Mois : avril 2025

David Bouyou — Dessiner la fragilité

Français d’origine congolaise, David Bouyou fait du dessin un art d’attention. Ses portraits et ses animaux deviennent des lieux de mémoire où la beauté se conjugue à la finitude du vivant. De son enfance au Congo à ses expositions en Provence, en Picardie puis à l’international, son parcours trace une éthique du regard — humble, tenace, profondément humaine.

Enfance d’observation : les premiers regards

Le geste naît très tôt. Enfant, David réclame « des feuilles, des feuilles, des feuilles », s’absorbant dans la contemplation de la basse-cour de son grand-père maternel. Deux motifs fondateurs s’imposent : l’animal et le visage. Arrivé en France vers l’âge de trois ans, il ne cesse de dessiner, affinant à l’adolescence son goût pour les portraits réalistes et expressifs.
Cette pratique de l’observation forge chez lui une qualité rare : l’attention au vivant, au mouvement imperceptible qui traverse les êtres.

Se former pour se décentrer : l’école de Blois

À Blois, il suit trois années d’études en art et design / graphisme. Cette formation marque un tournant. Elle le pousse à sortir de sa « zone de confort », à questionner le dessin, à explorer d’autres écritures visuelles.
Ce déplacement intérieur, raconte-t-il, a structuré sa pratique. Il découvre que le trait n’est pas seulement une reproduction du réel, mais une interprétation poétique, un dialogue entre regard et silence.

Le silence du trait, puis le retour

Après l’école d’art, David Bouyou prend une autre voie : des études de théologie à Bordeaux, un engagement pastoral, et presque huit ans où le dessin s’efface. Le fil reprend en 2019 avec un éléphant, symbole de mémoire et de résilience.
Le ralentissement de 2020 lui offre du temps. Installé en Provence, il décide de donner au dessin la place qu’il mérite. Les commandes affluent, notamment via Instagram, où son univers graphique séduit par sa profondeur et sa simplicité.

De la Provence à New York : l’envol international

Sa première exposition en Provence, en octobre 2021, est suivie d’une autre en Picardie en 2022. En 2023, un galeriste espagnol découvre son travail sur Instagram et l’invite à un salon international : une œuvre y reçoit les honneurs du jury.
Depuis, son dessin franchit les frontières, jusqu’à New York et Miami. L’artiste parle de ces opportunités avec un étonnement tranquille : « Je savoure chaque étape comme un cadeau. »

Portraits et animaux : la beauté vulnérable

Les portraits de David Bouyou sont des hommages silencieux. Le premier, consacré à Kobe Bryant après le drame de 2020, naît d’un bouleversement personnel. D’autres suivront — Gaspard Ulliel, entre autres — comme des méditations sur la fragilité de la vie.
Dessiner devient un acte de présence : saisir l’instant avant qu’il ne s’efface.
Dans ses dessins animaliers, l’artiste capte la majesté sans emphase : lions, éléphants ou chevaux portent la même innocence blessable que ses visages. La ligne n’exhibe pas — elle veille.
Cette « gravité calme », signature de son style, naît d’une attention à la beauté du fragile.

Une éthique du regard

Formé à la théologie, David Bouyou ne prêche pas : il écoute le monde.
Sa foi, dit-il, lui apprend à « se déprendre des petites guéguerres » et à se consacrer à ce qui compte : la paix intérieure, la trace utile.
« On a tous un message à passer », confie-t-il. Le sien passe par le trait — un humanisme du dessin, simple, direct, universel.
Ce regard sincère touche aussi bien les familles commanditaires que les galeristes et collectionneurs internationaux.

Pourquoi son œuvre résonne aujourd’hui

À l’heure où les images numériques saturent notre attention, David Bouyou nous rappelle la puissance du dessin : sa lenteur, sa justesse émotionnelle, sa responsabilité envers le vivant.
Son œuvre n’impose rien. Elle invite à regarder autrement — à sentir la beauté dans la vulnérabilité.
Dans un monde pressé, il choisit la tendresse du trait. Et c’est peut-être là que réside sa modernité.

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❓ FAQ — David Bouyou, l’artiste du trait et de la fragilité

Qui est David Bouyou ?

David Bouyou est un artiste franco-congolais dont le travail explore la beauté et la fragilité du vivant. À travers ses portraits et dessins animaliers, il célèbre la mémoire, la présence et la vulnérabilité. Son parcours, marqué par une enfance au Congo et une formation en art et théologie, nourrit une œuvre profondément humaine et contemplative.

Quel est le style artistique de David Bouyou ?

Son style se caractérise par un dessin au trait précis et silencieux, une attention à la lumière et à la texture, et une émotion contenue. Il mêle réalisme et intériorité pour traduire la vulnérabilité du vivant, sans surjouer la virtuosité.

Où David Bouyou expose-t-il ses œuvres ?

Après ses premières expositions en Provence (2021) et en Picardie (2022), David Bouyou a été repéré par un galeriste espagnol en 2023. Ses œuvres ont depuis voyagé jusqu’à New York et Miami, où elles ont rencontré un public international séduit par leur intensité émotionnelle et leur esthétique épurée.

Quels thèmes reviennent dans ses dessins ?

Les thèmes récurrents sont le visage et l’animal — symboles de mémoire et d’innocence.
Ses portraits (comme celui de Kobe Bryant ou Gaspard Ulliel) explorent la finitude humaine, tandis que ses animaux incarnent la puissance tranquille du monde vivant. Chez lui, dessiner devient un acte d’attention et de gratitude.

Quel rôle joue la théologie dans son parcours artistique ?

Son parcours spirituel et ses études de théologie ont façonné une éthique du regard : un rapport au temps, au silence et à la responsabilité de créer. Sans jamais imposer de discours religieux, David Bouyou invite à une forme d’écoute du monde, où chaque dessin devient une méditation sur la vie.

Pourquoi son œuvre touche-t-elle autant de personnes ?

Parce qu’elle parle à tous.
Ses œuvres ne cherchent pas la démonstration, mais la présence. Elles invitent à ralentir, à observer, à ressentir. Dans un monde saturé d’images, David Bouyou propose une paix visuelle : un art de la justesse et de la tendresse.

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Paris Photo 2025 : mes 3 coups de cœur au Grand Palais — les artistes à ne pas manquer cette année

Affiches monumentales de Paris Photo 2025 suspendues entre les colonnes du Grand Palais, annonçant l’édition du 13 au 16 novembre 2025.

Art Mag

Paris Photo 2025 a transformé le Grand Palais en véritable capitale mondiale de la photographie. Avec 222 exposants venus de 33 pays, l’événement offre un panorama unique de la création contemporaine.
Au cœur de cette effervescence, trois rencontres ont retenu toute mon attention. Trois artistes, trois approches, trois émotions fortes — et autant de raisons de ne pas passer à côté de cette édition.

