Une conservatrice d’envergure pour écrire la suite de l’histoire du musée dédié à Pierre Soulages

Le musée Soulages de Rodez, consacré à l’un des plus grands artistes contemporains français, Pierre Soulages, accueillera dès le 1er juillet 2025 sa nouvelle directrice : Maud Marron-Wojewodzki. Cette nomination marque un tournant stratégique pour le musée, à la croisée de la mémoire du maître de l’Outrenoir et de la vitalité de la création contemporaine.

Qui est Maud Marron-Wojewodzki ?

Conservatrice du Patrimoine, Maud Marron-Wojewodzki occupait depuis 2019 un poste clé au musée Fabre de Montpellier, en tant que responsable des collections modernes et contemporaines, ainsi que du service multimédia. Elle s’est illustrée par le commissariat de grandes expositions consacrées à Germaine Richier et Toni Grand, mais aussi par la co-organisation de l’exposition événement Pierre Soulages, la rencontre, aux côtés de Michel Hilaire.

Son expertise sur l’œuvre de Soulages, sa sensibilité curatoriale et sa capacité à faire dialoguer le patrimoine avec les enjeux de la scène actuelle en font un choix naturel et ambitieux pour prendre la tête du musée Soulages à Rodez.

Une succession placée sous le signe de la continuité et du renouveau

Cette prise de fonction s’inscrit dans le prolongement du travail mené par Benoît Decron, directeur historique de l’établissement, qui quittera ses fonctions après 16 années d’engagement auprès du peintre et de son épouse Colette. Véritable artisan du musée depuis ses prémices, Benoît Decron laisse un héritage riche et structurant, salué par le Conseil d’administration.

Dans un contexte où le musée s’affirme comme acteur culturel majeur en Occitanie et en France, l’arrivée de Maud Marron-Wojewodzki est porteuse d’un nouveau souffle. Elle devrait permettre de renforcer les liens avec la scène artistique contemporaine, d’enrichir les expositions temporaires, tout en préservant le rayonnement international de l’œuvre de Soulages.

Le musée Soulages : un lieu vivant dédié à l’Outrenoir

Inauguré en 2014, le musée Soulages abrite une collection exceptionnelle d’œuvres, de documents et de techniques donnés par Pierre et Colette Soulages. Véritable institution monographique, il est aussi un lieu d’expérimentation, d’accueil d’expositions et de médiation innovante.

L’arrivée de Maud Marron-Wojewodzki pourrait renforcer cette double vocation : honorer le legs d’un immense artiste tout en ouvrant le musée aux grandes questions de la création contemporaine.

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Un collectif visionnaire entre technologie, recyclage et spiritualité

W.A.Y Studio est un collectif artistique international qui révolutionne le monde de l’art contemporain grâce à une approche unique : l’upcycling art, ou l’art de sublimer les déchets électroniques. En mêlant technologie obsolète, influences culturelles hybrides et symbolisme spirituel, les artistes de W.A.Y Studio réenchantent la matière tout en posant un regard critique sur notre société de consommation.

L’upcycling art : redonner vie à nos déchets électroniques

Dans un monde dominé par le consumérisme et l’obsolescence programmée, W.A.Y Studio fait le choix radical de créer à partir de rebuts technologiques. Leur matière première : circuits imprimés, microprocesseurs, tubes à vide, ou encore fils électroniques, récupérés et transformés en œuvres d’art futuristes.

Loin d’un simple recyclage, le collectif revendique une démarche de réenchantement de la matière. L’upcycling, pour eux, est une philosophie : « Ce n’est pas seulement transformer des matériaux, c’est une manière de voir le monde. »

Entre art et écologie : un manifeste engagé

Chaque création de W.A.Y Studio naît d’une réflexion sur l’impact environnemental de nos modes de vie. En revalorisant des matériaux jetés, le collectif inscrit son œuvre dans une démarche écoresponsable. Leur atelier devient un laboratoire poétique, où la technologie devient totem, relique ou icône sacrée.

Leur démarche lente, presque méditative, contraste avec la frénésie numérique actuelle. Chaque composant est traité comme un fragment d’histoire, un indice archéologique de notre époque.

Des œuvres technopoétiques à découvrir

Parmi les œuvres emblématiques du studio :

• Silhaya : hommage silencieux à la fragilité technologique, semblable à un artefact oublié.
• Machina Altar : installation évoquant une liturgie post-digitale où les composants électroniques deviennent objets de vénération.
• Aegis Grasp : alliance de circuits métalliques et de formes organiques, évoquant une quête spirituelle.
• Eden’s Silicon Arbor : chef-d’œuvre représentant un arbre de vie futuriste composé de puces et de fibres optiques, symbole d’un écosystème réenchanté.

Pourquoi W.A.Y Studio fascine ?

• Parce qu’il associe art contemporain et recyclage intelligent
• Parce qu’il crée un pont entre passé et futur, entre artisanal et numérique
• Parce que ses œuvres sont à la fois plastiques, critiques et spirituelles
• Et parce que dans chaque fragment abandonné, le collectif révèle une nouvelle valeur artistique et humaine

📌 En résumé : W.A.Y Studio et l’upcycling art

W.A.Y Studio s’impose comme un acteur incontournable de l’art technologique contemporain, en conjuguant création responsable, esthétique baroque-futuriste et engagement écologique. Leur démarche illustre parfaitement comment l’art peut devenir un outil de transformation, en redonnant du sens à ce que notre société considère comme périmé.

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📰 ART MAG#26

Entre mémoire, esthétique et engagement, le Centre Pompidou donne la parole aux artistes afro-descendants avec l’exposition “Paris noir : circulations artistiques et luttes anticoloniales (1950–2000)”. Un moment muséal fort, critique et nécessaire.

