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Elizabeth Rossi : quand le verre devient peinture

oeuvre d'elizabeth rossi exposée à Art Riviera Tour

À l’occasion d’Art Riviera Tour 2026, organisé à Saint-Jean-Cap-Ferrat par Wendy Lauwers et Multi Art Gallery, ART MAG met à l’honneur Elizabeth Rossi, une artiste qui explore les possibilités du verre comme d’autres explorent la toile ou la pierre. Son travail ne cherche pas à représenter la lumière : il la laisse traverser l’œuvre, la transformer et lui donner une présence toujours renouvelée.

Elizabeth Rossi

Voir autrement

Certaines œuvres s’imposent immédiatement. D’autres demandent que l’on prenne le temps de les regarder.

Les créations d’Elizabeth Rossi appartiennent à cette seconde catégorie.

À première vue, le regard est attiré par la richesse des couleurs, les transparences et les jeux de matière. Puis, progressivement, l’œuvre se transforme. Un déplacement suffit pour qu’une nuance apparaisse, qu’un relief se révèle ou qu’une profondeur insoupçonnée surgisse.

Chez Elizabeth Rossi, rien n’est totalement fixe. La lumière devient une composante de l’œuvre autant que le verre lui-même.

Le verre comme langage artistique

Si le verre accompagne l’histoire de l’art depuis des siècles, Elizabeth Rossi en fait un territoire d’expression résolument contemporain.

Ses œuvres naissent d’un long travail associant verre, pigments minéraux et cuissons successives à très haute température. Mais la technique n’est jamais une finalité. Elle est au service d’une recherche plus profonde : faire dialoguer la matière avec la lumière.

Le feu transforme les surfaces, révèle des textures inattendues et crée des effets impossibles à reproduire autrement. Chaque cuisson apporte sa part de surprise, faisant de chaque œuvre une pièce véritablement unique.

Entre paysage et émotion

Les compositions d’Elizabeth Rossi évoquent parfois l’eau, parfois le ciel, parfois un paysage minéral ou un univers presque cosmique.

Pourtant, elles refusent toute représentation littérale.

Elles ouvrent un espace où chacun peut construire sa propre lecture. Les formes restent suggérées, les couleurs deviennent des sensations et la lumière accompagne le regard sans jamais l’enfermer dans une interprétation unique.

Cette liberté offerte au spectateur constitue l’une des grandes qualités de son travail. L’œuvre ne livre pas un récit : elle invite à une expérience.

Une œuvre vivante

Contrairement à une peinture traditionnelle, les créations d’Elizabeth Rossi évoluent avec leur environnement.

La lumière naturelle, l’heure de la journée ou encore la position du visiteur modifient subtilement leur perception. Les transparences changent, les couleurs gagnent en intensité ou en douceur, les reliefs apparaissent différemment.

Chaque rencontre avec l’œuvre devient ainsi unique.

Cette dimension vivante rappelle que l’art n’est pas seulement un objet à contempler, mais une relation qui se construit entre la matière, la lumière et celui qui regarde.

Elizabeth Rossi devant ses œuvres à Art Riviera Tour 2026
Elizabeth Rossi devant ses œuvres à Art Riviera Tour 2026 ©Thierry Beauvillain Ouvrard BBostudio

Elizabeth Rossi à Art Riviera Tour

Présentée dans le cadre d’Art Riviera Tour 2026, Elizabeth Rossi illustre la diversité des démarches réunies à Saint-Jean-Cap-Ferrat. Son travail témoigne d’une volonté constante d’explorer les frontières entre peinture, sculpture et création verrière, sans jamais se laisser enfermer dans une catégorie.

Une démarche sensible qui rappelle que certains matériaux, lorsqu’ils sont portés par une véritable vision artistique, peuvent ouvrir des territoires d’expression inattendus.

Retrouvez Elizabeth Rossi dans ART MAG n°33

Elizabeth Rossi fait partie des artistes mis à l’honneur dans ART MAG International n°33, un numéro consacré à Art Riviera Tour 2026.

À travers un article inédit rédigé en français et en anglais, découvrez son univers, sa démarche artistique et son travail singulier autour du verre, de la lumière et de la matière.

📖 Le numéro 33 est disponible en version papier et numérique.

A lire aussi :

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Vous êtes artiste et souhaitez faire découvrir votre travail à travers une publication éditoriale ?

À chaque numéro, ART MAG International sélectionne des artistes contemporains dont le parcours et la démarche font l’objet d’un article publié en français et en anglais.

La revue est diffusée en France et à l’international auprès d’amateurs d’art, de collectionneurs, de professionnels et d’institutions.

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FAQ – Elizabeth Rossi et Art Riviera Tour

Qui est Elizabeth Rossi ?

Elizabeth Rossi est une artiste contemporaine qui travaille principalement le verre. Héritière du vitrail, elle développe une recherche personnelle où la lumière, les pigments minéraux et les cuissons à haute température deviennent les éléments d’une véritable écriture picturale.


Quelle est la particularité de son travail ?

Ses œuvres ne sont ni de simples vitraux ni des peintures traditionnelles. Elles utilisent le verre comme matière principale afin de créer des compositions dont l’apparence évolue selon la lumière et le point de vue du spectateur.


Où découvrir les œuvres d’Elizabeth Rossi ?

Ses créations étaient présentées lors d’Art Riviera Tour 2026, organisé à Saint-Jean-Cap-Ferrat par Multi Art Gallery sous la direction de Wendy Lauwers.


Dans quel magazine retrouver Elizabeth Rossi ?

Elizabeth Rossi fait partie des artistes présentés dans ART MAG International n°33, qui consacre un important dossier à Art Riviera Tour avec des portraits rédigés en français et en anglais.


Pourquoi ART MAG présente-t-il ces artistes ?

ART MAG privilégie une approche éditoriale qui met en lumière les démarches artistiques. Au-delà de l’œuvre, le magazine s’attache à raconter le parcours, les recherches et les intentions des artistes afin d’offrir aux lecteurs une compréhension plus profonde de leur travail.

Pour lire la suite, téléchargez ART MAG N°33
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Mireille Louviot-Kilanowski : faire émerger le vivant

mireille louviot art riviera tour 2026

Un morceau de bois flotté n’est jamais un simple morceau de bois pour Mireille Louviot-Kilanowski. Façonné par les courants, le vent et le temps, il porte déjà en lui une histoire que l’artiste s’attache à révéler. Là où d’autres verraient une branche abandonnée sur une plage, elle distingue une ligne, un mouvement, parfois même la présence d’un animal qui ne demande qu’à apparaître.

Présentée à Art Riviera Tour 2026, son œuvre témoigne d’un rapport profondément respectueux à la nature. Elle ne cherche pas à transformer la matière mais à prolonger ce qu’elle suggère déjà.

MIreille louviot à art riviera tour 2026
Mireille Louviot-Kilanowski à Art Riviera Tour ©Thierry Beauvillain Ouvrard BBostudio

Le bois montre le chemin

Chaque sculpture naît d’une rencontre avec un morceau de bois flotté. Mireille Louviot-Kilanowski le collecte au fil de ses promenades, l’observe longuement, puis laisse progressivement apparaître la forme qui semble déjà s’y cacher.

Un hippocampe surgit d’une racine polie par l’eau. Les courbes naturelles d’une branche deviennent les tentacules d’un poulpe. Rien n’est forcé. Chaque intervention accompagne le mouvement du bois plutôt qu’elle ne le contraint.

