La 15ème édition de Drawing Now art Fair, première foire d’art contemporain consacrée au dessin sont présents cette année au Carreau du Temple. Pendant 4 jours et sur deux niveaux, 72 galeries internationales vous feront découvrir toute la diversité du dessin contemporain d’aujourd’hui et des 50 dernières années.
Les galeries présentent plus de 300 artistes et près de 2000 œuvres. Vous pourrez découvrir 3 secteurs : Le secteur général accueille les galeries de renom, offrant sur leur stand un focus sur l’un des artistes qu’elles représentent. Le secteur Insight permet de découvrir des talents, moins connus du public et enfin le secteur Process suggère une expérimentation in Vivo du dessin contemporain.
Il dit que l’art est sa passion, sa quête et son combat. Né et vivant en Corse, Cyril Maccioni puise depuis l’enfance son inspiration dans la matière et dans le vivant. Pompier de formation, puis mannequin professionnel, il ouvre son atelier de sculpture en 2010, déterminé à faire de la création son langage principal.
Son engagement pour la cause animale donne sens à son œuvre : chaque sculpture devient une tribune silencieuse en faveur de la nature et des espèces menacées.
De la matière brute à la légèreté du composite
Après avoir exploré le bois, le métal puis le béton, Cyril Maccioni se tourne vers des matériaux plus légers et innovants comme le composite, la fibre de verre, la fibre de carbone et les résines. Autodidacte, il conçoit et réalise ses œuvres de A à Z, alternant entre techniques modernes et savoir-faire ancestral — notamment la taille directe dans la masse.
Son travail se distingue par une fusion entre tradition et modernité, où les volumes contrastés expriment à la fois force et douceur, solidité et fragilité.
Des sculptures monumentales et porteuses de sens. Si l’artiste produit certaines œuvres en série, il réalise aussi des pièces uniques monumentales, atteignant parfois trois mètres de hauteur. Pour lui, sculpter, c’est transmettre, laisser une trace de son passage sur terre.
Chaque création traduit sa volonté de se dépasser et de transcender la matière. Ses sculptures parlent du changement climatique, de la destruction des habitats naturels et du danger qui menace les espèces animales.
« Je me sers des animaux et du danger qu’encourent certaines espèces pour parler d’un problème plus large : celui d’une planète qui se détériore », confie-t-il.
Symbolisme et réflexion : le regard du spectateur au cœur de l’œuvre
Les yeux absents de ses sculptures ne sont pas un oubli mais un symbole fort.
« Retirer les yeux de mes œuvres symbolise le fait que l’Homme voit les choses mais ne les regarde pas », explique-t-il. Les animaux font ici le sacrifice de la vue pour pousser les spectateurs à ouvrir les leurs.
Autre signature : le reflet. Dans la surface polie de ses œuvres, se dessine le visage de celui qui regarde.
« Le seul défaut de la sculpture, c’est le reflet de l’humain. Il doit provoquer une réflexion sur notre impact environnemental. »
Ainsi, chaque sculpture devient miroir et conscience, un dialogue entre l’art et la responsabilité.
Un parcours en expansion et une reconnaissance grandissante
En avril 2022, Cyril Maccioni expose au Salon Nice Art Expo, confirmant sa place dans la scène artistique contemporaine. Il intègre ensuite un concept inédit : la première galerie d’art installée dans des jets privés, une vitrine internationale pour son travail.
Avec une œuvre à la fois esthétique et militante, Cyril Maccioni incarne cette nouvelle génération d’artistes qui réconcilient création et engagement.
🧩 FAQ – Cyril Maccioni, sculpteur engagé pour la cause animale
Qui est Cyril Maccioni ?
Cyril Maccioni est un sculpteur contemporain corse, autodidacte et engagé pour la protection animale. Né et vivant en Corse, il a ouvert son atelier en 2010 après une première vie de pompier et de mannequin. Ses sculptures en matériaux composites, fibre de verre et fibre de carbone explorent la relation entre l’homme, la nature et les animaux.
Quel est le style artistique de Cyril Maccioni ?
Son travail se caractérise par un équilibre entre force et fragilité, avec des volumes puissants et des surfaces réfléchissantes. L’artiste supprime volontairement les yeux de ses sculptures pour symboliser le refus de l’humanité à affronter la réalité. Chaque œuvre invite à une réflexion écologique et existentielle.
Quels matériaux utilise Cyril Maccioni dans ses sculptures ?
Après avoir expérimenté le bois, le métal et le béton, Cyril Maccioni travaille aujourd’hui principalement avec des matériaux composites : fibre de verre, fibre de carbone et résine. Ces matériaux lui permettent de créer des sculptures légères, durables et monumentales, parfois supérieures à trois mètres de haut.
Quels sont les thèmes abordés dans ses œuvres ?
Ses sculptures traitent du changement climatique, de la disparition des espèces animales et de la détérioration de la planète. En utilisant la représentation animale, il met en lumière la responsabilité de l’homme dans la fragilité du monde vivant.
Où peut-on voir les œuvres de Cyril Maccioni ?
Les œuvres de Cyril Maccioni ont été exposées notamment au Salon Nice Art Expo (2022). L’artiste fait également partie du premier concept de galerie d’art dans des jets privés, une initiative internationale unique pour promouvoir l’art contemporain.
Pourquoi Cyril Maccioni retire-t-il les yeux de ses sculptures ?
Pour l’artiste, retirer les yeux symbolise le refus du regard conscient. L’homme voit, mais ne regarde pas. Cette absence interpelle le spectateur et l’amène à réfléchir à son propre comportement face à la nature.
