Portrait de Kali (Nathalie Jarsaillon), une artiste autodidacte entre nature, résilience et engagement
Une artiste autodidacte qui a trouvé refuge dans la peinture
Kali, de son vrai nom Nathalie Jarsaillon, s’est imposée dans le paysage de la peinture contemporaine par une démarche sincère et instinctive. Autodidacte, elle a trouvé dans la peinture un refuge, un exutoire, un langage capable de dire ce que les mots taisent. Sans passage par une école d’art, elle a bâti seule une œuvre à part, longtemps tenue à l’abri des regards. Peindre est devenu pour elle une respiration, un chemin de reconstruction et de partage.
La fuite – 2019 – 80 cm
Le cercle comme signature artistique
La singularité de son travail se révèle dans le choix du cercle comme format. Symbole universel des cycles de la vie et du mouvement perpétuel, il est devenu sa marque de fabrique. Contrairement au carré, rigide et normatif, le cercle ouvre un espace fluide, méditatif, presque sacré. Chaque toile circulaire de Kali devient ainsi un univers à part entière, invitant à la contemplation et à l’introspection.
La valse du temps – 2023 80 cms
Entre nature et engagement
Les œuvres de Kali révèlent une profonde connexion avec la nature. Plus qu’un motif, c’est une présence essentielle, presque spirituelle, qui traverse ses toiles. Ses peintures traduisent à la fois gratitude et alerte : hommage à la beauté du monde, mais aussi conscience de sa fragilité.
✨ À découvrir dans ART MAG (version papier & numérique)
Les séries les plus intimes de Kali, nourries de son vécu et de ses combats.
Des œuvres rarement montrées, entre douleur, transmission et résilience.
Sa vision de l’art comme acte de liberté, loin des logiques marchandes.
Une foire incontournable dédiée à l’art du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord
Du 25 au 27 octobre 2025, la Menart Fair revient pour sa 6ᵉ édition à la Galerie Joseph-Turenne (Paris 3ᵉ). Unique en Europe, cette foire d’art moderne et contemporain est consacrée exclusivement aux artistes du MENA (Middle East & North Africa). Elle s’inscrit désormais dans l’agenda de la Semaine de l’art à Paris, attirant collectionneurs, institutions et passionnés d’art du monde entier.
Avec une sélection exigeante d’une trentaine de galeries venues d’une dizaine de pays, Menart Fair propose un véritable instantané de la création contemporaine MENA, sur 1200 m² d’exposition.
Le thème 2025 : l’apologie de la douceur
Après une édition 2024 consacrée aux femmes artistes, la foire choisit en 2025 un fil rouge aussi poétique que politique : la douceur. Dans un monde traversé par la violence, la douceur devient langage de résistance, force intime et pouvoir de résonance. Elle s’exprime à travers la peinture, la photographie, la sculpture et la performance.
Des artistes et galeries à découvrir
Leily Derakhshani – Echoes on the Unseen (Azad Gallery, Iran)
Leily Derakhshani, Echoes on the Unseen, 2025, huile sur toile, 180×90 cm
Cette grande peinture abstraite déploie des nuances fluides et méditatives. La douceur y apparaît comme souffle invisible, entre présence et effacement.
Myriam Schahabian – The Beggar and the Prince (Yvonne Hohner Contemporary, Allemagne)
Myriam Schahabian, The Beggar and the Prince, 2024, grès émaillé, 20×38 cm
Sculpture en grès émaillé, l’œuvre explore la vulnérabilité humaine. La douceur s’incarne dans cette fragilité assumée, révélant une puissance silencieuse.
Kevork Mourad – The Woven Columns (Galerie Tanit, Liban/Allemagne)
Kevork Mourad, The Woven Columns, 2021, acrylique sur tissu de coton & plexi , 48x80x9 cm, photo d’installation, courtesy Galerie Tanit, Munich, 2022, Crédit photo : Sami Jo Naim
Entre peinture et performance, Mourad crée un univers visuel fluide, rythmé comme une partition musicale. La douceur est ici mouvement, geste et respiration.
Najat Makki – Sans titre (Forat Gallery, Bahreïn)
Najat Makki, Sans titre, 2025, technique mixte sur toile, 30×30 cm
Ses petits formats aux couleurs pastel et aux textures légères traduisent une sensibilité féminine et engagée. La douceur devient ici un outil de résistance.