Cette manière de travailler donne à ses sculptures une présence particulière. Elles semblent moins avoir été créées que découvertes.

Quand le bois rencontre la céramique

Depuis plus de vingt-cinq ans, l’artiste associe le bois flotté à la céramique. Cette dernière ne vient pas masquer la matière d’origine ; elle en prolonge le récit.

Les émaux réalisés selon la technique du raku apportent lumière, profondeur et contraste. Les craquelures, les rouges intenses ou les blancs lumineux dialoguent avec les veines du bois et soulignent son histoire sans jamais l’effacer.

Cette alliance entre deux matériaux crée un équilibre subtil entre la force du végétal et la délicatesse de la céramique.

Une invitation à regarder autrement

Le travail de Mireille Louviot-Kilanowski rappelle que la nature est déjà porteuse de formes étonnantes. Ses sculptures invitent à ralentir, à observer, à accepter que l’imaginaire naisse parfois d’un simple détail.

Cette démarche est résumée par une phrase qui accompagne son travail :

« Je ne crée pas la forme, je la révèle. Le bois me montre le chemin. »

Une déclaration qui résume parfaitement sa manière d’aborder la sculpture.

À découvrir dans ART MAG n°33

À l’occasion d’Art Riviera Tour 2026, ART MAG consacre un dossier à onze artistes invités par Multi Art Gallery à Saint-Jean-Cap-Ferrat. Au fil de ce numéro, le magazine revient sur leurs parcours, leurs inspirations et les démarches qui donnent toute leur singularité à leur travail.

Mireille Louviot-Kilanowski y occupe une place à part. Ses sculptures rappellent que l’art n’est pas toujours une invention : il peut aussi être une manière de révéler ce que le temps, la nature et le regard avaient déjà commencé à façonner.

📖ART MAG 33

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FAQ

Qui est Mireille Louviot-Kilanowski ?

Mireille Louviot-Kilanowski est une artiste sculptrice qui développe depuis plus de vingt-cinq ans un travail autour du bois flotté et de la céramique. Son œuvre s’inspire directement des formes offertes par la nature pour faire émerger un bestiaire poétique où se mêlent hippocampes, poulpes et autres créatures du vivant.

Quelle est la démarche artistique de Mireille Louviot-Kilanowski ?

L’artiste ne cherche pas à imposer une forme à la matière. Elle part des lignes, des courbes et des textures du bois flotté pour révéler l’animal qui semble déjà s’y trouver. Comme elle le résume elle-même : « Je ne crée pas la forme, je la révèle. Le bois me montre le chemin. »

Quels matériaux utilise Mireille Louviot-Kilanowski ?

Ses sculptures associent principalement le bois flotté et la céramique. Les éléments en céramique, réalisés selon la technique du raku, prolongent les formes naturelles du bois tout en apportant couleurs, reliefs et textures.

Pourquoi les animaux occupent-ils une place centrale dans son œuvre ?

Les animaux apparaissent naturellement à partir des formes du bois. Hippocampes, poulpes ou oiseaux ne sont pas reproduits de manière réaliste ; ils émergent progressivement de la matière, comme s’ils avaient toujours été présents. Cette approche invite le spectateur à porter un regard différent sur la nature.

Où découvrir les œuvres de Mireille Louviot-Kilanowski ?

Les sculptures de Mireille Louviot-Kilanowski sont notamment présentées lors d’Art Riviera Tour 2026, organisé à Saint-Jean-Cap-Ferrat par Multi Art Gallery. L’artiste est également à l’honneur dans le numéro 33 d’ART MAG, qui consacre un dossier à onze artistes contemporains invités à cette manifestation.

Pourquoi ART MAG consacre-t-il un portrait à Mireille Louviot-Kilanowski ?

À travers cette série d’articles, ART MAG met en lumière les artistes d’Art Riviera Tour 2026 en s’intéressant à leur démarche, à leurs inspirations et à leur parcours. Le travail de Mireille Louviot-Kilanowski illustre une approche de la sculpture où la nature devient le point de départ de la création, une vision qui fait écho à la ligne éditoriale du magazine

Pour lire la suite, téléchargez ART MAG N°33
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Christine Nilly-Vaeckenstedt : quand la peinture devient un chemin de transformation

Christine Nilly art riviera tour devant son tableau

« Je crois profondément que la vie est belle. Même lorsqu’elle nous blesse. Même lorsqu’elle nous oblige à tout recommencer. »

Cette conviction traverse toute l’œuvre de Christine Nilly-Vaeckenstedt.

Ses peintures ne cherchent pas à raconter un événement ni à illustrer une émotion précise. Elles invitent à vivre une expérience où la couleur, le mouvement et la lumière deviennent les langages d’une transformation intérieure.

À l’occasion dArt Riviera Tour 2026, ART MAG met Christine Nilly-Vaeckenstedt à l’honneur dans son numéro 33. Une artiste dont le travail rappelle que l’art peut aussi être un espace de reconstruction, d’apaisement et d’espérance.

Christine Nilly Vaeckenstedt

Transformer les émotions en couleur

Chez Christine Nilly-Vaeckenstedt, la couleur ne vient jamais habiller une forme.

Elle constitue le point de départ de la création.

Bleus profonds, rouges lumineux, violets éclatants ou verts intenses dialoguent sur la toile pour faire émerger des paysages intérieurs où chaque spectateur peut retrouver une part de sa propre histoire.

L’œuvre ne cherche pas à imposer un sens unique. Elle laisse au contraire une place essentielle à l’émotion et à l’interprétation.

Une peinture qui évolue avec le regard

Les compositions de Christine Nilly-Vaeckenstedt révèlent progressivement leurs multiples niveaux de lecture.

Au premier regard, les couleurs dominent.

Puis apparaissent des silhouettes, des végétaux, des chemins ou des fragments de paysages qui semblent émerger avant de disparaître à nouveau.

Cette ambiguïté volontaire donne à chaque œuvre une grande liberté et invite le spectateur à revenir, encore et encore, découvrir de nouvelles résonances.

La nature comme source d’inspiration

Les arbres, les fleurs, les herbes, l’eau ou la lumière occupent une place essentielle dans son univers.

Il ne s’agit pourtant jamais d’une représentation fidèle de la nature. Celle-ci devient un langage, une présence silencieuse qui accompagne la réflexion sur le vivant, le temps et la capacité de chacun à se transformer.

À travers ces références discrètes, Christine Nilly-Vaeckenstedt construit une œuvre profondément ancrée dans l’observation du monde tout en restant ouverte à l’imaginaire.

Christine Nilly-Vaeckenstedt à Art Riviera Tour 2026
Christine Nilly-Vaeckenstedt à Art Riviera Tour 2026 ©Thierry Beauvillain Ouvrard BBostudio

Christine Nilly-Vaeckenstedt à Art Riviera Tour 2026

Présentée à Saint-Jean-Cap-Ferrat dans le cadre d’Art Riviera Tour 2026, Christine Nilly-Vaeckenstedt expose aux côtés d’une trentaine d’artistes contemporains réunis par Wendy Lauwers et Multi Art Gallery.

Son travail trouve naturellement sa place dans cet événement où dialoguent des démarches artistiques très différentes, toutes portées par une vision personnelle de la création contemporaine.

Pourquoi ART MAG met Christine Nilly-Vaeckenstedt à l’honneur

Depuis sa création, ART MAG accompagne des artistes dont l’œuvre témoigne d’une véritable évolution intérieure.

