Dans l’atelier de Vincent Libecq naissent des sculptures qui sont bien plus que de simples objets d’art. Elles sont des vecteurs d’émotion, des ponts entre l’artiste et le spectateur. Né en 1966, Libecq apprend l’art de sculpter A 20 ANS. mais au delà de la technique transmettre ses émotions brutes pour toucher l’universel lui tient a cœur !
Dans le monde de l’art urbain contemporain, l’artiste-plasticien ASTRO se démarque par son audace créative et sa capacité à repousser les frontières de l’expression artistique. Récemment, il a annoncé une nouvelle phase de sa carrière avec le lancement de son premier ouvrage intitulé « DIMENSIONS », ainsi que son incursion remarquée dans le domaine de la sculpture.
L’ouvrage « DIMENSIONS« , qui sera dévoilé le 25 mai 2024 au centre d’art urbain Fluctuart à Paris, promet une plongée captivante dans les vingt années de carrière d’ASTRO. Des premiers graffitis réalisés dans la banlieue nord de Paris jusqu’à ses fresques monumentales aux illusions d’optique saisissantes à travers le globe, cet ouvrage offre une rétrospective complète de l’évolution artistique de cet innovateur de talent.
ASTRO, connu pour ses trompe-l’œil XXL qui redéfinissent les limites de la perspective, s’engage désormais dans une exploration tridimensionnelle avec la sculpture. Son passage de la toile aux œuvres sculpturales marque une évolution naturelle dans sa démarche artistique, tandis qu’il cherche à repousser encore plus loin les frontières de son art. Ses sculptures, caractérisées par un jeu d’optique subtil et une manipulation habile de la gravité, promettent de captiver le public et de transformer l’espace urbain en un terrain de jeu artistique sans limites.
Mais l’impact d’ASTRO ne se limite pas à ses œuvres individuelles. En tant que membre du collectif Urban Block, il participe activement à la revitalisation artistique du quartier de Thrive Art District en Floride, en collaborant à la création d’œuvres monumentales en béton qui redéfinissent l’esthétique urbaine.
L’engagement d’ASTRO envers l’innovation artistique et son influence sur la scène urbaine contemporaine sont indéniables. Son travail est régulièrement exposé dans des institutions prestigieuses à travers le monde, témoignant ainsi de sa reconnaissance internationale et de son impact durable sur le paysage artistique mondial.
Dans le monde de l’art contemporain, où l’innovation et l’expression personnelle priment, Valerie Moreau sous son nom d’artiste Valem se distingue comme une figure emblématique de cette ère de fusion entre disciplines. Originaire de Nantes, ayant grandi entre Paris et l’Oise, et formée en ingénierie à l’université de technologie de Compiègne, Valem a suivi un itinéraire professionnel unique, entrelaçant rigoureusement les chemins de l’ingénierie, de l’enseignement et de l’art.
Dès le milieu des années 90, Valem découvre sa passion pour la sculpture, un art qui deviendra son principal mode d’expression. Sous la direction de Louis Lutz à l’école municipale des Beaux-Arts de Compiègne, elle explore le modelage du nu, un exercice qui révèle sa vocation artistique. Cette expérience, à la fois puissante et révélatrice, marque le début d’une prolifique carrière dans la sculpture, profession qu’elle embrasse parallèlement à ses activités d’ingénieure puis d’enseignante-chercheuse, avant d’en faire son activité principale en 2022.
L’œuvre de Valem est profondément enracinée dans l’étude du vivant, explorant initialement les figures humaines et animales avant d’incorporer des éléments végétaux à partir de 2023. Cette évolution témoigne de son engagement croissant envers les enjeux socio-écologiques, une préoccupation qu’elle a également intégrée dans ses enseignements à l’UTC. Son art et son activisme se rejoignent dans une quête commune : promouvoir un futur soutenable et désirable à travers la complémentarité des approches scientifiques et artistiques.
Eric Vanel, originaire de Niort dans les Deux-Sèvres, nous livre un parcours artistique aussi atypique que fascinant. Bien que sa jeunesse ait été marquée par une créativité latente, il a d’abord suivi une voie plus conventionnelle en optant pour une école d’ingénieur, même si l’option design était déjà présente dans son esprit. C’est à la quarantaine que la passion de la sculpture a émergé en lui, déclenchant un changement profond dans sa vie. Ce cheminement personnel vers l’art figuratif contemporain est d’autant plus remarquable qu’il s’est fait tardivement, et il a choisi de perfectionner son art en travaillant avec des maîtres sculpteurs.
L’artiste décrit son œuvre comme des sculptures « vivantes », « avec une âme », « puissantes » et « expressives ». Ces termes éclairent avec une clarté éclatante sa démarche artistique. Ses créations captent véritablement la quintessence de la vie, figeant des moments empreints d’émotion dans des formes de bronze. Chacune de ses sculptures raconte une histoire, un récit qui transcende les frontières entre le monde tangible et le domaine fantastique.
Les sources d’inspiration d’Eric Vanel sont aussi éclectiques qu’enchanteresses. Il puise sa créativité dans le vivant, scrutant attentivement les êtres humains pour extraire l’essence de leurs attitudes et de leurs expressions. Les mythes anciens et la littérature contemporaine enrichissent également son imaginaire, conférant une dimension mythique à ses créations. Sur le plan formel, il s’inspire de maîtres sculpteurs tels que Bernini, Carpeaux, et le contemporain Grzegorz Gwiazda, dont l’influence se manifeste dans son œuvre.
