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Peinture - Retrospective

Célébration du Centenaire de l’Amitié entre la Turquie et le Japon : Une exposition collective inoubliable au Tokyo Metropolitan Art Museum

Director of Tokyo Metropolitan Art Museum with Aslihan Ciftgul

Du 12 au 18 mai 2024, le Tokyo Metropolitan Art Museum a été le théâtre d’une exposition collective exceptionnelle pour célébrer le centenaire de l’amitié entre la Turquie et le Japon. Cet événement a offert une opportunité précieuse aux deux nations de renforcer leurs liens culturels et artistiques, réunissant artistes et amateurs d’art dans une célébration vibrante de créativité et de collaboration.

Une fête de l’amitié et de la créativité

L’ambassade de Turquie au Japon a joué un rôle central dans l’organisation de cet événement, invitant des artistes renommés à exposer leurs œuvres. Parmi eux, Aslihan Ciftgul, une figure emblématique de l’art contemporain, a honoré de sa présence cette exposition. Sa participation témoigne de l’importance accordée par la Turquie à cet anniversaire significatif, symbolisant un siècle d’échanges culturels, de respect mutuel et d’amitié sincère entre les deux pays.

Les Œuvres d’Aslihan Ciftgul

Parmi les pièces exposées, Aslihan Ciftgul a présenté deux œuvres remarquables représentant des figures historiques importantes de la République turque.

Sabiha Gökçen : La première femme pilote de la République Turque

L’une des œuvres phares de Ciftgul est un portrait de Sabiha Gökçen. Reconnue comme la première femme pilote de combat par le Livre Guinness des records, Gökçen a effectué environ 8 000 heures de vol et participé à 32 opérations militaires différentes au cours de sa carrière. Elle a reçu de nombreuses récompenses, dont la médaille d’or de la Fédération Internationale de l’Aviation en 1991, et a été la seule femme sélectionnée pour l’affiche des « 20 plus grands aviateurs de l’histoire » en 1996.

Vecihi Hürkuş : Le premier pilote masculin de la République Turque

La seconde œuvre de Ciftgul représente Vecihi Hürkuş, un pilote de combat turc et un brillant ingénieur aéronautique. Hürkuş a construit le premier avion de la Turquie, le Vecihi K-IV, et a fondé la première école de pilotage civile du pays. Ses contributions ont été reconnues par de nombreuses récompenses honorifiques, soulignant son rôle de pionnier dans l’aviation turque.

Un Pont Culturel entre la Turquie et le Japon

Cette exposition au Tokyo Metropolitan Art Museum n’a pas seulement célébré le centenaire de l’amitié entre la Turquie et le Japon, mais elle a également servi de plateforme aux artistes des deux pays pour partager leurs visions et leurs inspirations. En mettant en lumière la diversité et la richesse des expressions artistiques, cet événement a renforcé les liens culturels et promu une compréhension mutuelle entre les deux nations.

Les visiteurs de l’exposition ont eu l’occasion de découvrir la profondeur et la variété des œuvres présentées, chaque pièce racontant une histoire unique et reflétant l’héritage culturel des artistes. Cette célébration artistique a marqué un moment important dans l’histoire des relations turco-japonaises, symbolisant un avenir prometteur de collaboration et d’échanges culturels enrichissants.

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Actualités - Agenda - Photographie

Yasuhiro Ishimoto : Un pont entre deux cultures à l’honneur à LE BAL

le photographe japonais Yasuhiro Ishimoto expose au Le Bal
Kochi Prefecture, Ishimoto Yasuhiro Photo Center

Pour la première fois en Europe, le photographe japonais Yasuhiro Ishimoto est célébré à travers une exposition rétrospective majeure.

Du 19 juin au 17 novembre 2024, Paris devient le théâtre d’un événement photographique exceptionnel avec l’exposition de Yasuhiro Ishimoto au LE BAL. Cette exposition, organisée en collaboration avec le Ishimoto Yasuhiro Photo Center au Museum of Art de Kochi au Japon, met en lumière un artiste souvent méconnu en France, offrant aux visiteurs européens un aperçu de l’œuvre d’une figure clé de la photographie du XXe siècle.