Ce qui nous a particulièrement touchés chez Christine Nilly-Vaeckenstedt, c’est cette capacité à transformer les fragilités en une énergie créatrice. Sa peinture n’efface pas les blessures de l’existence ; elle montre qu’elles peuvent devenir le point de départ d’un nouvel équilibre.

Cette approche profondément humaine rejoint pleinement la mission d’ART MAG : mettre en lumière des artistes qui donnent du sens à la création contemporaine.

À découvrir dans ART MAG n°33

Dans ART MAG n°33, nous consacrons plusieurs pages à Christine Nilly-Vaeckenstedt.

Le magazine revient sur son parcours, explore les liens entre couleur, émotion et transformation, et propose une analyse approfondie d’une œuvre où la peinture devient un véritable chemin vers l’harmonie.

📖 Le numéro 33 est disponible en version papier et numérique.

FAQ – Christine Nilly-Vaeckenstedt

Qui est Christine Nilly-Vaeckenstedt ?

Christine Nilly-Vaeckenstedt est une artiste contemporaine dont la peinture explore les liens entre couleur, émotion et transformation intérieure à travers un univers à la frontière de l’abstraction et de l’évocation.

Pourquoi ART MAG met-il Christine Nilly-Vaeckenstedt à l’honneur ?

ART MAG présente Christine Nilly-Vaeckenstedt dans son dossier consacré à Art Riviera Tour 2026 pour la singularité de sa démarche artistique et la manière dont elle transforme les émotions en langage pictural.

Quelle est la démarche artistique de Christine Nilly-Vaeckenstedt ?

Sa peinture s’appuie sur la couleur, le mouvement et la nature pour créer des œuvres ouvertes à l’interprétation, invitant chacun à vivre une expérience sensible plutôt qu’à rechercher une représentation fidèle du réel.

Où voir les œuvres de Christine Nilly-Vaeckenstedt en 2026 ?

Les œuvres de Christine Nilly-Vaeckenstedt sont présentées à Art Riviera Tour 2026, à Saint-Jean-Cap-Ferrat, où elle figure parmi les onze artistes mis à l’honneur par ART MAG

Pourquoi la nature est-elle si présente dans son œuvre ?

La nature constitue une source d’inspiration permanente. Arbres, fleurs, lumière et paysages deviennent des éléments poétiques qui nourrissent une réflexion sur le vivant, le temps et la transformation.

Pourquoi les peintures de Christine Nilly-Vaeckenstedt changent-elles selon le regard ?

Parce que ses compositions sont construites par superpositions de couleurs, de formes et de matières. Elles révèlent progressivement de nouveaux détails, laissant au spectateur la liberté de construire sa propre lecture.

Pour lire la suite, téléchargez ART MAG N°33
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Cassius : apprendre à voir la beauté autrement

Cassius art mag

« Le beau est partout pour ceux qui savent le voir. »

Cette phrase résume avec justesse la démarche de Cassius, artiste contemporaine belge. Plus qu’une signature, elle exprime une manière d’habiter le monde et de créer.

Face à ses œuvres, le regard est d’abord happé par l’intensité du bleu. Puis, peu à peu, la matière révèle ses reliefs, la lumière fait apparaître de nouvelles nuances et la surface semble se transformer sous les yeux du spectateur. Rien n’est spectaculaire, tout est affaire d’attention.

À l’occasion d’Art Riviera Tour 2026, ART MAG met l’artiste contemporaine Cassius à l’honneur dans son numéro 33. Une artiste qui rappelle, par son travail, que la beauté ne se trouve pas uniquement dans les paysages extraordinaires, mais aussi dans les détails les plus discrets de notre quotidien.

Cassius

Observer avant de créer

L’inspiration de Cassius naît souvent d’éléments que l’on remarque à peine : un reflet sur une surface, une variation de lumière, une matière façonnée par le temps ou un fragment de nature découvert au hasard d’un voyage.

Sous son regard, ces détails deviennent le point de départ d’une recherche où chaque texture acquiert une présence nouvelle. Le monochrome ne cherche pas à simplifier le réel ; il en révèle au contraire les subtilités et invite le spectateur à regarder plus longtemps.

L’œuvre ne raconte pas une histoire. Elle ouvre un espace où chacun peut construire sa propre expérience.

Une couleur devenue langage

Au fil des années, le bleu s’est imposé comme une évidence dans le travail de Cassius.

Cette couleur n’est jamais utilisée comme un simple effet esthétique. Elle devient un véritable langage, capable de traduire la profondeur, le silence, la mémoire ou encore la lumière.

Selon l’angle d’observation et les variations de l’éclairage, les œuvres se transforment subtilement. La matière capte les reflets, révèle des reliefs inattendus et offre une expérience différente à chaque rencontre.

Entre mémoire, voyages et matière

Les voyages occupent une place essentielle dans le parcours de Cassius.

Au fil de ses découvertes, elle collecte des matières, des fragments naturels et des textures qui nourrissent sa création. Ces éléments ne sont jamais reproduits fidèlement. Ils deviennent une mémoire silencieuse qui traverse les œuvres et leur confère une profondeur singulière.

Chaque composition porte ainsi la trace d’un dialogue entre le temps, la nature et la sensibilité de l’artiste.

Cassius à Art Riviera Tour 2026

Présentée à Saint-Jean-Cap-Ferrat dans le cadre d’Art Riviera Tour 2026, Cassius expose aux côtés d’une trentaine d’artistes réunis par Wendy Lauwers et Multi Art Gallery.

Son univers trouve naturellement sa place dans cet événement consacré à la diversité de la création contemporaine. Chaque artiste y affirme une écriture personnelle, tandis que Cassius invite le visiteur à ralentir et à redécouvrir la beauté qui se cache derrière les apparences.

Pourquoi ART MAG met Cassius à l’honneur

Depuis sa création, ART MAG accompagne des artistes dont la démarche s’inscrit dans une recherche authentique et durable.

Ce qui nous a particulièrement touchés chez Cassius, c’est cette capacité à transformer des éléments simples en expériences sensibles. Son œuvre ne cherche pas à imposer une lecture. Elle propose un autre rythme, une autre façon de regarder, laissant à chacun la liberté de ressentir avant de comprendre.

Cette approche rejoint pleinement la ligne éditoriale d’ART MAG : donner du temps aux œuvres, aux artistes et au regard.

À découvrir dans ART MAG n°33

Dans ART MAG n°33, nous consacrons plusieurs pages à Cassius.

Le magazine propose une analyse approfondie de son univers artistique, de son travail sur le monochrome, la matière et la lumière, ainsi que des influences qui nourrissent sa création. Une lecture qui complète cet article et permet d’approcher plus en profondeur une artiste dont l’œuvre invite à voir autrement.

📖 Le numéro 33 est disponible en version papier et numérique.

A lire Aussi : Art Riviera Tour : les 11 artistes mis à l’honneur par ART MAG

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À chaque numéro, ART MAG International sélectionne des artistes contemporains dont le parcours et la démarche font l’objet d’un article publié en français et en anglais.

La revue est diffusée en France et à l’international auprès d’amateurs d’art, de collectionneurs, de professionnels et d’institutions.

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FAQ

Qui est Cassius ?

Cassius est une artiste contemporaine belge dont le travail explore la couleur, la matière et la lumière à travers des peintures monochromes qui invitent à une contemplation sensible.

Pourquoi ART MAG met-il Cassius à l’honneur ?