Johanne Allard, Circling Drones (Iraq), 2025, broderie à la main sur papier coton 320 g, 43×31 cm, édition 3/3
Ses broderies sur papier, évoquant la guerre, transforment la douleur en geste réparateur. La douceur surgit dans le temps long de l’aiguille, qui recoud les cicatrices de l’Histoire.
Younès Ben Slimane – We knew how beautiful they were, these islands (Project Room, Tunisie)
Vidéo contemplative, où la lumière et le temps deviennent matières premières. La douceur s’impose comme une expérience sensorielle et spirituelle.
Le Revealing Sector et la Project Room
La Menart Fair se distingue par sa volonté de mettre en lumière les talents émergents :
Le Revealing Sector révèle des artistes comme Johanne Allard, dont les broderies sculpturales témoignent des cicatrices laissées par la guerre.
La Project Room, en partenariat avec Menart Friends, se consacre à la photographie contemporaine tunisienne à travers l’exposition Le temps creuse même le marbre.
Une foire à taille humaine, un rayonnement international
Loin des foires géantes, la Menart Fair offre une expérience conviviale et immersive où chaque rencontre compte. Plus qu’un marché, elle est un espace de dialogue culturel entre artistes, collectionneurs et institutions, renforçant les échanges entre l’Europe, le Moyen-Orient et l’Afrique du Nord.
📍 Informations pratiques
Dates : 25 – 27 octobre 2025
Lieu : Galerie Joseph-Turenne, 116 rue de Turenne, 75003 Paris
Q : Qu’est-ce que la Menart Fair ? La Menart Fair est une foire d’art contemporain dédiée exclusivement aux artistes du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord.
Q : Quand a lieu Menart Fair 2025 ? Du 25 au 27 octobre 2025 à Paris.
Q : Quel est le thème 2025 ? Le thème est “L’apologie de la douceur”, fil rouge des expositions.
Q : Quels artistes sont à découvrir ? Leily Derakhshani, Myriam Schahabian, Kevork Mourad, Najat Makki, Johanne Allard et Younès Ben Slimane figurent parmi les temps forts.
Q : Pourquoi visiter la Menart Fair ? Parce qu’elle offre un panorama unique de la création contemporaine MENA, dans une ambiance conviviale et accessible.
Du 26 septembre au 3 octobre 2025, la ville de Valence devient le cœur battant de la création contemporaine. Abierto Valencias’impose désormais comme l’un des rendez-vous incontournables en Espagne pour découvrir les galeries d’art, les artistes émergents et les expositions inédites.
Bien plus qu’un simple gallery weekend, Abierto Valencia est une semaine culturelle qui combine vernissages, visites guidées, conférences, performances et rencontres entre artistes, collectionneurs et grand public.
Une scène valencienne en pleine effervescence
La particularité de l’édition 2025 est son ancrage local : la majorité des projets exposés sont portés par des artistes issus de la Communauté valencienne. Parmi eux :
Estefanía Serrano Soriano (Galería Cuatro) avec Línea y plano sin el punto, une exposition basée sur la ligne libre et la contemplation.
David Sánchez(La Mercería) avec Memorias de algo nuevo, une œuvre qui réinvente la temporalité à travers un dialogue entre géométrie et organicité.
María Esteve (Thema) avec Transitar la huella, une recherche sur les empreintes urbaines et les cicatrices de la ville.
Ces projets témoignent de la vitalité créative de Valence et de la capacité des artistes locaux à interroger mémoire, territoire et matière.
Une ouverture internationale
Abierto Valencia 2025 ne se limite pas à la scène locale : il accueille également des artistes internationaux qui apportent une respiration nouvelle.
Chingsum Jessye Luk(Hong Kong) présente How am I? (Set Espai d’Art), une réflexion sur le consumérisme et le travail au quotidien.
Miguel Rothschild (Argentine) expose Felices los que creen sin haber visto (Jorge López Galería), une série d’installations qui désacralisent l’imagerie religieuse.
Venske & Spänle (Allemagne) transforment le marbre en créatures étranges et vivantes, oscillant entre humour et inquiétante étrangeté.
