Dans l’atelier de Vincent Libecq naissent des sculptures qui sont bien plus que de simples objets d’art. Elles sont des vecteurs d’émotion, des ponts entre l’artiste et le spectateur. Né en 1966, Libecq apprend l’art de sculpter A 20 ANS. mais au delà de la technique transmettre ses émotions brutes pour toucher l’universel lui tient a cœur !
Les Bassins des Lumières à Bordeaux accueillent jusqu’au 5 janvier 2025 une exposition révolutionnaire : « Voyage numérique dans le temps : À la découverte des maîtres du nord« . Cette manifestation unique mêle l’art des grands maîtres hollandais avec les technologies numériques les plus avancées, offrant aux visiteurs une immersion sans précédent dans l’histoire de l’art visuel européen.
Naviguant le long des canaux flamands, entourés de bassins monumentaux qui semblent inviter à la contemplation, les visiteurs sont conviés à marcher sur les traces de ces grands maîtres. Leur guide ? La lumière, avec ses nuances infinies, de la plus crue à la plus douce, du froid glacial à la chaleur solaire, qui sculpte les façades et pénètre l’intimité des demeures avec une précision et une émotion inégalées.
Au détour d’une ruelle, c’est dans un climat évoquant Vermeer que le visiteur est accueilli. Le peintre, en véritable metteur en scène, choisit son angle, orchestrant la lumière et les ombres pour créer des scènes où le temps semble suspendu. Ses œuvres, véritables invitations à pénétrer dans un univers où le quotidien côtoie le mystère, offrent une narration visuelle qui n’est pas sans rappeler l’intrigue d’un film hitchcockien.
Puis, c’est au tour de Rembrandt, maître incontesté du clair-obscur, de prendre le relais. Avec lui, la nuit tombe dans les cathédrales, enveloppant le spectateur dans une atmosphère empreinte de spiritualité, où les récits bibliques prennent vie sous nos yeux. Sa « Ronde de nuit », apothéose de cette exploration, révèle son génie du portrait et son réalisme saisissant.
Le périple se poursuit à travers une galerie de scènes et de paysages qui ont marqué l’âge d’or hollandais : des divinités d’Abraham Bloemaert aux étendues enneigées d’Hendrick Avercamp, en passant par les mers agitées d’Hendrick Cornelisz Vroom et les tavernes joyeuses de Jan Steen, l’exposition est une célébration de la diversité et de la richesse de cette époque.
Enfin, Vincent Van Gogh, héritier spirituel de ces maîtres du XVIIe siècle, nous guide sous le soleil et la lune du Sud. Avec un pinceau chargé d’émotion, il réinvente les paysages, les autoportraits et les natures mortes, offrant une explosion de couleurs qui marque le point culminant de cette odyssée artistique. La nuit, sous son pinceau, devient un tableau vivant et onirique où le spectateur est invité à se perdre parmi les étoiles.
Cette création numérique, bien plus qu’une simple exposition, est une porte ouverte sur un monde où l’art du passé rencontre la technologie du présent pour célébrer la beauté éternelle de l’instant capturé.
Chers lecteurs,
C’est avec une immense joie et un enthousiasme renouvelé que nous vous présentons le numéro de mai-juin de votre magazine préféré, Art Mag. Chaque édition est une aventure, et celle-ci ne fait pas exception ; elle a été conçue avec le plus grand soin pour vous offrir une expérience inoubliable.
Dans ce numéro, nous mettons en lumière des artistes sculpteurs qui repoussent les limites de la créativité et de l’expression artistique. Parmi eux, Vincent Libecq, dont les œuvres monumentales continuent de captiver et de susciter l’admiration. Vous découvrirez également les nouvelles créations d’ASTRO, un artiste qui intègre des éléments urbains dans ses sculptures en trois dimensions.
Nous vous emmenons également en voyage au-delà de la Méditerranée, jusqu’au cœur du Maroc, où l’artiste allemand Henrich Beikirch expose ses œuvres à la Fondation Montresso. Un cadre exceptionnel qui dialogue avec ses créations, enrichissant notre compréhension de l’art contemporain à travers des perspectives globales.
Notre dossier « Voyage dans l’art » vous propose une exploration des musées et fondations de France. De Manet à Matisse, en passant par la préhistoire, ce périple est une célébration de l’histoire de l’art et de ses héritages.
Nous sommes impatients que vous ayez ce numéro entre vos mains. Il marque un tournant dans l’histoire de notre magazine, reflétant non seulement l’évolution de l’art, mais aussi celle de notre engagement envers vous, nos lecteurs, pour qui nous nous efforçons de dépasser les attentes à chaque page tournée.
Profitez de chaque article, chaque image, et chaque découverte que ce numéro a à offrir.