ART MAG présente Cassius dans son dossier consacré à Art Riviera Tour 2026 en raison de la cohérence de sa démarche artistique et de sa capacité à révéler la beauté du quotidien à travers une œuvre profondément personnelle.

Pourquoi le bleu occupe-t-il une place si importante dans son travail ?

Au fil des années, le bleu est devenu le langage visuel de Cassius. Cette couleur lui permet d’explorer la lumière, la profondeur et les émotions, tout en laissant une grande liberté d’interprétation au spectateur.

Où voir les œuvres de Cassius en 2026 ?

Les œuvres de Cassius sont présentées à Art Riviera Tour 2026, à Saint-Jean-Cap-Ferrat, où l’artiste figure parmi les onze artistes mis à l’honneur par ART MAG dans son numéro 33.

Quelle est la démarche artistique de Cassius ?

Sa démarche s’appuie sur l’observation du réel, la mémoire des matières et les jeux de lumière. À travers ses compositions, Cassius invite chacun à ralentir et à porter un regard renouvelé sur le monde qui l’entoure.

Pourquoi les œuvres de Cassius évoluent-elles selon la lumière ?

Les textures, les reliefs et les matières intégrés dans ses compositions interagissent avec l’éclairage. Selon la position du spectateur et la lumière ambiante, l’œuvre révèle de nouvelles nuances, faisant de chaque observation une expérience unique.

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Fabienne Fol : révéler ce que l’on ne voit pas

Fabienne Fol art riviera tour 2026

Comment peindre ce qui ne possède ni forme, ni contour ?

Comment donner corps à un mouvement, à une vibration, à une lumière qui échappent au regard ?

Depuis plusieurs années, Fabienne Fol construit une œuvre qui tente de répondre à ces questions. Peintures et sculptures naissent d’observations simples – une vague, un coquillage, une lumière sur une surface – mais ne cherchent jamais à les reproduire. Elles deviennent le point de départ d’une exploration plus profonde, où la matière traduit moins ce que l’œil voit que ce que le monde laisse pressentir.

À l’occasion d’Art Riviera Tour 2026, ART MAG a choisi de mettre Fabienne Fol à l’honneur dans son numéro 33, consacré à onze artistes contemporains dont les démarches témoignent de la diversité de la création actuelle.

Fabienne Fol

Une œuvre née de l’observation

Chez Fabienne Fol, tout commence par le réel. Une forme découverte sur une plage. Le mouvement de l’eau. Le dessin d’un coquillage. La lumière qui glisse sur une matière.

Ces observations nourrissent son travail sans jamais en constituer le sujet. Elles deviennent progressivement des formes ouvertes, où la reconnaissance laisse place à l’interprétation.

Le spectateur n’est pas invité à identifier un objet. Il est invité à ressentir une présence.

Entre peinture et sculpture

Peinture et sculpture occupent une place complémentaire dans le parcours de Fabienne Fol.

Les deux pratiques dialoguent constamment.

Dans ses peintures, les couleurs, les transparences et les matières créent des espaces où l’image demeure volontairement ouverte.

Dans ses sculptures, le bronze capte la lumière, joue avec les reflets et transforme la perception du volume selon le déplacement du regard.

D’un médium à l’autre, une même recherche se poursuit : faire émerger une sensation plutôt qu’une représentation.

Une invitation à ralentir

Les œuvres de Fabienne Fol ne livrent jamais toutes leurs réponses au premier regard.

Elles invitent le spectateur à ralentir, à observer autrement et à laisser progressivement les formes se transformer dans sa perception. Rien n’est imposé, rien n’est définitivement fixé. Chaque œuvre demeure ouverte, offrant à chacun la liberté de construire sa propre lecture.

Cette disponibilité au regard constitue l’une des signatures de son travail.

Fabienne Fol Art Riviera Tour 2026
Fabienne Fol à Art Riviera Tour 2026 ©Thierry Beauvillain Ouvrard BBostudio

Fabienne Fol à Art Riviera Tour 2026

Présentée à Saint-Jean-Cap-Ferrat dans le cadre d’Art Riviera Tour 2026, Fabienne Fol expose aux côtés d’une trentaine d’artistes réunis par Wendy Lauwers et Multi Art Gallery.

Son univers trouve naturellement sa place dans cet événement où dialoguent des écritures artistiques très différentes, chacune portée par une vision personnelle de la création contemporaine.

Pourquoi ART MAG met Fabienne Fol à l’honneur

Depuis sa création, ART MAG accompagne des artistes dont les œuvres s’inscrivent dans une véritable démarche de recherche.

Ce qui a retenu notre attention chez Fabienne Fol, c’est sa capacité à partir d’éléments familiers pour ouvrir un espace d’interprétation. Là où d’autres décrivent le monde, elle en suggère les rythmes, les tensions et les équilibres invisibles.

Cette fidélité à une recherche sensible donne à son œuvre une cohérence qui s’affirme au fil des années.

À découvrir dans ART MAG n°33

Dans ART MAG n°33, nous consacrons plusieurs pages à Fabienne Fol.

Le magazine revient sur son parcours, analyse les liens entre peinture et sculpture et explore cette démarche artistique qui transforme les formes du réel en une expérience profondément sensible.

📖 Le numéro 33 est disponible en version papier et numérique.

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Jean-Claude Bertrand : peindre non pas un paysage, mais une expérience

« Je ne peins pas des sujets mais des expériences pour faire naître dans la matière et la couleur une sensation vécue. »

Cette phrase de Jean-Claude Bertrand résume sans doute mieux que n’importe quelle analyse la démarche du peintre.

Face à ses toiles, le regard cherche d’abord un paysage. Une ligne d’horizon, une lumière, une étendue d’eau ou de terre semblent apparaître. Pourtant, très vite, ces repères s’effacent. Ce que propose Jean-Claude Bertrand n’est pas une représentation du monde, mais une expérience sensible où la couleur, la matière et la lumière deviennent les véritables sujets.

C’est cette approche qui a conduit ART MAG à mettre l’artiste à l’honneur dans son numéro 33, consacré à Art Riviera Tour 2026.

portrait de jean claude bertrand artiste peintre présent à l'exposition Art Riviera Tour
Jean Claude Bertrand

Une peinture qui privilégie la sensation

Depuis plus de vingt-cinq ans, Jean-Claude Bertrand construit une œuvre qui échappe aux catégories.

Ses peintures peuvent évoquer un horizon, un ciel ou une mer, sans jamais chercher à les décrire. Elles invitent plutôt le spectateur à ralentir, à laisser les couleurs agir et à accueillir les émotions qu’elles suscitent.

Cette peinture intuitive ne raconte pas une histoire. Elle ouvre un espace de contemplation où chacun est libre de construire sa propre lecture.

L’horizon comme point de départ

Dans la série Nouveaux Horizons, l’horizon devient un élément récurrent.

Il ne délimite pas seulement un paysage. Il marque un seuil, une respiration, une ligne de tension entre deux espaces.

Cette présence discrète structure les compositions tout en laissant une large place à l’imaginaire. Les œuvres ne livrent jamais une réponse définitive. Elles suggèrent davantage qu’elles n’affirment.

C’est précisément cette ouverture qui caractérise le travail de Jean-Claude Bertrand.

Une œuvre construite dans la durée

Le parcours de Jean-Claude Bertrand témoigne d’une recherche menée avec constance.