Tissages monumentaux de Mia Weiner exposés par la galerie Homecoming à Paris Photo 2025, montrant ses autoportraits textiles réalisés fil par fil. Magazine Art Mag — Mia Weiner / Galerie Homecoming, Stand N01, secteur Emergence

1. Mia Weiner — Quand le corps devient tissage numérique

Galerie Homecoming stand N01, secteur Emergence

Premier choc visuel : les autoportraits monumentaux de Mia Weiner, représentée par la galerie Homecoming.
Dans sa série You’re My Son, l’artiste américaine transforme l’image numérique en matière textile : chaque pixel devient un fil, tissé à la main dans un travail d’une précision vertigineuse.

Grand tissage photographique de Mia Weiner exposé par la galerie Homecoming à Paris Photo 2025, représentant une figure féminine nue tissée fil par fil. art mag — Mia Weiner / Galerie Homecoming, Stand N01, secteur Emergence

Pourquoi c’est un coup de cœur ?

La présence féminine y est puissante, assumée, politique.
L’œuvre mêle technologie et artisanat avec une finesse rare.
La texture donne l’impression que l’image respire.

Mia Weiner questionne la visibilité des corps féminins dans notre monde digitalisé — et elle le fait avec une poésie brute, vibrante.

Stand de la galerie Ruttkowski;68 à Paris Photo 2025, présentant la série “Conversation avec Monet” de François Alary, sous la verrière du Grand Palais. Magazine Art Mag — François Alary / Galerie Ruttkowski;68, Stand D26 secteur principal

2. François Alary — Un dialogue inattendu avec Claude Monet

Galerie Ruttkowski;68 Stand D26 secteur principal

Direction ensuite Ruttkowski;68, où le photographe français François Alary présente une série élégante et intime.
Installé pendant quarante ans à New York, collaborateur de Vogue et Vanity Fair, Alary s’aventure ici dans une démarche plus contemplative.

Sa série réinvente les jardins de Giverny :

polaroids scannés,
gestes peints à l’huile,
couleurs qui débordent,
flou photographique et matière picturale qui se répondent.

Photographie de François Alary exposée par la galerie Ruttkowski;68 à Paris Photo 2025, mêlant polaroid flou et touches d’huile colorées inspirées des jardins de Giverny. magazine art mag — François Alary / Galerie Ruttkowski;68, Stand D26 secteur principal

Pourquoi c’est un coup de cœur ?
Parce que ces images créent une conversation visuelle avec Monet sans jamais l’imiter. Elles captent l’esprit impressionniste tout en affirmant un regard résolument contemporain.

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Accrochage mural de la galerie Poggi consacré à Sophie Ristelhueber à Paris Photo 2025, regroupant quarante ans d’images autour des traces de guerre et des paysages blessés. Magazine Art Mag — Sophie Ristelhueber / Galerie Poggi, Stand A24 – secteur principal

3. Sophie Ristelhueber — La mémoire des paysages blessés

Galerie Poggi A24 – secteur principal

Troisième moment fort : le stand de la galerie Poggi, consacré à Sophie Ristelhueber, l’une des photographes françaises les plus influentes, auréolée du Prix Hasselblad.

Devant un mur de 40 mètres, retraçant quarante ans de carrière, on plonge dans une œuvre habitée par les cicatrices du monde :

territoires marqués par les conflits,
paysages transformés en corps,
ruines devenues mémoire.

Accrochage de la galerie Poggi à Paris Photo 2025, présentant un portrait monumental en noir et blanc de Sophie Ristelhueber aux cicatrices visibles, entouré de photographies de paysages marqués par les conflits. magazine art mag — Sophie Ristelhueber / Galerie Poggi, Stand A24 – secteur principal

Pourquoi c’est un coup de cœur ?
Chaque image est une véritable enquête sensible, qui transforme le paysage en témoin silencieux. On ressort de ce stand profondément marqué, avec l’impression d’avoir traversé un territoire blessé mais terriblement vivant.

Ce que je retiens de Paris Photo 2025 : trois artistes, trois visions, un même souffle

Cette édition 2025 rappelle une chose essentielle : la photographie n’est pas seulement un médium, mais un langage vivant, capable d’unir technique, mémoire, corps, douleur, douceur et innovation.

Mia Weiner réinvente le textile.
François Alary réinvente Monet.
Sophie Ristelhueber réinvente la manière de regarder les cicatrices du monde.

Trois artistes à suivre absolument, trois galeries engagées, et une édition qui confirme que Paris reste — plus que jamais — la capitale mondiale de l’image.

A lire aussi :

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Actualités - Street art

Léa Belooussovitch : une fresque bouleversante pour les victimes du 13-Novembre

« Fresque monumentale floue et colorée de Léa Belooussovitch sur la façade d’un immeuble du 11ᵉ arrondissement de Paris, réalisée en hommage aux victimes du 13-Novembre.

Une œuvre de lumière pour un quartier marqué par la tragédie

Le 12 novembre 2025, une fresque monumentale de Léa Belooussovitch a été inaugurée dans le 11ᵉ arrondissement de Paris, à quelques rues de La Belle Équipe. Dix ans après les attentats du 13-Novembre, l’artiste belge transforme le souvenir du drame en un nuage de couleurs vibrantes — un hommage sensible et puissant qui invite au recueillement.

Une œuvre publique rare, à la fois poétique et mémorielle, qui capte aujourd’hui l’attention des passants comme des amateurs d’art.

Un flou vibrant qui remplace la violence par l’empathie

L’artiste est partie d’une image de presse montrant deux survivants enlacés sous une couverture de survie. De cette scène douloureuse, elle ne garde qu’un geste : l’étreinte.

Pourquoi ce choix touche autant ?

Le flou dissout la violence, sans l’effacer.
Les couleurs — rose, jaune, bleu, orange — deviennent des respirations.
L’humain reste au centre, sans être montré.

Léa Belooussovitch parle d’un « voile éthique » : une manière de représenter le traumatisme sans le rendre insoutenable. Le résultat est une composition douce, lumineuse, qui apaise au lieu de raviver la douleur.

Une fresque qui transforme l’espace public

Installée au 19 rue Léon-Frot, l’œuvre s’inscrit dans un lieu chargé d’histoire, où les habitants ressentent encore les traces du drame.

Mais contrairement aux plaques commémoratives, silencieuses et solennelles, la fresque de Belooussovitch offre une autre forme de mémoire : un espace ouvert, respirant, où chacun peut s’arrêter, observer, se souvenir.

Elle ne raconte pas la catastrophe : elle la laisse murmurer.
Elle ne fige pas le passé : elle le laisse circuler dans la couleur.

Une esthétique de la disparition qui éclaire le présent

Le flou est la marque de fabrique de l’artiste. Ici, il agit comme un activateur de mémoire.

On croit d’abord voir une abstraction. Puis une sensation apparaît : celle d’un souvenir flottant, d’une image qu’on n’arrive pas à saisir mais qui nous poursuit.
Ce trouble visuel est précisément ce qui rend l’œuvre si puissante : elle laisse de la place au regard, à l’émotion, à la projection.

Dans un quartier encore marqué par le traumatisme, cette poésie visuelle devient un geste d’apaisement.

Une lumière pour celles et ceux que Paris n’oublie pas

À l’heure où la ville commémore le dixième anniversaire du 13-Novembre, la fresque de Léa Belooussovitch apporte un hommage résolument contemporain :
non pas une image du drame, mais une lumière pour celles et ceux qui ne sont plus là.