Avec toute notre passion pour l’art,
Delphine Jonckheere
Créée en 2019 dans la capitale française, la galerie d’art en ligne ANKHART s’impose rapidement comme une référence majeure dans le paysage artistique français. Spécialisée dans la promotion d’artistes de renommée internationale, ANKHART a su marquer sa présence tant auprès des collectionneurs que lors de grands salons d’art internationaux. Au fil des cinq dernières années, les talents représentés par la galerie ont cumulé une impressionnante série de distinctions.
Le 5 avril, le Carrousel du Louvre, un lieu emblématique de la culture parisienne, a ouvert ses portes pour accueillir le salon international d’Art Contemporain ART SHOPPING. Cet événement majeur s’est affirmé comme un centre névralgique de l’art contemporain en Europe. Parmi les participants notables, ANKHART, dirigée par Yaki Li, a présenté une collection impressionnante, mettant en scène les œuvres de douze artistes de renommée internationale.
L’exposition a brillé par la diversité et la richesse de ses œuvres, avec plus de 30 œuvres exposées par ANKHART. Des artistes venant de France, de Chine, de Hong-Kong, d’Allemagne, d’Italie et d’Australie ont illustré l’étendue et la profondeur du paysage artistique contemporain. Avec des styles allant du figuratif à l’abstrait et de l’art fantastique à l’art naïf, cette variété a démontré la capacité unique de l’art à transcender les frontières et à fédérer diverses cultures sous un même toit.
Patricia Cronier Zohar, en tant qu’invitée spéciale d’ANKHART, a captivé l’audience avec ses œuvres exceptionnelles qui ont enrichi l’exposition. Les œuvres de Weber Zhang, Xi Tu, Qiwen He, DAKE Qi Wang, Xinyi Liao, LYNNRURU, Michela Jiaying Hou, Crystal Wu, Lili Tao et Yaki Li ont également été mises en avant, chacun apportant une touche unique au panorama global de l’exposition.
Un des points forts a été la collaboration exclusive entre Lune Ge Zhang et ANKHART pour présenter en exclusivité la série Namito. En édition limitée, cette série a suscité un vif intérêt et a été particulièrement bien accueillie par les collectionneurs et amateurs d’art.
En février dernier, la galerie de l’AAC a mis à l’honneur le travail de David Diruit, un photographe originaire d’Amiens. Sa présentation a proposé aux visiteurs une expérience photographique exceptionnelle, suscitant émotions et réflexions profondes chez ceux qui ont eu le privilège de la découvrir.
Dans le monde de l’art contemporain, où l’innovation et l’expression personnelle priment, Valerie Moreau sous son nom d’artiste Valem se distingue comme une figure emblématique de cette ère de fusion entre disciplines. Originaire de Nantes, ayant grandi entre Paris et l’Oise, et formée en ingénierie à l’université de technologie de Compiègne, Valem a suivi un itinéraire professionnel unique, entrelaçant rigoureusement les chemins de l’ingénierie, de l’enseignement et de l’art.
Dès le milieu des années 90, Valem découvre sa passion pour la sculpture, un art qui deviendra son principal mode d’expression. Sous la direction de Louis Lutz à l’école municipale des Beaux-Arts de Compiègne, elle explore le modelage du nu, un exercice qui révèle sa vocation artistique. Cette expérience, à la fois puissante et révélatrice, marque le début d’une prolifique carrière dans la sculpture, profession qu’elle embrasse parallèlement à ses activités d’ingénieure puis d’enseignante-chercheuse, avant d’en faire son activité principale en 2022.
L’œuvre de Valem est profondément enracinée dans l’étude du vivant, explorant initialement les figures humaines et animales avant d’incorporer des éléments végétaux à partir de 2023. Cette évolution témoigne de son engagement croissant envers les enjeux socio-écologiques, une préoccupation qu’elle a également intégrée dans ses enseignements à l’UTC. Son art et son activisme se rejoignent dans une quête commune : promouvoir un futur soutenable et désirable à travers la complémentarité des approches scientifiques et artistiques.
Au cœur de l’art contemporain, où innover est aussi essentiel que respirer, Philippe Shangti se révèle être un photographe d’exception, remarqué non seulement pour son talent incontestable mais également pour sa capacité à redéfinir les conventions. Sa démarche artistique, qui allie avec brio photographie, réalité augmentée et performances en direct, le positionne comme un chercheur d’originalité et d’authenticité sans relâche. Son travail, bien plus qu’un assemblage d’images, engage un dialogue captivant avec le spectateur, incitant à une réflexion approfondie sur les dynamiques de la société contemporaine, ses défauts et ses éclats.
Refusant d’être confiné par les limites traditionnelles de la photographie, Shangti enrichit ses expositions avec la réalité augmentée et des performances live, offrant une expérience immersive qui dépasse les attentes habituelles. Cette approche multidisciplinaire ne se résume pas à une simple décision esthétique ; elle traduit une volonté de transformer l’art en un moyen de communication puissant et percutant avec le public. Ainsi, ses œuvres se transforment en lieux de rencontres inédits, où la photographie statique et le mouvement s’entremêlent pour narrer des récits plus complexes et nuancés.