Né à San Francisco en 1921 de parents japonais, Ishimoto a été élevé au Japon avant de retourner aux États-Unis où il fut interné pendant la Seconde Guerre mondiale en raison de ses origines. Libéré, il intègre l’Institute of Design de Chicago, un centre influencé par les idéaux du Bauhaus. C’est là qu’Ishimoto forge son œil photographique, mêlant rigueur formelle et sensibilité esthétique.

L’exposition présente 169 tirages d’époque, permettant de parcourir les premières décennies de l’artiste entre Chicago et le Japon. Les visiteurs peuvent ainsi découvrir comment Ishimoto, qualifié de « visuellement bilingue » par le photographe américain Minor White, a su fusionner les approches formelles du Nouveau Bauhaus avec les nuances de l’esthétique japonaise.

Selon Ikko Tanaka, célèbre designer graphique, Ishimoto représente un « modernisme intellectuel et austère » ayant influencé de nombreux artistes. Ses photographies, souvent comparées aux sculptures de Brancusi, manifestent une profonde réflexion sur la forme, l’espace et la lumière, faisant écho à la fois à ses racines japonaises et à son éducation occidentale.

Outre ses contributions esthétiques, Ishimoto a également innové dans la publication de livres de photographie, avec des ouvrages révolutionnaires tels que « Someday, Somewhere » (1958), qui ont redéfini le genre. Ces livres sont également mis en avant dans l’exposition, témoignant de sa volonté de repousser les limites du médium photographique.

L’exposition au LE BAL n’est pas seulement une célébration du travail d’Ishimoto ; elle invite également à une réflexion sur les interactions entre culture, identité et expression artistique. Elle pose la question de l’impact des origines culturelles et des expériences de vie sur la création artistique, offrant aux visiteurs une occasion de réfléchir à la manière dont l’art peut servir de pont entre les cultures.

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Actualités - Peinture

Sylvie Dubal : L’apocalypse et l’espoir en exposition au CAC de Perpignan

Sylvie Dubal Centre d'art contemporain de Perpignan

La direction de la Culture de la Ville de Perpignan a le plaisir de dévoiler une nouvelle exposition captivante des œuvres de l’artiste suisse Sylvie Dubal. Connue pour son style distinct de peinture d’anticipation, Dubal propose une réflexion profonde sur la condition humaine et les menaces de la modernité à travers une série d’œuvres qui ne laisseront personne indifférent.

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Actualités

Benjamin Vautier, alias Ben, s’est éteint : un artiste inimitable nous quitte

Mort de Benjamin Vautier
wikipedia

Le monde de l’art contemporain est en deuil. Benjamin Vautier, plus connu sous le nom de Ben, est décédé ce mercredi à l’âge de 88 ans, dans sa maison de Saint-Pancrace, près de Nice. Son décès survient quelques temps après celui de son épouse, Annie Vautier. Selon le communiqué officiel de sa famille, l’artiste s’est donné la mort, ne pouvant envisager la vie sans elle.

Un style reconnaissable entre mille

Ben était surtout connu pour ses œuvres calligraphiées de manière enfantine, en lettres blanches sur fond noir. Ces inscriptions, uniques et claires, étaient devenues sa signature, un logo reconnaissable entre mille. Depuis plus de cinquante ans, les mots étaient au cœur de son œuvre, unissant concept et popularité, histoire et actualité.

Un parcours artistique riche et foisonnant

Né en Suisse le 18 juillet 1935, Ben a commencé sa carrière artistique dans une librairie-papeterie à Nice, achetée par sa mère pour l’inciter à trouver une voie. Rapidement, il transforme ce commerce en un lieu d’exposition et de rencontres pour les jeunes artistes de l’avant-garde niçoise. Le Laboratoire 32, devenu la Galerie Ben Doute de Tout, est ainsi devenu un espace emblématique pour l’art contemporain.

En 1975, ses œuvres font leur entrée dans les collections du Musée national d’art moderne à Paris, consacrant ainsi son influence et son talent.

L’art et la vie, une indissociable unité

Pour Ben, l’art ne devait jamais être séparé de la vie. Sa maison à Saint-Pancrace, surnommée « Chez Malabar et Cunégonde », était à la fois un lieu de vie, de création et de débats artistiques. Ce lieu, rempli d’œuvres, d’archives et d’objets de récupération, est aujourd’hui la Fondation du doute, un hommage vivant à la philosophie de Ben : une prolifération artistique sans limites, où l’économie de la subsistance par la récupération et le troc remplace le marché de l’art capitaliste.