Quel est le message central de son art ?
À travers ses sculptures, Cyril Maccioni cherche à provoquer une prise de conscience. Le reflet du spectateur sur la surface de l’œuvre devient miroir de l’humanité : « Le seul défaut de la sculpture, c’est le reflet de celui qui l’admire. » Son art est à la fois esthétique, éthique et écologique.
Cyril Maccioni est-il un artiste autodidacte ?
Oui. Cyril Maccioni est autodidacte. Il imagine, conçoit et réalise toutes ses sculptures de A à Z, en expérimentant constamment les techniques et les matériaux. Cette liberté créative fait partie intégrante de son identité artistique.
Inventée en chine au cours de la dynastie Song (960 – 1279), la sérigraphie permettrait de transférer sur diverses étoffes des motifs préalables dessinés sur des pochoirs. De fins filets à tisser étaient tendus entre le pochoir et le support, à travers lesquels l’encre était tamisée. Cette technique permettait de multiplier l’impression de motifs.
Le procédé est importé en Europe à partir du XVIIIe siècle via les routes commerciales de la soie. Il ne cessera d’être modernisé: le filet de soie tendu devient un “’écran”* et le nylon ou le polyester remplacent finalement la fibre naturelle. D’autre part, l’utilisation de procédés photosensibles permet désormais d’affiner et de simplifier le processus de création.
De nos jours, si elle est principalement utilisée dans l’industrie textile, la sérigraphie est un procédé d’impression multiple qui peut également être employé sur de nombreux supports: papier, carton, textile, métal, verre ou encore, le bois. C’est ce même principe d’impression à travers une maille fine tendue qui est utilisé dans l’estampe contemporaine.
La sérigraphie connaîtra une utilisation massive à partir des années 1960 et c’est à cette époque qu’elle sera reprise par de nombreux artistes.
Les effets d’aplats et de graphisme permis par cette technique ont séduit de nombreux artistes. Les artistes Pop, parmi lesquels Andy Warhol, Roy Lichtenstein ou encore, Jasper Johns, ont exploité ses possibilités de production multiple et d’utilisation de supports variés à travers leurs recherches liées à la culture et la consommation de masse.
Ses vues de Paris présentent le charme caractéristique des ambiances parisiennes, de ses sites historiques, ses restaurants et grands magasins emblématiques ; Kojiro Akagi nous a laissé le témoignage de son regard attentif et singulier sur les lieux incontournables de la capitale.
Né au Japon, à Okayama-Shi, en 1934, Kojiro Akagi s’est installé à Paris en 1963, année où il entre à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Il a passé l’essentiel de sa carrière dans la capitale, son lieu d’inspiration et de création. Décédé en 2021, il nous a laissé un corpus magistral. Son œuvre peinte et dessinée, ainsi que ses estampes, sont exposées dans de nombreux musées français et étrangers: à Paris, au musée Carnavalet, au Musée municipal de Toulon, mais également aux Musées du Vatican, au Pat Clark Museum aux USA ou encore, au Musée Royal Ueno à Tokyo.
S’il n’est pas rare de voir des enfants avec des dons particuliers pour le chant ou le sport, ceux capables de produire des chefs d’œuvres artistiques comme le petit Jules sont moins courants. Jules n’a que 4 ans mais manie déjà le pinceau.
Monica CATTANEO est née à Florence en Italie. Dès son enfance Monica a baigné dans la culture. Les visites de musées et d’églises de la ville l’ont beaucoup inspirés. Elle a suivi des études d’architecture et après son mariage, elle s’est installée à Genève en Suisse et a commencé à peindre en autodidacte en s’inspirant de livres. Depuis quinze ans, elle habite en Haute-Savoie. Elle expose régulièrement dans les salons et manifestations artistiques, au sein du cercle des artistes européens et participe régulièrement aux salons et autres manifestations artistiques. L’artiste aime le côté imaginaire de la peinture.
Projet d’illustration, « Coquin et Cocasse » présente des dessins sensuels aux couleurs pop. A l’origine de la création du compte Instagram éponyme, Léo Catonnet parle du Polyamour à travers des dessins hauts en couleur et zéro tabou… Ce projet très personnel tout droit sorti de sa vie privée est à mi-chemin entre la communication et l’illustration…
C’est en dessinant au stylo à bille qu’elle a vraiment trouvé son univers. Elle remplit des carnets à dessin sans intention de les montrer jusqu’à ce que son entourage l’a pousse à les exposer. Patricia Cronier Zohar les présente pour la première fois au Salon International des beaux-arts de Thionville en 2017, où elle a reçu le grand prix du Salon.
Elle dit que l’art est sa passion, son amour, sa motivation. Russe, Yulia Artemyeva est née et a grandi à Nijni Novgorod. Sa passion pour la photographie l’emporte sur ses études d’économie et elle fait l’acquisition de son premier appareil photo durant sa grossesse. Aujourd’hui, elle ne peut imaginer sa vie sans son téléobjectif.
Yulia fait un parallèle entre la grâce et la notion d’éphémère, communes aux danseuses et aux fleurs…
Dans le numéro précédent, nous étions entrés ensemble dans le processus de création que chaque artiste vit lorsqu’il créé. Et de ce fait, le processus thérapeutique mis en œuvre dans des séances d’Art-Thérapie. Nous étions parvenus à cette étape fondamentale qu’est l’étape 5 de l’Opération Artistique. Le passage à l’acte de créer, l’élan vital qui pousse l’artiste – ou le patient en Art-Thérapie- à se mettre à produire.