Une réécriture sensible et politique de l’histoire de l’art

Le Centre Pompidou frappe un grand coup avec Paris noir, une exposition monumentale qui retrace l’histoire foisonnante de la création afro-descendante à Paris, de 1950 à 2000. Plus de 150 artistes venus d’Afrique, des Caraïbes et des États-Unis témoignent de l’effervescence artistique et intellectuelle d’un Paris cosmopolite, militant et créatif, loin des récits figés de la modernité occidentale.

Quand Paris devient matrice de luttes et de création

Pensée comme une cartographie des diasporas artistiques, l’exposition convoque des figures majeures telles que James Baldwin, Wifredo Lam, Sarah Maldoror, Suzanne Césaire ou encore Aimé Césaire, pour tisser une lecture polyphonique d’un Paris noir vibrant.
La scénographie immersive s’inspire du concept d’Atlantique noir de Paul Gilroy et du Tout-Monde d’Édouard Glissant, replaçant la capitale française au cœur des circulations anticoloniales et des imaginaires transatlantiques.

Une esthétique plurielle, entre abstraction et engagement

Peintures, sculptures, textiles, photographies, installations : les médiums se répondent dans une énergie politique constante. Les œuvres de Mildred Thompson, Ernest Breleur, Skunder Boghossian ou José Castillo témoignent d’un art non décoratif, mais indispensable, porteur d’une affirmation identitaire, d’un refus de l’effacement et d’une lecture critique des canons artistiques européens.

On retient notamment les influences du free jazz, les abstractions afro-atlantiques et la force des pratiques féminines, trop longtemps invisibilisées, qui trouvent ici une reconnaissance légitime.

Vers une histoire de l’art décentrée

En reconstituant les liens entre Dakar, Lagos, Fort-de-France, Harlem et Paris, l’exposition démontre que les modernités n’ont jamais été univoques. Elles ont été pensées depuis les marges, vécues dans les fractures, créées dans les déracinements.
Paris noir n’ajoute pas seulement des noms à l’histoire de l’art. Elle décale le récit et nous invite à repenser nos héritages visuels.

Une politique muséale en mouvement

Cette exposition s’inscrit dans un mouvement plus large du Centre Pompidou : celui de la reconnaissance patrimoniale. Depuis 2023, un fonds d’acquisition dédié à la création afro-descendante a permis d’enrichir les collections avec des œuvres de Mildred Thompson, Raymond Saunders, Rashid Johnson, René Louise ou encore Everlyn Nicodemus.
Deux de ces pièces majeures (Radiation Explorations 8 et Asking for Colors, Marie’s Gift) sont d’ailleurs exposées, signe que l’engagement du musée dépasse le simple geste temporaire.

 Info pratiques

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📰 ART MAG#26

Une plongée spectaculaire dans l’âge d’or de l’affiche illustrée, au musée d’Orsay

Paris s’affiche et c’est un régal. Le musée d’Orsay célèbre, jusqu’au 6 juillet 2025, l’extraordinaire essor de l’affiche illustrée dans la capitale entre 1850 et 1910. Une exposition co-organisée avec la Bibliothèque nationale de France qui réunit près de 230 œuvres – affiches, peintures, objets, photographies – pour faire revivre un moment fondateur de la culture visuelle moderne.

Une révolution visuelle dans la ville

Avec l’industrialisation, la rue parisienne devient un véritable livre ouvert. Sur les murs, les palissades ou les colonnes Morris, l’affiche explose en couleurs vives, captant le regard du passant et transformant l’espace urbain. Elle est partout : au théâtre, au marché, dans les gares, sur les hommes-sandwichs. L’exposition rend hommage à cette effervescence graphique et à ses acteurs, de Jules Chéret à Toulouse-Lautrec, de Mucha à Steinlen.

Un art populaire et accessible

Longtemps considérée comme un simple outil publicitaire, l’affiche devient à la fin du XIXe siècle un véritable médium artistique. Les artistes les plus audacieux s’y essayent, trouvant dans ce support un terrain d’expérimentation formel : aplats de couleur, compositions audacieuses, typographies innovantes.

Mais ce qui fait la force de l’affiche, c’est son accessibilité. Visible par tous dans la rue, elle incarne un idéal d’art démocratique. Les critiques de l’époque y voient « la peinture du peuple ». Et les collectionneurs ne s’y trompent pas : dès les années 1890, l’« affichomanie » bat son plein.

Une rue de plaisirs, mais aussi de combats

Loin d’une vision idéalisée de la Belle Époque, l’exposition montre aussi l’autre visage de la rue : celui de la contestation sociale et politique. L’affiche devient le support d’un art engagé. Les journaux militants, les groupes anarchistes ou les mouvements ouvriers investissent l’espace public avec des images fortes, percutantes, conçues pour frapper l’opinion.

Un patrimoine magnifiquement préservé

La majorité des œuvres exposées provient des collections exceptionnelles de la BnF, restaurées pour l’occasion. Certaines affiches, de plus de deux mètres de haut, n’avaient pas été montrées depuis plus d’un siècle. Une prouesse de conservation, accompagnée par une riche programmation culturelle : concerts, conférences, soirées cabaret et même une performance du Moulin Rouge dans la nef du musée.

Information pratiques

En 2025, le Centre Pompidou, symbole de la création artistique contemporaine à Paris, fermera ses portes pour entamer une transformation ambitieuse. Cette rénovation du musée vise à redonner souffle à l’utopie fondatrice du lieu, tout en répondant aux défis du XXIe siècle : durabilité, accessibilité, inclusion.