Une figure clé du mouvement Fluxus

À la fin des années 1950, Ben rencontre Arman, Yves Klein et d’autres artistes du Nouveau Réalisme. Ces rencontres influencent profondément son œuvre. En 1962, il participe au Festival of Misfits à Londres, où il rencontre George Maciunas, fondateur du mouvement Fluxus. L’année suivante, Ben organise à Nice une série d’événements Fluxus, marquant ainsi l’arrivée de ce mouvement en France.

Ses voyages, notamment à New York en 1964, renforcent son lien avec Fluxus, et il ne cessera de porter son message tout en cultivant sa propre singularité.

Un art conceptuel et activiste

Ben utilise des gestes simples pour créer des œuvres d’art percutantes. Ses déclarations calligraphiées, souvent provocantes et humoristiques, engagent un dialogue avec le public, suscitant des réactions et des débats. Il joue avec les contradictions, affirmant la non-séparation de l’art et de la vie.

Ses œuvres, qu’elles soient des objets signés ou des performances, visent à transformer la conscience du monde sans ajouter de nouveaux objets, mais en réinterprétant ceux qui existent déjà.

L’héritage d’un artiste inoubliable

La disparition de Ben laisse un vide immense dans le monde de l’art. Son œuvre, marquée par une quête incessante de vérité et une remise en question permanente, continuera d’inspirer et de provoquer. Son approche unique, mêlant simplicité et profondeur, a su toucher un large public, rendant l’art accessible à tous.

Benjamin Vautier, alias Ben, était plus qu’un artiste : il était un philosophe de l’art, un provocateur bienveillant, et une figure essentielle de l’art contemporain. Son héritage perdurera, rappelant l’importance de l’innovation, de la diversité et de l’intégration de l’art dans tous les aspects de la vie.

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Actualités - Voyage dans l'art

La véritable histoire du tableau « L’Atelier Rouge » de Matisse

L'atelier rouge de Matisse

L’Atelier rouge de Henri Matisse se présente comme un témoignage du pouvoir transformateur de la couleur et de la forme dans l’art moderne. Créée en 1911, cette peinture a été initialement introduite sous le nom de « Panneau rouge », mettant en avant son éloignement des peintures traditionnelles sur chevalet pour une approche plus intégrée et décorative. Ce titre soulignait l’audace monochrome de l’œuvre, focalisant sur sa bravoure coloristique plutôt que sur ses éléments figuratifs — un mouvement avant-gardiste de Matisse qui reflétait l’esprit du modernisme naissant.

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Actualités - Voyage dans l'art

Exposition d’un Manet au Musée de Picardie

À l’occasion des 150 ans de l’impressionnisme, Sur la plage, d’Édouard Manet, est visible du 16 mars au 16 juin 2024 au musée de Picardie d’Amiens. Cest le Musée d’Orsay qui a prêté à Amiens cette œuvre “locale” d’Édouard Manet (1832-1883), peinte en 1873 à Berck-sur-Mer.

Depuis le 16 mars, le Musée de Picardie offre à ses visiteurs une immersion envoûtante dans l’univers de l’impressionnisme à travers l’exposition exceptionnelle « Sur la plage« . Prêtée par le prestigieux Musée d’Orsay, cette œuvre emblématique d’Édouard Manet transporte le public dans un voyage artistique au cœur du mouvement qui a révolutionné la peinture française

Exploration d’un chef-d’œuvre

Datée de 1873, « Sur la plage«  est bien plus qu’une simple toile. C’est une fenêtre ouverte sur le rivage de Berck-sur-Mer, où l’artiste capture l’instant fugace où sa femme Suzanne et son frère Eugène se laissent emporter par la quiétude de la lecture ou la contemplation de l’océan. À travers cette scène intimiste, Manet nous convie à partager un moment de sérénité et de mélancolie, tout en nous invitant à adopter le regard du plaisancier, imprégné de la magie de la mer.

Le génie de Manet et l’esprit impressionniste

Édouard Manet, figure tutélaire de l’impressionnisme, se distingue par sa vision singulière du monde. Précurseur de ce mouvement audacieux, il défie les conventions académiques en privilégiant la spontanéité, la luminosité et la fluidité dans ses œuvres. « Sur la plage » en est un parfait exemple, où les couleurs vives et les touches légères expriment toute la vivacité de la nature et de la vie moderne.

