vous à ne pas manquer
En misant sur la qualité des projets, la promotion des jeunes artistes et une approche inclusive de la collection, MARTE s’est imposée comme un rendez-vous incontournable de l’art contemporain en Espagne.
À la fois plateforme de visibilité pour les artistes et outil pédagogique pour les futurs collectionneurs, la foire contribue à faire de Castellón un pôle artistique majeur sur la côte méditerranéenne.