En 2024, un vent de révolution artistique souffle à nouveau sur la France, précisément dans la région Hauts-de-France, grâce à une initiative ambitieuse du ministère de la Culture et du musée d’Orsay pour célébrer le 150ème anniversaire de l’impressionnisme. Cette commémoration, s’articulant autour de l’exposition majeure « Paris 1874. Inventer l’impressionnisme » à Paris, voit une collaboration exceptionnelle entre le musée d’Orsay et 34 musées de France, dont cinq institutions majeures des Hauts-de-France, se préparer à accueillir environ 180 œuvres impressionnistes et postimpressionnistes dans le cadre du « Printemps Impressionniste ».
Le Musée de Picardie à Amiens, des Musées de la Chartreuse à Douai, le Palais des Beaux-Arts de Lille, le MUba de Tourcoing et La Piscine de Roubaix se sont unis pour proposer une expérience culturelle unique et immersive. Chaque établissement, enrichi par le prêt d’œuvres exceptionnelles du musée d’Orsay, offrira au public une fenêtre ouverte sur l’impressionnisme, ce mouvement qui a révolutionné la perception de la lumière et du paysage dans l’art.
Le Musée de Picardie présente « Sur la plage » d’Édouard Manet, illustrant le lien intime entre les impressionnistes et l’émergence du tourisme balnéaire. Selon Pierre Savreux, Vice-président d’Amiens Métropole délégué à la Culture et au Patrimoine, cette exposition est « une invitation à redécouvrir notre territoire à travers le regard novateur des impressionnistes, véritables pionniers dans l’art de capturer l’essence éphémère des lieux« .
De Douai avec ses collections enrichies par Henri Duhem, à Lille où les œuvres de Monet prennent vie, en passant par Roubaix qui célèbre l’enfance dans l’art impressionniste, jusqu’à Tourcoing où la nature est peinte sous toutes ses formes, chaque musée propose une plongée unique dans l’univers de l’impressionnisme.
Pierre Stépanoff, Directeur des musées d’Amiens et de la Maison de Jules Verne, souligne l’importance de cette collaboration: « Ce Printemps Impressionniste est une magnifique opportunité de mettre en lumière non seulement la richesse de nos collections mais aussi la diversité et la profondeur de l’impressionnisme.«
Sophie Walon, Conseillère du Président de l’établissement public du musée d’Orsay et du musée de l’Orangerie- Valéry Giscard d’Estaing, exprime sa satisfaction quant à cette initiative: « Ce projet illustre parfaitement la dynamique de partage et de diffusion culturelle que nous souhaitons encourager. C’est un hommage vibrant à l’impressionnisme, à son histoire et à son impact durable sur l’art contemporain. »
Le Printemps Impressionniste promet ainsi d’être un événement culturel majeur, offrant aux visiteurs une expérience immersive au cœur d’un mouvement artistique qui continue de fasciner et d’inspirer. C’est une invitation à explorer la région Hauts-de-France sous un jour nouveau, à travers les yeux des grands maîtres de l’impressionnisme, rendue possible grâce à la collaboration étroite entre le musée d’Orsay et les musées participants. Une saison qui s’annonce comme un rendez-vous incontournable pour tous les amateurs d’art et d’histoire.
L’artiste français contemporain Dan Jacobson, né en 1942 à Paris, s’apprête à inaugurer une exposition sans précédent, « Imagine les Jeux Olympiques à Paris« , à la Galerie d’Art du Vexin en mars 2024 où il occupe le statut d’Artiste en résidence permanente. Cette exposition, fruit de cinq ans de préparation, promet de captiver le public avec une fusion spectaculaire de sport, d’art et de culture, marquant un événement phare dans le paysage artistique français et international.
Reconnu pour son mouvement « Le Maxiréalisme », Dan Jacobson s’est distingué par son approche unique et décalée de l’art, explorant des thèmes variés qui vont de la vie maritime à la vibrante scène parisienne, en passant par des visions poétiques de la vie quotidienne. Ses œuvres, caractérisées par leur attention aux détails et leur richesse narrative, occupent une place de choix dans les collections privées et les musées à travers le monde.
L’exposition « Imagine les Jeux Olympiques à Paris » comprendra 28 toiles à l’huile, 18 aquarelles et, au total, 46 œuvres mettant en avant Paris dans toute sa splendeur graphique, avec un accent particulier sur le sport comme vecteur de joie, d’humour et de confrontation dynamique. Les préparatifs ont inclus des études minutieuses et des dessins précis, témoignant de l’engagement profond de Jacobson envers son art et sa capacité à capturer l’esprit de son sujet.