Un écho poétique

À travers cette exposition, l’émotion est palpable. La composition délicate, les couleurs vibrantes et les formes esquissées avec une élégance subtile captivent le spectateur et le transportent dans un univers où se mêlent beauté et éphémérité. Les mots de Stéphane Mallarmé, ami de Manet, résonnent comme une invitation à contempler l’infini et le néant, à saisir l’essence même de l’existence à travers le prisme de l’art.

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Actualités - Sculpture - Street art

ASTRO

l'arstiste ASTRO dans son atelier avec une de ses sculptures
Lionel Belluteau

Dans le monde de l’art urbain contemporain, l’artiste-plasticien ASTRO se démarque par son audace créative et sa capacité à repousser les frontières de l’expression artistique. Récemment, il a annoncé une nouvelle phase de sa carrière avec le lancement de son premier ouvrage intitulé « DIMENSIONS », ainsi que son incursion remarquée dans le domaine de la sculpture.

Lancement de « Dimensions » au centre d’art Urbain Fluctuart

L’ouvrage « DIMENSIONS« , qui sera dévoilé le 25 mai 2024 au centre d’art urbain Fluctuart à Paris, promet une plongée captivante dans les vingt années de carrière d’ASTRO. Des premiers graffitis réalisés dans la banlieue nord de Paris jusqu’à ses fresques monumentales aux illusions d’optique saisissantes à travers le globe, cet ouvrage offre une rétrospective complète de l’évolution artistique de cet innovateur de talent.

ASTRO et la Sculpture : Une nouvelle dimension

ASTRO, connu pour ses trompe-l’œil XXL qui redéfinissent les limites de la perspective, s’engage désormais dans une exploration tridimensionnelle avec la sculpture. Son passage de la toile aux œuvres sculpturales marque une évolution naturelle dans sa démarche artistique, tandis qu’il cherche à repousser encore plus loin les frontières de son art. Ses sculptures, caractérisées par un jeu d’optique subtil et une manipulation habile de la gravité, promettent de captiver le public et de transformer l’espace urbain en un terrain de jeu artistique sans limites.

Impact d’ASTRO avec Urban Block

Mais l’impact d’ASTRO ne se limite pas à ses œuvres individuelles. En tant que membre du collectif Urban Block, il participe activement à la revitalisation artistique du quartier de Thrive Art District en Floride, en collaborant à la création d’œuvres monumentales en béton qui redéfinissent l’esthétique urbaine.

L’engagement d’ASTRO envers l’innovation artistique et son influence sur la scène urbaine contemporaine sont indéniables. Son travail est régulièrement exposé dans des institutions prestigieuses à travers le monde, témoignant ainsi de sa reconnaissance internationale et de son impact durable sur le paysage artistique mondial.

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Voyage numérique dans le temps : À la découverte des Maîtres du Nord aux Bassins des Lumières à Bordeaux

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Les Bassins des Lumières à Bordeaux accueillent jusqu’au 5 janvier 2025 une exposition révolutionnaire : « Voyage numérique dans le temps : À la découverte des maîtres du nord« . Cette manifestation unique mêle l’art des grands maîtres hollandais avec les technologies numériques les plus avancées, offrant aux visiteurs une immersion sans précédent dans l’histoire de l’art visuel européen.

Traversée lumineuse : Sur les canaux des Maîtres Hollandais

Naviguant le long des canaux flamands, entourés de bassins monumentaux qui semblent inviter à la contemplation, les visiteurs sont conviés à marcher sur les traces de ces grands maîtres. Leur guide ? La lumière, avec ses nuances infinies, de la plus crue à la plus douce, du froid glacial à la chaleur solaire, qui sculpte les façades et pénètre l’intimité des demeures avec une précision et une émotion inégalées.

Vermeer, le cinéaste de la lumière : scènes de vie suspendues

Au détour d’une ruelle, c’est dans un climat évoquant Vermeer que le visiteur est accueilli. Le peintre, en véritable metteur en scène, choisit son angle, orchestrant la lumière et les ombres pour créer des scènes où le temps semble suspendu. Ses œuvres, véritables invitations à pénétrer dans un univers où le quotidien côtoie le mystère, offrent une narration visuelle qui n’est pas sans rappeler l’intrigue d’un film hitchcockien.