Exposé en France comme à l’international, notamment à St-Art Strasbourg, Art Montpellier, Lille Art Up, St-Art Rennes ou encore World Art Dubai, le peintre poursuit une démarche fidèle à elle-même, sans céder aux effets de mode.

Chaque nouvelle toile enrichit un langage plastique construit au fil des années, où la matière, la lumière et la couleur dialoguent avec une grande liberté.

Jean Claude Bertrand devant ses tableaux à l'exposition de Art Riviera Tour 2026
Jean Claude Bertrand devant ses tableaux à l’exposition de Art Riviera Tour 2026 ©Thierry Beauvillain Ouvrard BBostudio

Pourquoi ART MAG met Jean-Claude Bertrand à l’honneur

En préparant le dossier consacré à Art Riviera Tour 2026, la rédaction d’ART MAG a découvert une trentaine d’artistes contemporains.

Jean-Claude Bertrand fait partie des onze artistes mis à l’honneur dans le numéro 33.

Ce qui a retenu notre attention n’est pas seulement la qualité de son travail, mais la cohérence d’une œuvre qui poursuit depuis plus de vingt-cinq ans une même recherche autour de la sensation, de la mémoire et de l’expérience intérieure.

À découvrir dans ART MAG n°33

Dans ART MAG n°33, nous consacrons plusieurs pages à Jean-Claude Bertrand.

Le magazine propose une lecture approfondie de son univers, de la série Nouveaux Horizons et de cette manière singulière de faire de la peinture un espace d’expérience plutôt qu’un simple paysage.

📖 Le numéro 33 est disponible en version papier et numérique.

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FAQ

Qui est Jean-Claude Bertrand ?

Jean-Claude Bertrand est un peintre contemporain français dont l’œuvre se situe entre abstraction lyrique et approche sensorielle. Depuis plus de vingt-cinq ans, il développe une peinture centrée sur la lumière, la matière et l’expérience intérieure.

Pourquoi ART MAG met-il Jean-Claude Bertrand à l’honneur ?

ART MAG a choisi de mettre Jean-Claude Bertrand à l’honneur dans son dossier consacré à Art Riviera Tour 2026 en raison de la cohérence de son parcours et de la singularité de sa démarche artistique.

Qu’est-ce que la série Nouveaux Horizons ?

Nouveaux Horizons est une série de peintures où l’horizon devient un motif structurant. Plus qu’un paysage, il représente un espace de transition, d’équilibre et d’ouverture vers l’imaginaire.

Où voir les œuvres de Jean-Claude Bertrand en 2026 ?

Les œuvres de Jean-Claude Bertrand sont présentées à Art Riviera Tour 2026 à Saint-Jean-Cap-Ferrat. L’artiste est également mis à l’honneur dans ART MAG n°33.

Pour lire la suite, téléchargez ART MAG N°33
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Flo Muliardo : quand une œuvre raconte la rencontre avec l’autre

Trinité, peinture contemporaine de Flo Muliardo représentant le portrait coloré d'un enfant, exposée à Art Riviera Tour 2026 à Saint-Jean-Cap-Ferrat.

Certaines œuvres attirent le regard. D’autres le retiennent.

Celles de Flo Muliardo appartiennent à cette seconde catégorie. À première vue, elles séduisent par la force des couleurs, la présence des visages ou la puissance des sculptures. Puis, peu à peu, autre chose apparaît. Une émotion. Une histoire. Une rencontre.

En préparant le dossier consacré à Art Riviera Tour 2026, la rédaction d’ART MAG a découvert une trentaine d’artistes contemporains. Onze d’entre eux sont mis à l’honneur dans le numéro 33 du magazine. Flo Muliardo s’est naturellement imposée, non parce que son œuvre cherche à impressionner, mais parce qu’elle poursuit, depuis plusieurs années, une réflexion profondément cohérente sur l’humain.

Une artiste qui ne cesse d’explorer

L’œuvre de Flo Muliardo n’est pas figée. Elle évolue, se transforme et emprunte de nouveaux chemins.

Si le public connaît son travail de sculptrice, l’artiste développe aujourd’hui une recherche où le portrait prend une place grandissante. Ce n’est pourtant pas un changement de direction. Les sujets évoluent, les techniques se diversifient, mais l’intention demeure.

Depuis ses premières créations, Flo Muliardo s’intéresse à ce qui construit une identité. À ce qui relie les êtres humains. À cette part invisible que l’art permet parfois de révéler.

Cette fidélité à une même démarche donne à son parcours une rare cohérence.

Des rencontres qui nourrissent la création

Chez Flo Muliardo, les œuvres ne naissent jamais d’un concept abstrait.

Elles prennent racine dans des rencontres, des expériences et des histoires vécues. Chaque nouvelle série témoigne d’un regard porté sur le monde, mais aussi sur celles et ceux qui le traversent.

Cette dimension profondément humaine donne à son travail une résonance particulière. L’artiste ne cherche pas à raconter la vie des autres à leur place. Elle crée des œuvres qui invitent chacun à regarder autrement, à dépasser les apparences et à retrouver ce qui nous rassemble.

C’est sans doute cette sincérité qui explique pourquoi son univers touche un public aussi large.

Flo Muliardo à Art Riviera Tour ©Thierry Beauvillain Ouvrard BBostudio

Une présence remarquée à Art Riviera Tour 2026

À Saint-Jean-Cap-Ferrat, dans le cadre d’Art Riviera Tour 2026, Flo Muliardo présente cette nouvelle étape de son parcours aux côtés d’une trentaine d’artistes contemporains réunis par Wendy Lauwers et Multi Art Gallery.

Son travail dialogue naturellement avec celui des autres artistes tout en affirmant une personnalité forte. Une œuvre qui ne cherche pas à suivre les tendances, mais qui se construit patiemment, dans le temps long.

Pourquoi ART MAG a souhaité mettre Flo Muliardo à l’honneur

Depuis sa création, ART MAG défend une ligne éditoriale simple : aller à la rencontre des artistes, comprendre leur démarche et donner au lecteur des clés pour mieux appréhender la création contemporaine.

Flo Muliardo incarne pleinement cette vision.

Ce qui a retenu notre attention n’est pas seulement la qualité plastique de son travail. C’est la cohérence d’un parcours où chaque nouvelle création prolonge la précédente, sans jamais renier ce qui en constitue le cœur : une réflexion sur l’humain, la rencontre et le regard.

C’est cette continuité qui nous a donné envie de lui consacrer plusieurs pages dans notre numéro spécial consacré à Art Riviera Tour.

À découvrir dans ART MAG n°33

Dans le magazine, nous poursuivons cette découverte avec une analyse approfondie de l’œuvre de Flo Muliardo, de son évolution artistique et des références qui nourrissent son univers. Un regard critique qui vient compléter cette première rencontre et invite à découvrir une artiste dont la démarche s’affirme avec une remarquable constance.

📖 Le numéro 33 est disponible en version papier et numérique.

A lire Aussi : Art Riviera Tour : les 11 artistes mis à l’honneur par ART MAG

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Vous êtes artiste et souhaitez faire découvrir votre travail à travers une publication éditoriale ?

À chaque numéro, ART MAG International sélectionne des artistes contemporains dont le parcours et la démarche font l’objet d’un article publié en français et en anglais.

La revue est diffusée en France et à l’international auprès d’amateurs d’art, de collectionneurs, de professionnels et d’institutions.

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FAQ – Flo Muliardo

Qui est Flo Muliardo ?