L’essence d’une âme créative trouve souvent ses racines dans les lieux et les moments de l’enfance. Pour Benjamin Georgeaud, c’est dans les ruelles pavillonnaires de Montfermeil, dans le 93, que le voyage artistique a débuté. Une localité qui a déjà inspiré Victor Hugo pour l’une des rencontres les plus emblématiques de la littérature, celle de Jean Valjean et Cosette. C’est là, entre les pierres chargées d’histoire, que la passion de la sculpture a été façonnée.
La formation artistique de Benjamin Georgeaud est un patchwork unique d’expériences. Si les bancs d’école traditionnels n’ont pas marqué son parcours, sa soif d’apprendre s’est manifestée à travers des cours divers. Des ateliers de Zoltan Zsako* aux cours du soir des Beaux-Arts de la Mairie de Paris en passant par son rôle d’assistant auprès de Jonathan Hirschfeld* pendant sept années, chaque opportunité a développé son expertise. Cette formation hybride témoigne de sa détermination et de son engagement envers la maîtrise de son art.
Trois mots captivent l’essence de son œuvre : exigence, humanité, travail. L’exigence se reflète dans la minutie de chaque pièce, chaque ligne, chaque courbe minutieusement taillée, témoignant de son engagement intransigeant envers l’art. L’humanité transparaît dans la gamme d’émotions qu’elle capture dans ses sculptures, mettant en lumière la complexité de l’expérience humaine. Le travail est la somme des heures passées à façonner la matière brute en créations qui défient le temps.
Nichée au cœur des montagnes de Haute-Savoie, réside une artiste passionnée qui a trouvé sa voie artistique à travers un médium à la fois surprenant et captivant : la sculpture dentaire. Florence Muliardo, une artiste plasticienne autodidacte, a su créer un univers artistique unique en transformant les dents en pièces d’art singulières, alliant avec brio l’art de la sculpture et de l’illustration.
Nous avions eu l’occasion de présenter l’artiste dans le numéro 13 du ART MAG. Aujourd’hui, nous la retrouvons lors de l’exposition de sculptures monumentales organisée chaque année par la Ville de Mers-Les-Bains.
Les créations de Florence captent instantanément l’attention. Chacune de ses pièces représente une exploration minutieuse des formes, des textures et des émotions. Avec une habileté incomparable, Florence façonne chaque dent à la main, jonglant avec adresse entre les proportions et les échelles pour insuffler vie à des sculptures qui repoussent les frontières de l’imagination. Des dents géantes s’élevant à plus de deux mètres de hauteur, dominant l’espace, aux dents plus modestes employées pour des détails délicats, son expertise témoigne d’une maîtrise artistique exceptionnelle.
L’artiste verrier contemporain Simon Berger a su captiver les spectateurs avec son langage artistique singulier qui explore les profondeurs du verre. En utilisant un marteau pour fissurer et marteler le matériau, il crée des portraits lacérés qui transforment la vitre en un support d’expression captivant. Sa maîtrise des impacts et des contrastes révèle la beauté dans la destruction apparente. Simon Berger est un véritable pionnier dans l’utilisation de cette technique, et ses œuvres brisées suscitent fascination et émerveillement. En plongeant dans son univers artistique, nous découvrons un langage qui donne une nouvelle vie à la fragilité du verre.
Florence MULIARDO est une artiste plasticienne autodidacte reconnue sous la marque MULIARDO FQD.
Elle utilise la sculpture pour créer des dents de formats variés. Ce sont des œuvres d’art uniques, sculptées à la main, créant des formes et des textures qui se marient parfaitement avec les illustrations qu’elle ajoute ensuite. Les résultats sont des pièces d’art étonnantes et surprenantes qui captivent l’attention des spectateurs. Les dents sont un organe fascinant à travailler selon elle, car elles ont une histoire et une signification symbolique qui peuvent être explorées dans son travail.
L’art est souvent un moyen d’exprimer ses états d’âme. L’art de la sculpture est souvent un moyen pour les artistes de rendre hommage à un monde, à un univers. D’un bloc, des visages, des lignes, des réflexions se laissent entrevoir, comme si un fruit passait à l’état de fleur. Pour Christophe Rollin, l’art est un univers parallèle, « le visage de l’inconscient, peut-être ? ».
ART MAG : Parlez nous un peu de vous … où êtes-vous né ? Avez-vous une formation en art ?
Philippes Desloubières : Né à Paris en 1950, je suis rentré aux beaux-arts de Paris dans les années 1972 non pas dans un atelier de sculpture mais dans l’atelier fresque. J’étais très timide à l’époque, je me suis engagé dans le premier atelier qui m’a accueilli, ce fut une période d’apprentissage riche, j’ai fait connaissance avec les peintres primitifs italiens tels que Giotto.
Mon parcours est plutôt atypique et sinueux car j’ai d’abord commencé une formation dans le domaine de la charcuterie, je ne sais ce qu’il en reste aujourd’hui, peut-être un goût non pas pour la viande mais pour la précision, le travail fini.
AM : Si vous deviez décrire votre travail en 3 mots ?
PHD : Nature-Harmonie-Identité