Ces dialogues entre artistes espagnols et internationaux renforcent la dimension cosmopolite de l’événement et affirment la place de Valence comme hub artistique méditerranéen.
Lumière, couleur et matière
Nombreuses sont les expositions qui jouent sur la force plastique des matériaux.
Nuria Vidal (Alba Cabrera) présente Un espacio sin estragos, une peinture lumineuse et formelle.
Oliver Roura explore l’iridescence, transformant la lumière en vibrations colorées.
Antonio Ovejero, avec Si todo fuera terciopelo (CLC Arte), inaugure un nouvel espace d’exposition et propose une réflexion sur la mémoire domestique et l’élément quotidien.
Ces approches rappellent que l’art contemporain ne cesse de renouveler son rapport à la matière, oscillant entre expérimentations visuelles et profondeur symbolique.
Un manifeste collectif
La galerie Tuesday to Friday réunit pas moins de seize artistes dans l’exposition Nice to see you / Hope to see you again. Véritable hommage au parcours de la galerie, cette exposition collective illustre la dimension expérimentale et collaborative d’Abierto Valencia.
De son côté, Luis Adelantado propose Llaga de mar, alivio de monte, une réflexion à trois voix (Laura Palau, Andrés Izquierdo et Javi Cruz) autour du paysage, de la mémoire et du rituel.
Ces propositions collectives inscrivent l’événement dans une logique de partage et d’échange, où le spectateur n’est pas simple observateur mais acteur d’une scène vivante.
Pourquoi visiter Abierto Valencia 2025 ?
Pour découvrir les expositions phares de la saison avant leur diffusion internationale.
Pour explorer une scène artistique locale en pleine effervescence.
Pour rencontrer artistes émergents et confirmés.
Pour vivre une expérience culturelle immersive dans les galeries et musées de Valence.
FAQ – Abierto Valencia 2025
Qu’est-ce qu’Abierto Valencia ? Abierto Valencia est une semaine dédiée à l’art contemporain à Valence. Les galeries ouvrent leurs portes et proposent des expositions inédites.
Quand a lieu Abierto Valencia 2025 ? L’événement se déroule du 26 septembre au 3 octobre 2025.
Quelles galeries participent ? Parmi les galeries : Alba Cabrera, Jorge López Galería, La Mercería, Luis Adelantado, Shiras Galería, Set Espai d’Art, Rosa Santos, et bien d’autres.
Quels artistes découvrir cette année ? Nuria Vidal, David Sánchez, Mar Reykjavik, Estefanía Serrano Soriano, Miguel Rothschild, Chingsum Jessye Luk, Antonio Ovejero, entre autres.
Pourquoi visiter Abierto Valencia ? Pour découvrir la scène valencienne, rencontrer des artistes émergents, et vivre une semaine de découvertes culturelles dans une ville vibrante.
Une nouvelle fresque de Banksy cachée en quelques heures
Publication Instagram sur le compte de Banksy. Royal Courts of Justice, Londres, 08 septembre 2025
Le 8 septembre 2025, une nouvelle œuvre de Banksy est apparue sur la façade des Royal Courts of Justice à Londres. Le pochoir représentait un juge britannique frappant un manifestant au sol, protégé seulement par une pancarte ensanglantée. Une image choc, immédiatement recouverte par des bâches et des palissades, avant même que le public puisse vraiment l’admirer.
Quand la justice se fait accusée
D’ordinaire, les pouvoirs publics protègent les œuvres du street artiste britannique avec panneaux transparents et dispositifs anti-graffiti. Ici, au contraire, l’intervention a été effacée presque aussitôt, comme si elle visait trop directement une institution fragile face à la critique. Banksy pointe du doigt une contradiction : une justice censée garantir la liberté d’expression, mais qui peut devenir l’outil de son étouffement.
Un héritage contestataire assumé
Avec ce geste, Banksy s’inscrit dans la lignée de l’art politique britannique, du sarcasme de William Hogarth au langage visuel du punk. Son pochoir, rapide et incisif, frappe par sa lisibilité immédiate et sa portée universelle : qui protège encore le citoyen face aux puissants ?