Un geste d’artiste, mais aussi un geste humain.

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Pour aller plus loin : Le flou utilisé par Belooussovitch résonne avec les recherches perceptives abordées dans notre analyse de l’œuvre de Gerhard Richter.

FAQ – Fresque de Léa Belooussovitch en hommage aux victimes du 13-Novembre

Où se trouve la fresque de Léa Belooussovitch dédiée aux victimes du 13-Novembre ?

La fresque est située au 19 rue Léon-Frot, dans le 11ᵉ arrondissement de Paris, à quelques rues du café-restaurant La Belle Équipe, un lieu marqué par les attentats de 2015.

Que représente la fresque réalisée par Léa Belooussovitch ?

L’œuvre est une composition floue et colorée, inspirée d’une image de presse montrant deux survivants enlacés sous une couverture de survie. L’artiste en retient le geste et l’émotion, sans montrer la violence initiale.

Pourquoi Léa Belooussovitch utilise-t-elle le flou dans ses œuvres ?

Le flou est chez elle un « voile éthique » : il adoucit la violence sans la nier, crée une distance respectueuse et transforme les images traumatiques en formes sensibles, lumineuses et méditatives.

Quel est le message de cette fresque en hommage au 13-Novembre ?

Léa Belooussovitch (née en 1989) est une artiste belge connue pour ses dessins sur feutre de laine et ses œuvres inspirées d’images médiatiques, qu’elle transforme par le flou pour interroger mémoire, violence et humanité.

Actualités - Foire d'art - International

Luxembourg Art Week 2025 : une édition XXL qui propulse le Luxembourg au cœur de la scène internationale

Luxembourg Art Week 2025 s’annonce comme l’une des foires d’art les plus ambitieuses de l’année. Du 21 au 23 novembre, l’événement réunit 77 galeries, 15 pays représentés, et un public cosmopolite unique en Europe.
Avec 48 % d’habitants internationaux, le Luxembourg devient un laboratoire culturel où se croisent collectionneurs, institutions et scènes émergentes.

Montréal à l’honneur : le Focus le plus attendu de cette édition 2025

Grande nouveauté : la foire met à l’honneur Montréal, une scène artistique reconnue pour sa liberté, son énergie et sa capacité à réinventer les formes visuelles.

Les 4 galeries du Focus Montréal :

Chiguer art contemporain – paysages nordiques, glaces narratives, transformations climatiques.
Duran Contemporain – six peintres émergentes figuratives et abstraites : un panorama des nouvelles écritures picturales.
Art Mûr – Eddy Firmin, Holly King, Hédy Gobaa : voix hybrides, décoloniales et profondément actuelles.
Galeries Bellemare Lambert – solo show du québéco-belge Jérôme Bouchard sur les paysages industriels.

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Une sélection solide : 77 exposants, 22 nouveaux, et un niveau artistique très haut

Luxembourg Art Week confirme son attractivité avec une sélection exigeante :

Main Section – 50 galeries majeures

Ceysson & Bénétière, Galerie Lelong, Zidoun-Bossuyt, Nosbaum Reding, Galerie Zlotowski…
La foire confirme son rôle de hub européen.

Vue d’exposition à la Galerie Porte B : œuvres peintes aux motifs végétaux et sculptures découpées en bois, exposées dans un espace lumineux aux murs blancs et parquet clair — photo French Kate. — Galerie Porte B – Paris

Take Off – 18 artistes émergents

Une section qui attire chaque année critiques, collectionneurs et jeunes amateurs.
Le meilleur de la nouvelle création à prix accessibles.

Institutions culturelles – 5 structures invitées

Ensad Nancy, Konschthal Esch, EKA Kunsthalle Trier…
Un ancrage fort sur le territoire, avec un regard résolument international.

Art Talks, Art Walk, Artflo : une programmation pensée pour l’expérience visiteur

Luxembourg Art Week ne se limite plus à une foire : c’est un écosystème culturel complet.

Art Talks

Conférences autour de :

création numérique et IA,
écologie dans l’art contemporain,
collection aujourd’hui,
enjeux curatoriaux.

Des discussions pointues qui incarnent la dimension intellectuelle de la foire.

Vitrines Capsules de Luxembourg Art Week 2025, présentant l’installation nocturne aux motifs bleus et blancs d’Anna Bochkova, « Soft Futures », combinée à des sculptures noires exposées en façade — une intervention artistique en ville capturée de nuit. magazine art mag — © Sophie Margue

Art Walk : le Luxembourg transformé en parcours artistique

Un programme à ciel ouvert :

Parcours de sculptures du quartier de la Gare au boulevard Royal
Capsules : expositions dans des vitrines vides accessibles 24h/24
RDV dans les galeries et institutions partenaires

L’art se diffuse dans la ville et crée une expérience fluide entre foire et territoire.

Artflo : une foire connectée

Une application innovante permettant :

de repérer les stands via une carte intelligente,
d’enregistrer ses favoris,
d’échanger directement avec les galeries,
de prolonger l’expérience après la foire.

Portrait peint d’un jeune homme portant un large bonnet rouge et un manteau bleu, tenant une carte avec une oreille gravée, devant un paysage de montagnes et de glaciers — œuvre présentée par une galerie belge à Luxembourg Art Week. — Belgian Gallery – Red hat – Oil Painting – 30 x 30 cm – 2026

Collecting 101 : collectionner à moins de 4 000 €

Pour attirer une nouvelle génération d’acheteurs, la foire lance Collecting 101 :
un parcours d’œuvres à moins de 4 000 €, mises en avant par un sticker.

Objectif :
👉 rendre l’achat d’art plus simple, plus lisible, moins intimidant.

C’est l’une des initiatives les plus stratégiques de la foire — et l’une des plus attendues du public.

Pourquoi cette édition 2025 est un moment clé pour l’art en Europe

Luxembourg Art Week réussit un pari rare :
être à la fois européenne, locale, ambitieuse et accessible.

77 galeries
Une scène québécoise invitée
Une ville transformée par l’art
Une foire de plus en plus connectée
Des œuvres pour tous les niveaux de collection

Tout indique que l’édition 2025 sera l’une des plus suivies, autant par les collectionneurs que par les observateurs du marché.

Luxembourg Art Week 2025 — Infos pratiques

Dates : 21 → 23 novembre 2025
Lieu : Luxembourg-Ville
Artistes & galeries : 77 galeries, 15 pays
Événements : Art Talks, Art Walk, Artflo, Focus Montréal
Type de foire : Art contemporain – international
Billetterie : Réservez dès maintenant

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A lire aussi :

❓ FAQ – Luxembourg Art Week 2025

Qu’est-ce que Luxembourg Art Week ?

Luxembourg Art Week est la grande foire d’art contemporain du Luxembourg. Chaque année, elle réunit des galeries internationales, des institutions, des artistes émergents et un public composé de collectionneurs, professionnels et amateurs d’art. L’édition 2025 est la 11ᵉ édition.

Quand a lieu Luxembourg Art Week 2025 ?