Puis, c’est au tour de Rembrandt, maître incontesté du clair-obscur, de prendre le relais. Avec lui, la nuit tombe dans les cathédrales, enveloppant le spectateur dans une atmosphère empreinte de spiritualité, où les récits bibliques prennent vie sous nos yeux. Sa « Ronde de nuit », apothéose de cette exploration, révèle son génie du portrait et son réalisme saisissant.

L’âge d’or Hollandais : Un kaléidoscope de scènes et paysages

Le périple se poursuit à travers une galerie de scènes et de paysages qui ont marqué l’âge d’or hollandais : des divinités d’Abraham Bloemaert aux étendues enneigées d’Hendrick Avercamp, en passant par les mers agitées d’Hendrick Cornelisz Vroom et les tavernes joyeuses de Jan Steen, l’exposition est une célébration de la diversité et de la richesse de cette époque.

Van Gogh : Couleurs et rêves sous les cieux du sud

Enfin, Vincent Van Gogh, héritier spirituel de ces maîtres du XVIIe siècle, nous guide sous le soleil et la lune du Sud. Avec un pinceau chargé d’émotion, il réinvente les paysages, les autoportraits et les natures mortes, offrant une explosion de couleurs qui marque le point culminant de cette odyssée artistique. La nuit, sous son pinceau, devient un tableau vivant et onirique où le spectateur est invité à se perdre parmi les étoiles.

Entre Art et Technologie : Un hommage numérique à la beauté intemporelle

Cette création numérique, bien plus qu’une simple exposition, est une porte ouverte sur un monde où l’art du passé rencontre la technologie du présent pour célébrer la beauté éternelle de l’instant capturé.

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Edito ART MAG #20

Magazine ART MAG 20 ASTRO LIBECQ TERMACIC ET HENRICK BEIKIRCH

Chers lecteurs,

C’est avec une immense joie et un enthousiasme renouvelé que nous vous présentons le numéro de mai-juin de votre magazine préféré, Art Mag. Chaque édition est une aventure, et celle-ci ne fait pas exception ; elle a été conçue avec le plus grand soin pour vous offrir une expérience inoubliable.

Dans ce numéro, nous mettons en lumière des artistes sculpteurs qui repoussent les limites de la créativité et de l’expression artistique. Parmi eux, Vincent Libecq, dont les œuvres monumentales continuent de captiver et de susciter l’admiration. Vous découvrirez également les nouvelles créations d’ASTRO, un artiste qui intègre des éléments urbains dans ses sculptures en trois dimensions.

Nous vous emmenons également en voyage au-delà de la Méditerranée, jusqu’au cœur du Maroc, où l’artiste allemand Henrich Beikirch expose ses œuvres à la Fondation Montresso. Un cadre exceptionnel qui dialogue avec ses créations, enrichissant notre compréhension de l’art contemporain à travers des perspectives globales.

Notre dossier « Voyage dans l’art » vous propose une exploration des musées et fondations de France. De Manet à Matisse, en passant par la préhistoire, ce périple est une célébration de l’histoire de l’art et de ses héritages.

Nous sommes impatients que vous ayez ce numéro entre vos mains. Il marque un tournant dans l’histoire de notre magazine, reflétant non seulement l’évolution de l’art, mais aussi celle de notre engagement envers vous, nos lecteurs, pour qui nous nous efforçons de dépasser les attentes à chaque page tournée.

Profitez de chaque article, chaque image, et chaque découverte que ce numéro a à offrir.

Avec toute notre passion pour l’art,

Delphine Jonckheere

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ART CAPITAL 2024, un triomphe pour ANKHART avec un nouveau grand prix

ANKART ART CAPITAL PARIS

Créée en 2019 dans la capitale française, la galerie d’art en ligne ANKHART s’impose rapidement comme une référence majeure dans le paysage artistique français. Spécialisée dans la promotion d’artistes de renommée internationale, ANKHART a su marquer sa présence tant auprès des collectionneurs que lors de grands salons d’art internationaux. Au fil des cinq dernières années, les talents représentés par la galerie ont cumulé une impressionnante série de distinctions.