Flo Muliardo est une artiste contemporaine française dont le travail mêle peinture et sculpture. Son œuvre explore les thèmes de l’identité, de la rencontre et de l’humain à travers un univers coloré et immédiatement reconnaissable.

Où voir les œuvres de Flo Muliardo en 2026

En 2026, Flo Muliardo présente une sélection de ses œuvres à Art Riviera Tour, organisé à Saint-Jean-Cap-Ferrat. L’artiste est également mise à l’honneur dans le numéro 33 d’ART MAG.

Quelle est la démarche artistique de Flo Muliardo ?

La démarche de Flo Muliardo repose sur une réflexion autour de l’humain. À travers la peinture comme la sculpture, elle cherche à créer des œuvres qui invitent le spectateur à porter un regard différent sur l’autre, en privilégiant la rencontre, la sensibilité et la reconnaissance.

Pourquoi ART MAG consacre-t-il un article à Flo Muliardo ?

ART MAG met à l’honneur Flo Muliardo dans son dossier consacré à Art Riviera Tour 2026 en raison de la cohérence de son parcours artistique et de l’évolution de son œuvre. Le magazine propose également une analyse approfondie de sa démarche dans son numéro 33.

Pourquoi les portraits de Flo Muliardo attirent-ils autant l’attention ?

Les portraits de Flo Muliardo se distinguent par leurs couleurs intenses, leurs regards expressifs et leur dimension profondément humaine. Ils s’inscrivent dans une démarche artistique qui cherche à créer une rencontre entre l’œuvre et le spectateur, tout en affirmant une identité visuelle immédiatement reconnaissable.

Quelles œuvres de Flo Muliardo sont présentées à Art Riviera Tour 2026 ?

À Art Riviera Tour 2026, Flo Muliardo présente notamment des œuvres récentes qui témoignent de l’évolution de son univers artistique, où le portrait occupe une place importante aux côtés de ses sculptures emblématiques.

Où acheter le magazine ART MAG consacré à Flo Muliardo ?

Le dossier consacré à Flo Muliardo est publié dans ART MAG n°33, disponible en version papier et sur la boutique en ligne d’ART MAG.

Pour lire la suite, téléchargez ART MAG N°33
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Collectionneurs - Marché de l'art - Paris - Photographie

La collection d’Elton John : ce que Fragile Beauté révèle de l’art de collectionner

collection photographies présentée au jeu de paume

Plus de 300 photographies, plus de 90 artistes et une collection construite pendant plus de trente ans. Présentée au Jeu de Paume, Fragile Beauté pourrait n’être qu’une exposition spectaculaire consacrée à l’une des plus importantes collections privées de photographie au monde. Pourtant, derrière les œuvres de Richard Avedon, Nan Goldin, Irving Penn ou Robert Mapplethorpe se dessine une autre histoire : celle d’un regard qui s’est construit au fil des années.

Les grandes collections impressionnent souvent par leurs chiffres. Sept mille photographies. Des centaines de tirages devenus iconiques.

Les plus grands noms de la photographie moderne et contemporaine réunis dans un même parcours.

Mais après quelques salles, ces chiffres perdent peu à peu de leur importance. Les œuvres commencent à dialoguer entre elles. Les thèmes se répondent. Les choix prennent du sens.

Le visiteur ne regarde plus seulement une collection.

Il découvre la personnalité de ceux qui l’ont construite.

Une collection raconte toujours une histoire… mais rarement celle que l’on imagine

Il est tentant de voir dans une grande collection la démonstration d’une réussite ou d’un patrimoine exceptionnel.

Fragile Beauté invite à une lecture bien différente.

Les photographies de mode côtoient le photojournalisme. Les portraits de célébrités répondent aux images consacrées aux identités, aux luttes sociales ou aux marges. Rien ne semble avoir été réuni pour illustrer une histoire officielle de la photographie.

Au contraire, chaque œuvre paraît avoir été choisie parce qu’elle a compté à un moment précis de la vie d’Elton John et de David Furnish.

La collection cesse alors d’être un inventaire.

Elle devient un récit.

Photographie de Ryan McGinley Dakota Hair exposée dans Fragile Beauté au Jeu de Paume, issue de la collection photographique de Sir Elton John et David Furnish.
Ryan McGinley, Dakota Hair, 2004 photographie présentée dans l’exposition Fragile Beauté, issue de la collection photographique de Sir Elton John et David Furnish. © Ryan McGinley.

Le collectionneur ne commence pas par acheter des œuvres. Il apprend d’abord à regarder.

C’est probablement l’enseignement le plus précieux de cette exposition.

Dans le catalogue, Elton John raconte qu’avant d’acquérir des photographies d’Irving Penn ou de Man Ray, il vivait simplement entouré d’affiches. Peu à peu, il apprend à distinguer un beau tirage, à comprendre sa provenance, son histoire, sa qualité et à attendre parfois plusieurs années avant de trouver l’œuvre qu’il recherche.

Une phrase résume parfaitement cette démarche :

« Une image n’a pas besoin de coûter un million de dollars pour vous rendre heureux. Ça peut être n’importe quoi, même une photo découpée dans un journal. »

Ces mots rappellent une évidence que le marché de l’art fait parfois oublier.

L’argent permet d’acquérir des œuvres. Le regard permet de construire une collection.

Cette différence est fondamentale.

Une œuvre peut s’acheter en quelques minutes.

Le regard, lui, se forme pendant toute une vie.

Ce que les photographies disent de leurs collectionneurs

En parcourant Fragile Beauté, on comprend progressivement que les œuvres choisies parlent autant de ceux qui les regardent que de ceux qui les ont créées.

Les images évoquent la liberté, l’identité, le désir, les combats sociaux, la mémoire ou encore la célébrité. Réunies dans un même parcours, elles dessinent une cartographie sensible des émotions, des engagements et des interrogations qui ont accompagné Elton John et David Furnish pendant plus de trois décennies.

Une grande collection n’est donc jamais une simple accumulation d’œuvres.

Elle est le reflet d’une manière de regarder le monde.

Photographie de Philip-Lorca diCorcia exposée dans Fragile Beauté au Jeu de Paume, issue de la collection photographique de Sir Elton John et David Furnish.
Philip-Lorca diCorcia, Ike Cole, 38 years old; Los Angeles, California: $25, photographie présentée dans l’exposition Fragile Beauté, consacrée à la collection de Sir Elton John et David Furnish. © Philip-Lorca diCorciaCourtesy de l’artiste et David Zwirner

Pourquoi cette exposition dépasse largement la photographie

C’est sans doute ce qui fait la force de Fragile Beauté.

L’exposition ne s’adresse pas uniquement aux amateurs de photographie.

Elle interroge chacun d’entre nous.

Pourquoi une image nous bouleverse-t-elle ?

Pourquoi certaines œuvres nous accompagnent-elles toute une vie alors que d’autres disparaissent de notre mémoire ?

À quel moment cesse-t-on d’acheter des œuvres pour commencer réellement à collectionner ?

Ces questions dépassent largement le cadre du marché de l’art.

Elles touchent à notre rapport au temps, à la mémoire et à la transmission.

Une réflexion que nous poursuivons dans ART MAG n°33

En préparant notre dossier consacré au collectionnisme, nous avons choisi de ne pas raconter une nouvelle fois l’exposition.

Nous avons préféré partir d’une question plus fondamentale : qu’est-ce qui fait un collectionneur ?

📖 Le numéro 33 est disponible en version papier et numérique.