La foire se déroule du 21 au 23 novembre 2025 sur le Champ du Glacis, au cœur de Luxembourg-Ville.

Combien de galeries participent en 2025 ?

Cette édition rassemble 77 galeries et institutions provenant de 15 pays, dont 22 nouveaux exposants.

Quel est le thème ou focus de Luxembourg Art Week 2025 ?

Le focus principal 2025 met en lumière la scène montréalaise, avec quatre galeries invitées : Chiguer art contemporain, Duran Contemporain, Art Mûr et Galeries Bellemare Lambert.

Qu’est-ce que Collecting 101 ?

Collecting 101 est un parcours d’œuvres à moins de 4 000 €, destiné aux personnes souhaitant débuter une collection d’art de manière simple et accompagnée.

Quelles activités sont proposées pendant la foire ?

Art Talks (conférences)
Art Walk (parcours artistique dans la ville)
Artflo, une application digitale pour explorer la foire
des expositions partenaires dans Luxembourg-Ville

Où se déroulent les expositions en ville ?

Les expositions du programme Art Walk sont disséminées dans le centre-ville : quartier de la Gare, boulevard Royal, vitrines Capsules et institutions partenaires.

Luxembourg Art Week est-elle accessible aux nouveaux collectionneurs ?

Oui. Grâce à Collecting 101, aux sections émergentes et aux œuvres à prix variés, la foire s’adresse aussi bien aux collectionneurs confirmés qu’à ceux qui souhaitent commencer.

Quelles sont les dates de Luxembourg Art Week 2025

La foire se tient du 21 au 23 novembre 2025 à Luxembourg-Ville, et réunit 77 galeries issues de 15 pays.

Pourquoi le Focus Montréal est-il l’un des temps forts de la foire ?

Parce qu’il présente la scène contemporaine montréalaise, réputée pour son énergie, son audace et son engagement, avec plusieurs galeries venues spécialement du Québec.

Peut-on acheter des œuvres via la plateforme Artflo ?

Oui. Artflo permet de découvrir les œuvres présentées à la foire et de finaliser l’achat en ligne, même après l’événement.

Faut-il être collectionneur pour visiter Luxembourg Art Week ?

Non. La foire est ouverte à tous : amateurs, curieux, étudiants, professionnels… C’est l’un des grands rendez-vous européens du public.

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Actualités - Photographie

Paris Photo 2025, Photo Days, Offprint… le mois où Paris devient capitale de l’image

Antoine Schneck

En novembre, Paris devient la capitale mondiale de la photographie. Entre Paris Photo, PhotoSaintGermain, Offprint ou Photo Days, la ville célèbre toutes les formes du regard, du livre photo au tirage monumental.

Paris Photo 2025 : la grande messe du médium

Du 13 au 16 novembre 2025, Paris Photo revient dans le cadre majestueux du Grand Palais.
Dirigée par Florence Bourgeois et Anna Planas, cette 28ᵉ édition réunit 222 galeries et éditeurs venus de 33 pays.
Les secteurs Principal, Digital, Émergence, Voices et Éditions offrent un panorama complet du médium photographique, entre héritage et innovation.

À travers la sélection des commissaires Devika Singh (Courtauld Institute) et Nadine Wietlisbach (Fotomuseum Winterthur), Paris Photo 2025 s’impose comme une véritable exposition à échelle mondiale — un espace où la photographie pense son avenir.

Portrait « Amelia » (2023) de Gilleam Trapenberg – tirage fine art représentant une jeune fille sur la plage sous une lumière tropicale douce, présenté à Paris Photo 2025. ART MAG. — **Gilleam Trapenberg, *Amelia*, 2023 – Homecoming Gallery** présenté à Photo Paris 2025
Sous le ciel des Caraïbes, un portrait empreint de douceur et de dignité. L’artiste explore les identités afro-caribéennes à travers la lumière et la pose.

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Les événements off : la photographie partout à Paris

Autour du Grand Palais, la création s’émancipe et se diversifie.

Offprint Paris : la scène éditoriale indépendante

Installé à Césure, dans le 5ᵉ arrondissement, Offprint rassemble plus de 150 éditeurs indépendants dans les domaines des arts, du design et de la culture visuelle.
Chaque table devient une rencontre : le livre photo n’est plus un support, mais une œuvre à part entière.

Salon a ppr oc he : l’expérimentation intime

Au Molière, rue de Richelieu, le salon a ppr oc he consacre sa 9ᵉ édition à la photographie comme geste sensoriel et matériel. Une sélection resserrée d’artistes y redonne au tirage sa dimension tactile, presque charnelle.

Tapisserie rose représentant un corps allongé sur un lit, fils rouges tombant au sol – œuvre « A Flash of Heat » (2024) de l’artiste Mia Weiner, présentée à Paris Photo 2025, Homecoming Gallery – magazine ART MAG. — Mia Weiner, **A Flash of Heat** (2024). Tapisserie de fils rouges évoquant la mémoire du corps et la sensualité du geste. Présentée à **Paris Photo 2025**, Homecoming Gallery. © Courtesy of the artist & Homecoming Gallery.

PhotoSaintGermain et Photo Days : Paris, musée à ciel ouvert

De la mairie du 7ᵉ au Centre culturel irlandais, des galeries du Boulevard Saint-Germain aux librairies d’art, PhotoSaintGermain tisse un parcours libre et poétique.
L’événement invite à la déambulation : Anne-Lise Broyer, Florence Henri ou Daragh Soden y déploient des récits où la lumière devient langage.

Plus vaste encore, le festival Photo Days rayonne dans toute l’Île-de-France :

galeries (Clémentine de la Féronnière, Thaddaeus Ropac, Fisheye)
musées (Carnavalet, MAC VAL)
lieux atypiques (Chapelle de Clairefontaine, Studio Frank Horvat)

Chaque exposition devient une fenêtre ouverte sur le monde.

A lire aussi :

Scène de rue issue de la série « Rua Direita » (1970) de Claudia Andujar – photographie en contre-plongée capturant la vie urbaine et la présence humaine, exposée à Paris Photo 2025. ART MAG. — **laudia Andujar, *Rua Direita*, 1970 – Galeria Vermelho** présenté à Paris Photo 2025
Sous un angle audacieux, la photographe brésilienne capte la foule urbaine et l’humanité des passants. Une scène historique où la rue devient théâtre social.

La photographie comme art du lien

Ces rendez-vous ne sont pas de simples expositions : ils forment un écosystème.
Entre institutions et indépendants, entre livres et images, Paris fait dialoguer les pratiques, les formats et les regards.
Ce mois de novembre 2025 consacre la photographie comme un art collectif et vivant, miroir de nos mémoires et de nos mutations.

Informations pratiques

Paris Photo : du 13 au 16 novembre 2025 – Grand Palais
Offprint Paris : du 13 au 16 novembre – Césure, 5ᵉ
Salon a ppr oc he : du 13 au 16 novembre – Le Molière, 1ᵉʳ
PhotoSaintGermain : du 6 au 30 novembre – Saint-Germain-des-Prés
Photo Days : du 3 au 30 novembre – toute l’Île-de-France

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FAQ Paris Photo 2025

Qu’est-ce que Paris Photo ?