L’ironie d’une disparition
La disparition physique de l’œuvre n’a pas empêché sa diffusion. Bien au contraire. Sur Instagram, Banksy a confirmé son authenticité en partageant une photo à ses 13 millions d’abonnés, déclenchant un raz-de-marée de réactions. Le paradoxe est total : empêcher de voir, c’est donner à voir plus fort. L’image interdite devient virale, renforçant son impact symbolique.
Un nouveau chapitre dans l’histoire de Banksy
Cette intervention s’ajoute aux grands coups de l’artiste – de Girl with a Balloon à ses œuvres en Cisjordanie – et confirme son rôle de conscience visuelle du monde contemporain. En une nuit et quelques traits de pochoir, Banksy rappelle que l’art n’est pas qu’ornement, mais résistance.
Depuis quelques années, le nom de Nicole Azoulay s’impose dans le paysage de l’art contemporain. Peintre autodidacte, elle travaille à l’acrylique, au couteau, sur de grands formats où la couleur prend une force presque incandescente. Ses œuvres, entre abstraction et émotion pure, captivent par leur intensité et leur sincérité.
Elle avait posé les pinceaux pendant plus de dix ans. Trop de deuils, trop de silence. Mais en 1926, à soixante ans, Blanche Hoschedé-Monet reprend ses couleurs. Un an plus tard, elle peint L’allée des rosiers, le jardin de Claude Monet à Giverny, une toile délicate, baignée de lumière et de souvenirs. Ce chef-d’œuvre rare est aujourd’hui visible au musée Blanche Hoschedé-Monet à Vernon, grâce à un dépôt exceptionnel du musée des Augustins de Toulouse.
Blanche et ses invités dans le jardin
Une femme dans l’ombre du maître… qui devient la mémoire vivante de Giverny
Blanche n’est pas seulement la belle-fille de Monet. Elle est sa plus proche élève, sa confidente artistique, et plus encore : la seule à reprendre le flambeau après sa disparition. Si ses œuvres furent longtemps négligées, elles méritent aujourd’hui d’être vues, regardées, ressenties.
Dans L’allée des rosiers, elle ne cherche pas à innover. Elle cherche à sauvegarder. Elle peint pour que le jardin ne disparaisse pas. Pour que la maison reste habitée. Pour que les souvenirs de Claude Monet — son beau-père, son maître, son monde — continuent de respirer à travers chaque fleur, chaque arceau, chaque lumière.
L’allée des rosiers
Une œuvre entre mémoire et consolation
Le tableau, peint après 1926, capte le jardin dans son état réel : les arbres abattus, les rosiers envahissants, les plates-bandes foisonnantes. Rien n’est figé : c’est la vie qui continue, malgré les absents.
On y sent une infinie tendresse. Une peinture du deuil et de la vie, où les couleurs deviennent une façon de rester debout. Comme l’écrivait Georges Clemenceau dans une lettre bouleversante à Blanche :
« Tenez-vous ferme à vos pinceaux. Ils possèdent et posséderont la vertu de vous faire oublier le vide. »
Le musée Blanche Hoschedé-Monet : un lieu de transmission et de matrimoine
À Vernon, à deux pas de Giverny, le musée qui porte son nom devient aujourd’hui le gardien de cette mémoire féminine. Deuxième musée de France à être dédié à une artiste femme, il expose des œuvres impressionnistes mais aussi des créatrices contemporaines.
Le dépôt de ce tableau de 1927 vient enrichir un parcours unique où l’on découvre non seulement l’art, mais aussi l’héritage d’une femme libre et courageuse, qui a choisi de vivre à travers la peinture.
📅 Ne manquez pas les Journées du Matrimoine
Pourquoi venir voir ce tableau ?
Pour ressentir l’émotion d’un lieu peint avec amour et fidélité.
Pour découvrir le travail méconnu mais bouleversant d’une femme impressionniste.
Pour explorer le musée de Vernon, au cœur de la Normandie, à deux pas de Giverny.
Pour célébrer la force de la transmission artistique au féminin.
📍 Infos pratiques :
Musée Blanche Hoschedé-Monet 12 rue du Pont – 27200 Vernon 📧 musee@vernon27.fr | 📞 02 32 64 79 05 🌐 vernon27.fr 🕒 Ouvert tous les jours sauf le lundi