À travers l’exemple d’Elton John et David Furnish, ART MAG n°33 explore la manière dont une collection se construit, comment le goût se forme au fil des années et ce que les œuvres révèlent, finalement, de celui qui les choisit.

Car une collection ne raconte jamais seulement l’histoire de l’art.

Elle raconte aussi, silencieusement, l’histoire d’un regard.

FAQ – La collection d’Elton John et l’exposition Fragile Beauté

Pourquoi Elton John collectionne-t-il la photographie ?

Sir Elton John commence à collectionner la photographie au début des années 1990. Avec David Furnish, il constitue progressivement une collection de plus de 7 000 tirages, guidée avant tout par la passion et le regard plutôt que par une logique d’investissement. Son intérêt porte aussi bien sur les grands maîtres de la photographie que sur des artistes contemporains et des œuvres engagées.


Où voir la collection d’Elton John en France ?

Une sélection de plus de 300 photographies est présentée dans l’exposition Fragile Beauté au Jeu de Paume à Paris, du 12 juin au 27 septembre 2026. L’exposition réunit des œuvres majeures de la photographie moderne et contemporaine issues de la collection d’Elton John et David Furnish.


Combien d’œuvres compte la collection d’Elton John ?

La collection photographique d’Elton John et David Furnish rassemble aujourd’hui plus de 7 000 photographies. Elle est considérée comme l’une des plus importantes collections privées consacrées à la photographie des XXᵉ et XXIᵉ siècles.


Quels photographes sont présentés dans l’exposition Fragile Beauté ?

Au-delà de la qualité des œuvres présentées, Fragile Beauté montre comment une collection peut devenir le reflet d’un regard. À travers les choix d’Elton John et David Furnish, l’exposition explore des thèmes comme l’identité, la mémoire, la mode, les célébrités, le désir ou encore les grands combats sociaux.


Une collection d’art est-elle un investissement ou une passion ?

L’exemple de la collection d’Elton John montre qu’une grande collection ne se construit pas uniquement autour de la valeur des œuvres. Elle naît avant tout d’une curiosité, d’un regard et d’une fidélité à des artistes ou à des thèmes qui résonnent avec le collectionneur. Si certaines œuvres prennent de la valeur avec le temps, Fragile Beauté rappelle que le collectionnisme est d’abord une aventure personnelle.

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Actualités - ART RIVIERA TOUR - Peinture - Sculpture

Art Riviera Tour 2026 : les 11 artistes mis à l’honneur par ART MAG

Art Riviera Tour 2026, organisé à Saint-Jean-Cap-Ferrat par Wendy Lauwers et Multi Art Gallery, réunit une trentaine d’artistes contemporains. À cette occasion, ART MAG consacre un dossier exceptionnel à onze artistes dans son numéro 33.

Wendy Lauwers, fondatrice de Multi Art Gallery et organisatrice d’Art Riviera Tour, à l’origine de cette collaboration avec ART MAG.

Art Riviera Tour 2026 : une rencontre entre les artistes et le public

Du 10 au 26 juillet 2026, Art Riviera Tour réunit à Saint-Jean-Cap-Ferrat une trentaine d’artistes contemporains venus d’horizons différents. Organisée par Multi Art Gallery sous l’impulsion de Wendy Lauwers, cette exposition invite les visiteurs à découvrir une grande diversité de démarches artistiques dans un cadre exceptionnel.

Pour ART MAG, cette invitation représentait bien plus qu’un simple partenariat média.

Elle offrait l’opportunité de faire ce qui anime notre magazine depuis sa création : aller à la rencontre des artistes et raconter leur histoire.

Pourquoi ART MAG consacre un dossier à Art Riviera Tour 2026

Une exposition permet de découvrir des œuvres.

Un magazine permet de comprendre les artistes qui les créent.

Face à la richesse d‘Art Riviera Tour, il était impossible de consacrer plusieurs pages à chacun des exposants. Nous avons donc fait un choix éditorial : réaliser un dossier approfondi autour de onze artistes, afin de leur offrir l’espace nécessaire pour présenter leur parcours, leur démarche et leur vision de la création contemporaine.

Pendant plusieurs semaines, notre rédaction a échangé avec eux, analysé leurs œuvres et construit un dossier de plus de vingt pages publié dans le numéro 33 d’ART MAG.

Les 11 artistes contemporains présentés dans ART MAG

Le dossier met à l’honneur :

Onze artistes, onze sensibilités, onze regards différents sur la création contemporaine.

Le numéro 33 d’ART MAG accompagne Art Riviera Tour tout l’été

Le numéro 33 d’ART MAG est le point de départ de cette aventure éditoriale.

Tout au long de l’été, chacun de ces artistes fera également l’objet d’un article publié sur notre site Internet. Ces portraits viendront enrichir le dossier du magazine en apportant de nouveaux éclairages sur leurs œuvres, leurs inspirations et leur parcours.

Le magazine papier et le site web se complètent ainsi pour offrir une expérience de lecture qui accompagne le visiteur avant, pendant et après l’exposition.

Pourquoi ART MAG choisit de donner du temps aux artistes

À l’heure où les images circulent toujours plus vite, ART MAG fait un choix différent : celui de ralentir.

Prendre le temps d’écouter les artistes, de comprendre leur travail et de partager leur vision de la création contemporaine.

C’est cette ambition qui a guidé la réalisation de ce dossier consacré à Art Riviera Tour 2026.

Le dossier ART RIVIERA TOUR est extrait du numéro 33 d’ART MAG International.
Chaque édition rassemble des analyses, des regards critiques, des entretiens et des découvertes pour mieux comprendre les artistes, les œuvres et les évolutions de l’art contemporain.

📖 Le numéro 33 est disponible en version papier et numérique.

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Vous êtes artiste et souhaitez faire découvrir votre travail à travers une publication éditoriale ?

À chaque numéro, ART MAG International sélectionne des artistes contemporains dont le parcours et la démarche font l’objet d’un article publié en français et en anglais.

La revue est diffusée en France et à l’international auprès d’amateurs d’art, de collectionneurs, de professionnels et d’institutions.

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FAQ

Où se déroule Art Riviera Tour 2026 ?

Art Riviera Tour 2026 se tient à Saint-Jean-Cap-Ferrat et réunit une trentaine d’artistes contemporains.


Quelle est l’adresse de l’exposition ?
Espace Neptune Quai Virgile Allari à Saint Jean Cap Ferrat


Quels artistes sont présentés dans le numéro 33 d’ART MAG ?

Le magazine présente onze artistes sélectionnés à travers un dossier de plus de vingt pages.


Qui organise Art Riviera Tour ?

L’événement est organisé par Wendy Lauwers, fondatrice de Multi Art Gallery.


Où acheter le numéro 33 d’ART MAG ?

Le numéro est disponible en version papier et numérique sur le site d’ART MAG.

Pour lire la suite, téléchargez ART MAG N°33
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Artistes à la une - Femmes artistes - Peinture

Anny Duperey peintre : l’autre vie d’une artiste enfin révélée

Anny Duperey peintre devant ses tableaux lors d'une exposition, une œuvre où la couleur et la lumière occupent une place centrale.

Pendant plus de soixante ans, Anny Duperey a peint dans la discrétion. Connue du grand public pour sa carrière de comédienne et d’écrivaine, elle a pourtant construit, loin des projecteurs, une œuvre picturale d’une remarquable cohérence. Aujourd’hui, cette peinture longtemps restée confidentielle s’offre enfin au regard. Une révélation qui invite à redécouvrir une artiste dont la couleur est, depuis toujours, le véritable langage.