Paris Photo est la plus grande foire internationale dédiée à la photographie. Elle réunit chaque année galeries, artistes et éditeurs venus du monde entier.

Quand et où a lieu Paris Photo 2025 ?

Du 13 au 16 novembre 2025, au Grand Palais de Paris.

Quels sont les autres événements photo à voir à Paris ?

Offprint Paris, PhotoSaintGermain, Polycopies, Photo Days et le salon a ppr oc he rythment tout le mois de novembre.

Quel est le prix d’entrée pour Paris Photo ?

Le billet d’entrée se situe entre 35 et 40 €, mais plusieurs événements parallèles sont gratuits.

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Actualités - Foire d'art - Photographie

Paris Photo 2025 : la photographie au prisme du monde contemporain

Vue d’ensemble de Paris Photo 2025 au Grand Palais – foire internationale de la photographie contemporaine article dans art mag

Grégoire Grange

Un retour triomphal au Grand Palais

Du 13 au 16 novembre 2025, Paris Photo signe sa 28ᵉ édition avec 222 exposants venus de 33 pays. Sous la direction de Florence Bourgeois et Anna Planas, la foire s’impose comme le rendez-vous mondial de la photographie et de l’image. Entre histoire et avant-garde, elle offre un panorama où dialoguent mémoire, regard et innovation.

Photographie Pont Allenby 2 (2016) de Sophie Ristelhueber – paysage frontalier chargé d’histoire, réflexion sur la guerre et la trace humaine, présentée par la Galerie Poggiali. — *Pont Allenby #2* (2016), Sophie Ristelhueber – Galerie Poggi – Lauréate du Prix Hasselblad 2025

Un parcours en cinq mouvements

La foire s’articule autour de cinq secteurs : Principal, Voices, Digital, Émergence et Éditions.
Dans le secteur Principal, les grands noms dialoguent avec les explorateurs du médium : Sophie Ristelhueber déploie une installation monumentale sur 36 mètres, tandis que Adrian Sauer interroge la matérialité de l’image.
Les commissaires Devika Singh et Nadine Wietlisbach insufflent à Voices une réflexion sur le paysage et les liens de parenté, deux thèmes qui tissent la photographie au réel.

Home Song (2020–25) de Torbjørn Rødland – scène intimiste et troublante mêlant douceur et tension, présentée par la Galerie Eva Presenhuber à Paris Photo 2025.magazine art mag — *Home Song* (2020–25), Torbjørn Rødland – Galerie Eva Presenhuber, Zurich – Secteur Digital

Quand l’image devient donnée

Le secteur Digital, imaginé par Nina Roehrs, questionne l’ère de la réalité augmentée : Kevin Abosch ou Cole Sternberg (pour le projet Giga – UNICEF) explorent la connectivité et la mémoire numérique.
Ici, la photographie s’étend : elle devient data, trace et conscience.

Photographie en noir et blanc de Bérangère Fromont issue de la série République (2024), exposée à Paris Photo 2025 – exploration sensible de l’intime et du politique. Magazine Art Mag — *République* (2024), Bérangère Fromont – Galerie Bacqueville – Secteur Voices, commissariat Devika Singh

Émergences et transmissions

Sur les balcons du Grand Palais, le secteur Émergence révèle vingt artistes de la nouvelle génération : Marine Lanier, Atong Atem, Camila Falquez ou Sylvie Bonnot.
La Française Marine Lanier reçoit le Prix de la Maison Ruinart 2025 pour sa série Alchimia, un conte poétique sur le vivant et les cycles du monde.
Cette même exigence de transmission s’exprime dans Le Labo, maquette grandeur nature d’un laboratoire argentique, et dans l’exposition du Cnap, Faire Familles / Making Families, dédiée aux métamorphoses du lien

Elles × Paris Photo : la puissance du regard féminin

Dirigé cette année par Devrim Bayar, le parcours Elles × Paris Photo interroge la relation entre figure et décor, présence et effacement.
Grâce à ce programme lancé en 2018, la part des femmes photographes est passée de 20 % à 39 % en sept ans : un progrès tangible et salutaire dans un monde visuel longtemps dominé par le regard masculin.

Œuvre Untitled (Acrobacia) de Rosângela Rennó, 2012 – photographie en noir et blanc évoquant la mémoire et la fragilité du corps, exposée à Paris Photo 2025. Magazine Art Mag — *Untitled (acrobacia)* (2012), Rosângela Rennó – Collection Estrellita B. Brodsky – Exposition *The Last Photo*

La mémoire à l’épreuve : The Last Photo

Présentée pour la première fois en Europe, la collection d’Estrellita B. Brodsky, The Last Photo, rassemble plus de soixante œuvres latino-américaines, de Diane Arbus à Vik Muniz.
Cette exposition-manifeste scelle symboliquement la fin de l’ère analogique et ouvre une réflexion sur l’instabilité contemporaine de l’image, devenue fluide, répliquée, partagée, parfois effacée.

Une photographie-monde

Plus qu’une foire, Paris Photo 2025 est un laboratoire du regard.
Sous la verrière du Grand Palais, l’image cesse d’être simple trace : elle devient langage critique et universel, miroir mouvant d’un monde en quête de sens.
Entre visible et invisible, tangible et virtuel, la photographie retrouve ici sa vocation : éclairer, relier, penser.

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FAQ Paris photo 2025 (dates, artistes, infos pratiques)

Qu’est-ce que Paris Photo ?

Paris Photo est la plus grande foire internationale dédiée à la photographie et à l’image contemporaine. Elle réunit chaque année au Grand Palais des galeries, éditeurs et artistes du monde entier. En 2025, l’événement célèbre sa 28ᵉ édition avec 222 exposants issus de 33 pays.

Quand et où se déroule Paris Photo 2025 ?

L’édition 2025 se tient du 13 au 16 novembre 2025 au Grand Palais, à Paris. C’est un retour très attendu après plusieurs années de travaux, dans un espace magnifié où se mêlent galeries historiques et scènes émergentes.

Quels artistes et projets sont à découvrir cette année ?

Parmi les temps forts :
Sophie Ristelhueber, lauréate du prix Hasselblad, avec une installation monumentale ;
Marine Lanier, Prix Ruinart 2025, pour sa série poétique Alchimia ;
L’exposition The Last Photo, issue de la collection d’Estrellita B. Brodsky ;
Les programmes Voices et Elles × Paris Photo, qui célèbrent la diversité et la place des femmes dans la création contemporaine.

Pourquoi visiter Paris Photo 2025 ?

Parce que cette édition met en lumière la photographie dans toutes ses dimensions : analogique, numérique, expérimentale, sociale et politique. Sous la verrière du Grand Palais, Paris Photo 2025 est plus qu’une foire : un laboratoire d’idées, un lieu de transmission et de regard critique sur notre monde.

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Actualités - Lieu d'art

Studio Marie-Claude Beaud, nouvel auditorium de référence de l’art contemporain à Paris

Intérieur du Studio Marie-Claude Beaud au Palais-Royal, auditorium de 110 places du nouveau bâtiment de la Fondation Cartier conçu par Jean Nouvel, baigné d’une lumière rouge immersive et dédié aux arts vivants, projections et rencontres.

La Fondation Cartier pour l’art contemporain, 2 place du Palais-Royal, Paris. © Jean Nouvel / ADAGP, Paris, 2025.

Martin Argyroglo

Le Studio Marie-Claude Beaud est situé dans le nouveau bâtiment de la Fondation Cartier pour l’art contemporain. Il a été inauguré en octobre 2025 au Palais-Royal. L’architecture est signée par Jean Nouvel.

Cet auditorium compte 110 places. Il offre un espace intime.
Il a été conçu pour la création vivante. On peut y voir des performances.
On peut assister à des projections et des débats.

Un hommage à une vision pionnière du musée

Le studio rend hommage à Marie-Claude Beaud.
Elle a transformé les musées.
Elle a encouragé le croisement des disciplines.
Design, vidéo, mode, cinéma et sciences ont intégré les musées grâce à elle.

Elle défendait une idée forte.
Un musée doit créer le dialogue.
Il ne doit pas seulement exposer les œuvres.

Une prouesse architecturale au service du public

Le bâtiment de la Fondation offre 8 500 m² accessibles au public.
6 500 m² sont dédiés aux expositions.
Cinq plateformes en acier peuvent se déplacer.
Elles permettent de changer les volumes et la scénographie.

L’architecture est impressionnante.
Le studio apporte un équilibre.
Il crée de la proximité.
C’est un lieu d’écoute et d’échange.

Un centre névralgique pour l’art contemporain vivant

Le studio sera au centre de la programmation vivante de la Fondation. Il accueillera :

des dialogues entre artistes et commissaires d’exposition,
des projections inédites et séances cinéma exclusives,
des conférences et débats autour de l’exposition inaugurale Exposition Générale,
des soirées hybrides mêlant arts plastiques, musique et performance.

Ce lieu répond à une forte demande.
Le public cherche des expériences incarnées.
Il cherche des formats participatifs et vivants.

Découvrez notre article complet : la nouvelle Fondation Cartier au Palais-Royal, une prouesse signée Jean Nouvel mêlant patrimoine et architecture vivante.

Gradins du Studio Marie-Claude Beaud, auditorium de 110 places du nouveau bâtiment de la Fondation Cartier au Palais-Royal à Paris, conçu par Jean Nouvel et baigné d’une lumière rouge immersive. — La Fondation Cartier pour l’art contemporain, 2 place du Palais-Royal, Paris. © Jean Nouvel / ADAGP, Paris, 2025. Photo © Martin Argyroglo

Le Studio Marie-Claude Beaud s’impose déjà comme un lieu culturel majeur dans le 1er arrondissement de Paris. Pensé comme un espace où la parole compte autant que l’œuvre, il met en lumière les performances, les rencontres et les échanges créatifs. Intégré au nouveau bâtiment de la Fondation Cartier pour l’art contemporain, conçu par Jean Nouvel au Palais-Royal, il prolonge l’idée du musée comme lieu vivant et ouvert. Une nouvelle étape se dessine ainsi pour l’art contemporain à Paris, plus proche, plus incarnée et résolument tournée vers le dialogue public.

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Quelle est la capacité de l’auditorium ?

Le studio dispose de 110 places assises, idéal pour les formats où la parole et la performance sont centrales.

Quels types d’événements y sont programmés ?

Performances artistiques, projections cinéma, lectures, débats, rencontres avec des artistes et dialogues curatoriaux feront partie des temps forts.

Où se situe le studio ?

Il est intégré au nouveau bâtiment de la Fondation Cartier, au sein du Palais-Royal, dans le 1er arrondissement de Paris.

Actualités - Architecture

Fondation Cartier Palais-Royal : le chef-d’œuvre de Jean Nouvel

Facade de la Fondation Cartier au Palais royal Architecte Jean Nouvel

Martin Argyroglo

L’ossature du futur

À première vue, la façade du 2, place du Palais-Royal reste fidèle à sa gravité haussmannienne. Mais derrière cette peau de pierre blonde, Jean Nouvel a reconstruit un monde. Les nouvelles images dévoilent ce que le visiteur ne verra peut-être jamais : le squelette colossal d’une architecture en mouvement.
Entre piliers, poutres et vérins, la Fondation Cartier se lit d’abord comme une structure à nu, une matrice mécanique prête à se transformer.

Vue intérieure du chantier de la Fondation Cartier au Palais-Royal, montrant la charpente d’acier monumentale conçue par Jean Nouvel, symbole d’une architecture en mouvement au cœur de Paris. magazine art mag — Vue du chantier des futurs espaces de la Fondation Cartier pour l’art contemporain, place du Palais-Royal, Paris. Vue sur la profondeur du bâtiment depuis la plateforme 4 en construction. Février 2024. Photo © Martin Argyroglo

Une cathédrale industrielle sous la pierre

À l’intérieur, tout respire la tension entre la rigueur de l’ingénierie et la sensualité de la matière.
Les arcs de pierre du XIXᵉ siècle encadrent des plateformes d’acier suspendues, dont la précision géométrique fait écho à l’architecture d’un théâtre ou d’un navire.
Chaque poutre, chaque câble, chaque vis semble avoir sa place dans un ballet silencieux.
Les photographies de chantier témoignent de cette alchimie entre passé et modernité : la masse de la pierre rencontre la souplesse du métal, le patrimoine s’ouvre à la mécanique.

Structure métallique et niveaux suspendus du nouveau bâtiment de la Fondation Cartier, entre transparence, lumière naturelle et prouesse technique signée Jean Nouvel. Magazine Art Mag — Vue du chantier des futurs espaces de la Fondation Cartier pour l’art contemporain, place du Palais-Royal, Paris. Vue sur la profondeur du bâtiment depuis la plateforme 5 en construction positionnée au 1er étage. Décembre 2023. Photo © Martin Argyroglo

**Retrouvez dans ART MAG** : ***Exposition Générale, la grande ouverture de la Fondation Cartier.***

Le vide comme horizon

Jean Nouvel n’a pas reconstruit un musée : il a creusé un espace.
L’essentiel du projet repose sur le vide – un vide actif, traversé de lumière et de potentialités.
Les immenses plateaux, actionnés par un système de câbles et de poulies, peuvent se mouvoir à onze hauteurs différentes, dessinant à chaque fois un nouveau paysage intérieur.
Depuis les cours jusqu’aux verrières, la lumière glisse sur les surfaces d’acier et les piliers bruts : le bâtiment devient instrument optique, révélant le ciel à travers la matière.

Vue du plafond verrier et des passerelles modulables de la Fondation Cartier au Palais-Royal, où Jean Nouvel orchestre un jeu de lumière et d’espace Magazine Art Mag — La Fondation Cartier pour l’art contemporain, 2 place du Palais-Royal, Paris.
© Jean Nouvel / ADAGP, Paris, 2025. Photo © Martin Argyroglo

L’atelier du XXIᵉ siècle

Sur les images finales, la rigueur industrielle s’efface peu à peu pour laisser place à la clarté du lieu achevé : verrières zénithales, arcs dorés, verticalité retrouvée.
Le chantier, d’abord labyrinthique, se transforme en une nef claire où chaque niveau respire.
Nouvel signe ici un manifeste : un musée qui n’impose pas sa forme, mais s’adapte à celle de l’art.
Un lieu conçu pour évoluer avec les artistes, les expositions, la ville elle-même.