Avant la comédienne, il y avait la peintre

Le destin d’Anny Duperey semble tout tracé vers le théâtre, le cinéma et la littérature. Pourtant, bien avant les plateaux de tournage, il y eut les ateliers des Beaux-Arts de Rouen, où la jeune artiste découvre très tôt la peinture.

Son talent est rapidement remarqué par le peintre Robert Savary, qui devient son maître et reconnaît chez elle une qualité rare : un instinct naturel de la couleur.

Une phrase prononcée à cette époque l’accompagnera toute sa vie :

« Tu n’as pas de quoi être fière, c’est un don. » Robert Savary

Loin de nourrir une quelconque ambition, cette remarque installe chez elle une forme de pudeur qui marquera durablement son rapport à la création.

Lorsque le Conservatoire national supérieur d’art dramatique lui ouvre ses portes, sa carrière de comédienne prend naturellement le dessus. Mais la peinture ne disparaît jamais. Elle devient un espace intime, silencieux, poursuivi entre deux tournages, loin du regard du public.

Pourquoi Anny Duperey a-t-elle attendu si longtemps avant d’exposer ?

Pendant des décennies, Anny Duperey refuse de montrer ses tableaux.

Son explication est d’une grande simplicité.

« Par respect pour les « vrais » peintres, ceux qui consacrent leur vie à cet art, je m’interdisais de montrer mes œuvres. Tardivement, je me le permets… modestement. » Anny Duperey

Cette réserve explique pourquoi son apparition sur la scène artistique ne ressemble à aucune autre.

Il ne s’agit pas d’une célébrité découvrant soudainement une nouvelle passion. Il s’agit d’une œuvre qui existait déjà depuis plus d’un demi-siècle et qui choisit seulement aujourd’hui de se rendre visible.

Sa participation au Salon des Artistes Indépendants au Grand Palais marque ainsi moins un commencement qu’une reconnaissance.

Anny Duperey – Bouquet Champêtre, nature morte florale aux harmonies de couleurs et à la lumière inspirées des grands peintres coloristes français.
Bouquet Champêtre – Anny Duperey

Une peinture où la couleur devient le véritable sujet

À première vue, les œuvres d’Anny Duperey représentent des bouquets, des paysages ou des portraits.

Mais le véritable sujet est ailleurs.

Comme chez Pierre Bonnard, Henri Matisse ou Raoul Dufy, artistes qu’elle admire profondément, la couleur n’accompagne pas la composition : elle la construit.

Les fleurs deviennent des harmonies de jaunes, de bleus et de violets.

Les paysages s’organisent autour de la lumière plus que du dessin.

Les personnages eux-mêmes semblent émerger d’une matière colorée qui leur donne toute leur présence.

Anny Duperey ne cherche jamais l’effet démonstratif. Sa peinture avance avec douceur, privilégiant l’équilibre des tons, les vibrations lumineuses et une émotion discrète.

Cette fidélité aux grands coloristes français ne relève pourtant jamais de l’imitation. Elle apparaît plutôt comme un héritage pleinement assumé, intégré au fil d’une pratique quotidienne.

Une peinture de la contemplation

L’œuvre d’Anny Duperey invite à ralentir.

Ses paysages ne racontent pas une histoire spectaculaire. Quelques arbres, une maison isolée, un horizon suffisent à installer une atmosphère suspendue.

Dans ses bouquets, la lumière semble circuler librement entre les fleurs.

Chaque toile donne l’impression d’avoir été observée longuement avant d’être peinte.

Cette attention au temps rapproche son travail d’une peinture de contemplation, où l’émotion naît moins du sujet représenté que de la manière dont la lumière transforme le regard.

Anny Duperey – La Folle de Chaillot, portrait d'une femme au regard intense et au chapeau fleuri, peinture figurative aux couleurs éclatantes.
Ma folle de Chaillot (collection personnelle)

Des portraits où le personnage prend vie

Parmi les œuvres présentées, La Folle de Chaillot attire immédiatement l’attention.

Avec son regard intense, son visage lumineux et son extravagant chapeau fleuri, la figure s’impose avec une étonnante présence.

Impossible de ne pas y voir l’influence de la comédienne.

Anny Duperey ne peint pas uniquement un visage ; elle construit un personnage.

L’expression, la posture, la présence psychologique deviennent aussi importantes que la couleur elle-même.

Son expérience de la scène nourrit ici naturellement son travail de peintre, sans jamais le dominer.

Une œuvre construite loin des modes

Ce qui frappe sans doute le plus dans cette peinture est son indépendance.

Pendant plus de soixante ans, Anny Duperey a continué à peindre sans chercher la reconnaissance du marché de l’art, sans suivre les tendances ni adapter son travail aux attentes du public.

Cette liberté confère aujourd’hui à son œuvre une rare cohérence.

Chaque tableau semble appartenir à une même recherche : comprendre toujours davantage la lumière, la composition et les rapports de couleur.

Il n’y a ni rupture spectaculaire ni volonté de surprendre.

Seulement une fidélité constante à un geste artistique poursuivi avec patience.

Le regard d’ART MAG

Ce qui touche dans la peinture d’Anny Duperey n’est pas seulement sa qualité picturale. C’est le rapport qu’elle entretient avec le temps.

À une époque où la visibilité précède souvent l’œuvre, son parcours rappelle qu’une pratique artistique peut mûrir pendant des décennies avant d’être dévoilée.

Ses tableaux ne cherchent ni à prolonger une notoriété ni à construire une nouvelle carrière. Ils témoignent d’une fidélité à la peinture, développée dans le silence de l’atelier, avec la même exigence depuis plus de soixante ans.

Peut-être est-ce là la véritable singularité de son œuvre : celle d’une artiste qui n’a jamais peint pour être regardée, mais simplement parce qu’elle ne pouvait pas faire autrement.

Cet article est extrait du numéro 33 d’ART MAG International.
Chaque édition rassemble des analyses, des regards critiques, des entretiens et des découvertes pour mieux comprendre les artistes, les œuvres et les évolutions de l’art contemporain.

📖 Le numéro 33 est disponible en version papier et numérique.

FAQ

Anny Duperey est-elle aussi peintre ?

Oui. Bien avant sa carrière de comédienne, Anny Duperey a étudié aux Beaux-Arts de Rouen. Elle peint depuis plus de soixante ans et dévoile aujourd’hui une œuvre restée longtemps confidentielle.

Quel est le style de peinture d’Anny Duperey ?

Sa peinture s’inscrit dans une tradition figurative où la couleur joue un rôle central. Influencée par Pierre Bonnard, Henri Matisse et Raoul Dufy, elle privilégie les harmonies chromatiques, la lumière et la contemplation.

Pourquoi Anny Duperey a-t-elle attendu si longtemps pour exposer ?

L’artiste explique avoir longtemps hésité à montrer ses œuvres par respect pour les peintres ayant consacré toute leur vie à cet art. Elle a finalement choisi de partager son travail après plusieurs décennies de pratique.

Où découvrir les peintures d’Anny Duperey ?

Ses œuvres ont notamment été présentées au Salon des Artistes Indépendants au Grand Palais. Elles sont également à découvrir dans ART MAG #33, qui consacre un portrait à son parcours de peintre.

Pour lire la suite, téléchargez ART MAG N°33