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Détail technique des câbles et poulies du système de plateformes mobiles imaginé par Jean Nouvel pour la Fondation Cartier, inspiré des machineries de théâtre. — La Fondation Cartier pour l’art contemporain, 2 place du Palais-Royal, Paris.
© Jean Nouvel / ADAGP, Paris, 2025. Photo © Martin Argyroglo

Une mécanique du sensible

Sous ses airs de machine, la nouvelle Fondation Cartier est tout sauf froide. L’acier poli, les jeux d’ombre, les transparences et reflets traduisent un humanisme technologique : la technique au service de la perception.
L’architecture, ici, ne s’admire pas seulement ; elle s’éprouve.
À travers cette métamorphose, Jean Nouvel redonne à Paris un bâtiment qui ne se contente pas de contenir l’art : il le met en tension, en suspension, dans un dialogue permanent entre histoire, lumière et mouvement.

Façade restaurée de la Fondation Cartier Palais-Royal illuminée à la tombée du jour, révélant la transparence du projet architectural de Jean Nouvel. — La Fondation Cartier pour l’art contemporain, 2 place du Palais-Royal, Paris.
© Jean Nouvel / ADAGP, Paris, 2025. Photo © Martin Argyroglo

À noter : le nouveau bâtiment abrite aussi le Studio Marie-Claude Beaud, un auditorium de 110 places dédié aux rencontres, projections et performances. Il prolonge la vocation de la Fondation à faire dialoguer artistes, commissaires et publics.
👉 À lire : notre focus sur le Studio Marie-Claude Beaud.

Fondation Cartier pour l’art contemporain

📍 2, place du Palais-Royal, Paris 1ᵉʳ
🗓️ Ouverture : octobre 2025
🎨 Exposition inaugurale : Exposition Générale

À lire dans ART MAG : Exposition Générale, la grande ouverture de la Fondation Cartier.

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❓ FAQ – Fondation Cartier Palais-Royal et architecture de Jean Nouvel

🔸 Quand ouvre la nouvelle Fondation Cartier au Palais-Royal ?

La nouvelle Fondation Cartier pour l’art contemporain ouvrira ses portes en octobre 2025 au 2, place du Palais-Royal, Paris 1ᵉʳ, face au musée du Louvre.
L’exposition inaugurale, intitulée « Exposition Générale », présentera une sélection d’œuvres majeures issues de quarante ans de création contemporaine

🔸 Qui a conçu le nouveau bâtiment de la Fondation Cartier ?

Le projet architectural est signé par Jean Nouvel, l’un des architectes français les plus reconnus au monde, déjà auteur du bâtiment historique de la Fondation Cartier boulevard Raspail (1994) et du Louvre Abu Dhabi.
Il a transformé l’ancien Louvre des Antiquaires en une architecture vivante, modulable et baignée de lumière.

🔸 Quelles sont les particularités architecturales du nouveau lieu ?

Le bâtiment est unique par sa structure à cinq plateformes mobiles : d’immenses plateaux d’acier qui montent ou descendent selon les expositions, offrant des espaces à géométrie variable.
Cette architecture dynamique permet d’adapter la scénographie à chaque projet artistique, du spectacle vivant aux installations monumentales.

🔸 Pourquoi la Fondation Cartier a-t-elle quitté le boulevard Raspail ?

Après plus de trente ans boulevard Raspail, la Fondation Cartier souhaitait un lieu plus vaste et plus flexible pour accueillir de nouveaux formats d’expositions et renforcer son ancrage au cœur de Paris.
Le Palais-Royal, symbole du dialogue entre patrimoine et création, incarne parfaitement cette évolution.

🔸 Quelle est la surface du nouveau bâtiment ?

La Fondation Cartier Palais-Royal offre 8 500 m² accessibles au public, dont 6 500 m² dédiés aux expositions.
Les espaces d’accueil comprennent également une librairie, un auditorium, un restaurant et La Manufacture, un atelier pédagogique de 300 m² consacré à la transmission et aux savoir-faire artistiques.

🔸 Comment se distingue cette architecture dans le paysage parisien ?

Jean Nouvel signe ici une cathédrale industrielle contemporaine nichée derrière une façade haussmannienne du XIXᵉ siècle.
L’intérieur est traversé par la lumière naturelle, visible depuis la rue de Rivoli.
C’est un manifeste d’architecture vivante qui relie le patrimoine historique et l’innovation technologique.

🔸 Pourquoi ce projet est-il considéré comme un tournant pour Jean Nouvel ?

Parce qu’il résume toute sa philosophie : « On ne construit pas un espace, on construit dans l’espace. »
Cette Fondation prolonge sa réflexion sur les musées du futur – amorcée avec l’Institut du monde arabe, le musée du quai Branly et le Louvre Abu Dhabi – où l’architecture devient un instrument d’émotion et de liberté.

🔸 Quelles expositions sont prévues après l’ouverture ?

Après Exposition Générale, la Fondation Cartier prévoit plusieurs expositions thématiques, des performances, projections et débats.
La programmation associera art, science, architecture, design et arts vivants, dans la continuité de sa vocation pluridisciplinaire.

🔸 Où suivre les actualités de la Fondation Cartier ?

Sur le site officiel fondationcartier.com ou sur les réseaux sociaux de l’institution.
L’actualité des expositions, vernissage

Artistes à la une - Femmes artistes - Peinture

Flo Muliardo, « Les Enfants Rois » : quand l’art redonne une dignité à l’enfance

Portrait en noir et blanc de l’artiste contemporaine Flo Muliardo, regard tourné vers la lumière. Photographie illustrant son engagement auprès des enfants et la série Les Enfants Rois, présentée dans ART MAG.

Gilles Piel

Des portraits d’enfants puissants, pas décoratifs

Couronnes, couleurs franches, traits noirs : dans sa série « Les Enfants Rois », l’artiste Flo Muliardo place l’enfant au centre. Ses tableaux ne cherchent pas la mignonnerie mais la dignité. Regards directs, cadrage serré, fonds colorés : tout est fait pour créer une rencontre.

👉 Dans ART MAG, elle raconte pourquoi elle a choisi ce format frontal et comment le dessin est resté sous la peinture.

Flo Muliardo entourée d’enfants au Népal lors d’une rencontre avec l’association Les Enfants de Manasté. Photographie illustrant son engagement humanitaire et artistique pour la série Les Enfants Rois, présentée dans ART MAG — Flo Muliardo entouré des enfants de l’orphelinat Namasté au Népal

Un voyage au Népal qui nourrit l’œuvre

En novembre, Flo Muliardo repart au Népal auprès de l’association Les Enfants de Namasté, qu’elle soutient depuis plusieurs années. Ce séjour d’un mois va lui permettre de peindre « au réel », au contact des enfants.

👉 Dans le magazine, elle explique le lien entre ce terrain de vie et sa série picturale.

L’artiste Flo Muliardo pose à côté de l’une de ses toiles de la série Les Enfants Rois, représentant un jeune enfant aux grands yeux bleus, entouré de couleurs vives et contrastées — rouge, jaune, rose et bleu — surmonté d’une couronne dorée et des mots LOVE et QUEEN. La scène illustre l’univers expressif et coloré de l’artiste, célébrant la dignité et la force de l’enfance. Art Mag — Flo Muliardo – 2025 © Gilles Piel

Couronne, tatou, couleurs : un langage

On retrouve souvent la couronne (clin d’œil à Basquiat), des tatouages et une palette vive (rose, orange, bleu). Ce ne sont pas des effets graphiques : ce sont des signes identitaires.

👉 Leur origine, leur sens intime et leur lien avec son histoire personnelle sont détaillés dans l’article complet d’ART MAG.

Une histoire plus intime affleure

Derrière ces portraits d’enfants affirmés, il y a aussi une part beaucoup plus personnelle, que l’artiste évoque avec pudeur. Elle ne l’expose pas sur les réseaux — nous non plus.
C’est ce qui donne à la série sa justesse : peindre l’enfance en pensant à la protéger.

👉 Cette dimension sensible est développée uniquement dans la version publiée dans ART MAG.

Pourquoi on en parle dans ART MAG

Parce que cette série arrive au moment même de son départ au Népal, parce qu’elle lie création et engagement, et parce qu’elle interroge la manière dont on représente les enfants aujourd’hui.
C’est une série claire, nécessaire et contemporaine.

📩 Retrouve l’article complet, l’entretien et les visuels dans le numéro 29 d’ART MAG.

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Le Marché de l'art

Dans les coulisses du marché de l’art : comprendre la cotation des artistes

Visiteurs observant une grande peinture dans un musée – illustration du dossier sur la cotation des artistes et la valeur des œuvres dans le marché de l’art.

Comprendre la cotation : entre fascination et illusion

Dans un marché de l’art en perpétuel mouvement, la question de la cotation suscite autant de fascination que de débats.
Comment se construit réellement la valeur d’un artiste ?
Derrière les chiffres se cachent des ventes, des expositions, mais aussi une part d’influence, de stratégie et de reconnaissance qui échappe à toute formule mathématique.

La cotation, un miroir trompeur du marché

Dans les coulisses du marché de l’art, le mot revient comme une incantation : cotation.
Elle rassure les collectionneurs, légitime les galeries, valorise les artistes. Mais ce chiffre, en apparence objectif, dissimule une réalité bien plus complexe.
Car la valeur d’une œuvre ne se résume pas à un prix : elle reflète un écosystème d’enchères, de réputation et de spéculation.

L’illusion du chiffre

Une cotation donne l’impression d’une mesure scientifique.
Pourtant, elle n’est rien d’autre que la photographie d’un marché à un instant donné.
Les ventes aux enchères — transparentes mais ponctuelles — fixent des repères visibles.
Mais qu’en est-il des ventes privées en galerie, souvent confidentielles ? Les prix varient, se négocient, se redéfinissent sans cesse.
👉 La cotation devient alors une moyenne mouvante, plus indicative que réelle.Un miroir social avant tout

Plus qu’un outil financier, la cotation traduit la reconnaissance institutionnelle et médiatique d’un artiste.
Celui qui expose dans une grande foire internationale, entre dans une collection publique ou reçoit une critique élogieuse voit sa cote grimper.
À l’inverse, un artiste discret mais talentueux peut rester sous-évalué, jusqu’à ce qu’un regard, une exposition ou un collectionneur change tout.

L’influence des plateformes : entre transparence et confusion

Artprice, Artnet, Akoun, Artmajeur…
Ces plateformes dominent aujourd’hui le discours sur la valeur artistique.
Mais leurs méthodes d’évaluation diffèrent : certaines se basent uniquement sur les enchères publiques, d’autres sur des algorithmes et données déclaratives.
Résultat ? Une diversité de cotes, parfois contradictoires, qui entretient à la fois transparence et confusion.

Sculpture d’un nu féminin en terre cuite, posture assise, textures rugueuses et expressives sur fond bleu. Article Art mag — Valem – nue femme au collier – Période 2002 – 2014 ©Pierre Yves Payet

Au-delà de la cote : la valeur émotionnelle

L’art a ceci de singulier qu’il dépasse toujours sa valeur marchande.
Une œuvre touche, émeut, bouleverse, indépendamment de son prix.
La cotation, utile comme repère, ne reflète jamais la puissance intime d’une création.
Elle parle le langage du marché, mais pas celui du cœur.

🗝️ En résumé : la cotation n’est qu’un indicateur

La cotation n’est ni une garantie, ni une vérité absolue.
C’est un outil, construit par le marché, influencé par la reconnaissance, façonné par les regards extérieurs.
Si elle guide les collectionneurs, elle ne doit jamais faire oublier l’essentiel :

une œuvre vaut d’abord par ce qu’elle provoque, avant de valoir par ce qu’elle coûte.

Dossier complet à découvrir dans ART MAG

Plongez dans notre dossier exclusif « Cotation : valeur d’art ou art de la valeur ? », en pages centrales du nouveau ART MAG n°29.
Découvrez les acteurs invisibles du marché, les mécanismes des enchères, et les nouvelles plateformes d’évaluation qui redessinent le rapport entre art et valeur. On vous donne toutes les clés pour comprendre la cotation d’un artiste.

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❓ FAQ – Comprendre la cotation des artistes

Qu’est-ce que la cotation d’un artiste ?

La cotation d’un artiste représente une estimation de la valeur marchande de ses œuvres sur le marché de l’art. Elle s’appuie sur les ventes aux enchères, les expositions, la reconnaissance institutionnelle et parfois les ventes privées en galeries.

Comment se calcule la cote d’un artiste ?

Il n’existe pas de formule universelle. La cote est déterminée par un ensemble de facteurs économiques et symboliques : prix des ventes récentes, régularité des expositions, notoriété, critiques et demandes des collectionneurs.
Chaque plateforme (Artprice, Artnet, Akoun…) applique ses propres méthodes de calcul.

Pourquoi deux plateformes affichent-elles des cotes différentes ?

Les plateformes utilisent des bases de données et algorithmes distincts.
Certaines s’appuient uniquement sur les ventes publiques tandis que d’autres incluent les estimations ou ventes privées déclarées.
C’est pourquoi il est conseillé de croiser les sources avant d’évaluer une œuvre.

La cotation reflète-t-elle toujours la valeur réelle d’une œuvre ?

Non. La cotation indique la valeur marchande, mais pas la valeur émotionnelle, historique ou symbolique.
Une œuvre peut être sous-cotée malgré sa puissance artistique, ou au contraire, surévaluée selon les tendances du marché.

Où trouver le dossier complet sur la cotation ?

Le dossier complet “Cotation : valeur d’art ou art de la valeur ?” est à retrouver dans le nouveau numéro du magazine ART MAG n°29, disponible en version papier et numérique sur 👉 magazine-art-mag.com

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